Archive for Octubre, 2009

Més Król Roger

31 Octubre 2009

Krol_Roger-Edinburgh

Remenant per internet he trobat dues versions més del Król Roger, aquestes cantades en l’idioma original.

La primera és del Festival d’Edinburg del 2008, i té la garantia de qualitat de comptar amb la companyia del Mavrinski i la direcció del totpoderós Valery Gergiev.

Karol Szymanowski-Król Roger (Part1, Part2)
Festival d’Edinburg. 2008

Roger – Andrzej Dobber
Roxana – Elzbieta Szmytka
Edrisi – Sergei Semishkur
Shepherd – Pavlo Tolstoy
Archbishop – Yury Vorobiev
Deaconess – Lyubov Sokolova
Mariinsky Opera Company-Valery Gergiev

La segona es del Festival de Bregenz d’aquest estiu, on es va estrenar la producció que veurem al Liceu i amb un repartiment molt semblant al que es veura al Liceu, dirigits pel prestigiós mestre Mark Elder.

Karol Szymanowski-Król Roger (Part1, Part2, Part3)

Festspielhaus Bregenz,2009

Roger –  Scott Hendricks
Roksana – Olga Pasichnyk
Edrisi – John Graham-Hall
Pasterz – Will Hartmann
Archiereios – Sorin Coliban
Dyakonissa – Liubov Sokolova
Sängerensemble der Stadt Katowice–Camerata Silesia-Polnischer Rundfunkchor-Krakau Kinderchor
Wiener Symphoniker-Sir Mark Elder

—————————————–

Post relacionat:

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/10/29/preparant-krol-roger-de-karol-szymanowski/

Anuncis

Preparant Król Roger de Karol Szymanowski

29 Octubre 2009

088-089 koneser.qxd

La pròxima obra lírica que arriba al Liceu és una estrena absoluta a Espanya. Pertany al compositor polac nascut a Ucraïna Karol Szymanowski. Es una obra que no conec gaire, ja que nomes l’he sentida en una gravació obtinguda per internet i en versió cantada en alemany (amb un jove Jonas Kaufmann). Per la seva forma en episodis i per la seva construcció musical i dramàtica és més com un oratori que una òpera a l’ús. La música és bastant suggerent, hereva de la tradició wagneriana i mahleriana, en la línia de Strauss, i es noten les influències de Scriabin, Ravel o Debussy amb moments força melòdics i harmònicament molt suggestius.

Com estic bastant fet pols desprès de passar pel quiròfan dues vegades en vint dies (amb infecció postoperatòria inclosa) us deixo la informació que es troba en la web del Gran Teatre del Liceu i la versió en alemany de l’obra que disposo. També us adjunto el video de presentació de la producció.

Introducció a l’obra i l’autor

Llibret de Jaroslaw Iwaszkiewicz i del compositor basat en Bacchae d’Eurípides. Música de Karol Szymanowski. Estrenada el 19 de juny de 1926 al Teatre Wielki de Varsòvia. Estrena a Espanya.

Król Roger (El rei Roger) és una òpera del compositor polonès, però nascut a Ucranïa, Karol Szymanowski, amb llibret de Jarosław Iwaszkiewicz, estrenada a Varsòvia el 1926. Ambientada a la Sicília del segle XII, enllaça elements del classicisme grec –el culte al déu Dionís– amb la filosofia de Nietzsche i explora la convivència cultural bizantina, àrab, grega i europea. Es considera una de les grans òperes del segle xx. El personatge central, el rei sicilià Roger, s’inspira en la figura del rei de Tebes Penteu, que prohibí el culte a Dionís i morí al mont Citeró destrossat per la seva mare i les seves germanes. Narra l’arribada a Sicília d’un misteriós pastor, que sedueix la reina Roxana i tota la cort, i finalment es manifesta com a Dionís, el déu del vi, de la fertilitat i de l’hedonisme. Però Roger resisteix la seva seducció i acaba l’obra amb un vibrant himne a Apol·lo i al Sol, símbols de la racionalitat del classicisme, que s’oposa a l’èxtasi de Dionís i dels seus seguidors. El primer acte, dit «bizantí», té lloc a la catedral de Palerm; el segon, dit «oriental», a l’Índia i al Pròxim Orient, i el tercer, dit «grecoromà», en un vell temple grec, i la música recull les distintes atmosferes: la religiosa, la de les danses orientals exòtiques i la de l’idealisme i la passió.

L’òpera representa el conflicte entre els ideals cristians i pagans, o entre les tendències dionisíaca i apol·línia dins de cadascun de nosaltres. La veu d’un nou déu es fa sentir a través del misteriós pastor, que apareix davant el rei cristià Roger. Tots el rebutgen, llevat de la reina Roxana, la qual, guiada per la seva intuïció més que no pas per la seva raó, sembla donar crèdit al missatge del pastor. Després de provar de fer-lo presoner, el rei acaba component-se amb aquest fenomen nou i el repte que representa. La música té una mica de la riquesa i de la textura de la dels contemporanis de Szymanowski, Strauss o Scriabine/Skriabin, de vegades amb la sagacitat de la de Debussy.

Síntesi argumental

L’òpera Król Roger (El rei Roger), òpera del compositor polonès Karol Szymanowski i llibret de Jarosław Iwaszkiewicz i del mateix compositor, basada en Bacchae d’Eurípides, fou estrenada al Gran Teatre de Varsòvia el 1926. L’acció se situa a la Sicília del segle XII, període d’ocupació d’una dinastia normanda a l’illa, el membre més destacat de la qual fou Roger II Hauteville (1130-1154).

Acte I – En una missa solemne que se celebra a la catedral de Palerm, presidida pel rei Roger i la seva esposa Roksana, l’arquebisbe i la diaconessa, figures influents de la cort normanda, acompanyats pels cors, supliquen al sobirà que faci justícia i defensi la santa fe davant la presència inquietant d’un pastor que predica contra les creences dels fidels i els incita al pecat. El conseller Edrisi, savi àrab de la cort, i Roksana, demanen al rei que no el condemni sense jutjar-lo. Roger dóna ordre que condueixin davant seu el pastor, jove bellíssim i misteriós, que en el diàleg amb el rei mostra un orgull inquietant. Roger fa callar la gent que l’insulta i el pastor descriu amb gran dolçor el seu déu, que busca els ramats perduts amb el cap coronat d’heura i raïms a les mans, capaç de sadollar els desigs dels seus fidels. Edrisi demana pietat per al jove, igual com Roksana, i Roger, després d’un moment de còlera en què ordena que el pastor sigui mort, decideix alliberar-lo. El pastor mira els ulls del rei amb un somriure lluminós i, abans que surti, Roger, sobtadament, li ordena que aquella nit comparegui al seu palau, on serà jutjat.

Acte II – Dins el gran i luxós palau, el rei Roger, molt torbat, confessa al savi conseller Edrisi com l’inquieta el foc inconegut que brilla en la mirada del nouvingut i l’expressió dels ulls de Roksana quan aquest cantava al seu déu. Escolten ambdós atentament el cant de Roksana, que demana que la pietat amari el cor del rei. Entra amb gran solemnitat el jove i bell pastor, vestit esplèndidament, acompanyat dels seus músics, que afirma venir de les terres remotes de l’Índia, enviat per un déu amable i poderós, però troba en el rei una reacció hostil. L’escena es va omplint d’una gran gentada, fascinada pel pastor. El rei l’acusa de blasfemar i d’enverinar amb encanteris el cor dels seus seguidors. El pastor respon amb orgull, convoca els seus músics a tocar i s’inicia una gran dansa ritual, de caire orientalitzant i dionisíac. Entra Roksana, Roger intenta inútilment deturar-la, però ella fa una crida a l’amor i a l’assumpció de la follia i demana que el jove déu se l’emporti al seu paradís. Roger dóna ordre de detenir i immobilitzar el pastor, però aquest, aïrat i més segur que mai, trenca la cadena i la llença als peus del rei. Demana als qui se sentin lliures que el segueixin al seu meravellós i secret univers i la primera a fer-ho és Roksana, a la qual s’uneixen molts dels presents. Roger, sol amb Edrisi, profundament commogut, es treu la corona i el mantell reial, abandona l’espasa i decideix seguir-los com a pelegrí.

Acte III – Entre les ruïnes d’un temple grec, davant la mar, veiem arribar el rei Roger, fatigat i amb una gran tristesa, i Edrisi. Desconfia de trobar Roksana i el conseller l’insta perquè la cridi. Aviat sent la resposta de Roksana i la veu del pastor, la lluna apareix entre els núvols i illumina l’escena, i arriba la reina com una aparició meravellosa, amb una actitud amorosa vers el rei, al qual diu que el pastor està al firmament, en el món de les estrelles. L’invita a oferir-li un sacrifici sobre l’altar i llencen rams de flors dins les flames. El pastor apareix amb l’aspecte del déu Dionís, envoltat d’una llum sobrenatural. L’escena es va poblant d’ombres dels seus seguidors i el pastor intenta convèncer el rei que la seva veu desperta un cant de joia en el seu cor i convida els presents a un viatge infinit sobre els oceans. S’anuncia l’alba, les estrelles s’apaguen i la imatge del pastor desapareix mentre els seus fidels es lliuren a una bacanal, amb Roksana en qualitat de mènade. Roger no intenta deturar aquest flux de gent que va sortint, la música es va apaivagant i es dilueix en la llum de l’aurora. Sols novament Edrisi i el rei, arribem al final de l’òpera, en què Roger, posseït d’una gran força i dignitat, entona un conclusiu i solemne himne al sol naixent, la llum apol·línia del qual saluda amb emoció. Ha renascut i s’ha enriquit amb el món dionisíac, però ha aconseguit no ser-ne un esclau i assumir els principis apol·linis.

krol_5-Karl foster

Karol Szymanowski – Koenig Roger (Król Roger) (Descàrrega)

König Roger …….Wolfgang Schöne

Roxane ………….Kristine Ciesinski

Pastor……………Will Hartman

Edrisi ……………Jonas Kaufmann

Erzbischof ………Mark Munkittrick

Diakonissin ……..Carmen Mammoser

Opera de Stuttgart –  Lothar Zagrosek

Stuttgart, november de 1997

 

DADES DE LA PRODUCCIO

Títol / Krol Roger

Direcció d’escena / David Pountney

Escenografia / Raimund Bauer

Vestuari / Marie-Jeanne Lecca

Il·luminació / Fabrice Kebour

Coreografía / Beate Vollack

Nova coproducció: Gran Teatre del Liceu / Festival de Bregenz

Direcció musical Josep Pons

Roger II, rei de Sicília – Scott Hendricks / Artur Rucinski

Roksana – Anne Schwanewilms / Monika Mych

El pastor – Will Hartmann / Pavlo Tolstoy

Edrisi, un savi àrab – Francisco Vas / Roger Padullés

Arquebisbe – Daniel Borowski / Aleksander Teliga

Diaconessa – Jadwiga Rappé / Agnes Zwierko 

Mis favoritos: Las sinfonías de Johannes Brahms

25 Octubre 2009

Brahms

En las últimas semanas he escuchado dos integrales de las cuatro sinfonías de Brahms. Tengo que confesar que estas obras están entre las composiciones que más me gusta escuchar y reescuchar, sobretodo la cuarta, que es una de las composiciones sinfónicas que más me llenan y me hacen disfrutar.

Las dos integrales que os presento son muy diferentes. La primera es un clásico de la discografía y la segunda una novedad (apareció hace pocos meses) que acabará siendo un clásico. Pero hablemos un poco de las sinfonías.

Sinfonía nº 1 en do menor, Op. 68 (1876)

La primera sinfonía de Brahms se estrenó en 1876 después de una larguísima concepción. El mundo musical esperaba con ansia la primera obra sinfónica del compositor, y Brahms consciente de ello se tomó su tiempo. En 1862 ya tenía una versión del primer movimiento, mientras que 1868 seguramente ya había concluido el último, ya que envió una felicitación de cumpleaños a Clara Schumann con el tema del “cuerno alpino” del finale. Después del estreno de 1876 todavía volvería a reescribir el segundo movimiento.

La sinfonía tiene cuatro movimientos, indicados como sigue:

I. Un poco sostenuto – Allegro – meno Allegro

II. Andante sostenuto

III. Un poco Allegretto e grazioso

IV. Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio – Più Allegro (do mayor)

El primer y cuarto movimiento son claramente de inspiración Beethoveniana, de allí que se le llegase a calificar como la décima, ya que el tipo de tema y desarrollo del primero recuerdan claramente la estructura del primero de la novena, mientras que el último con su impetuoso inicio de la que emerge la melodía en forma de himno del corno alpino calcan el modelo del finale de la sinfonía coral del genio de Bonn.

Sin embargo, los dos movimientos centrales (un amable andante en forma de romanza y un plácido intermezzo) se alejan del prototipo beethoveniano, más potente, y nos muestran a un Brahms más romántico y contemplativo, claramente inspirado por Schumann.

Para que podáis comprobar la grandiosidad beethoveniana os dejo un link a unos videos que recogen el último movimiento. 

Brahms Sinfonia N.1 Quarto Mov (1ª parte, 2ª parte) Berliner Phihlarmoniker -Karajan

Sinfonía nº 2 en re mayor, Op. 73 (1877)

La segunda sinfonia representa un giro de 180 grados respecto a la anterior, parece que Brahms una vez rendidas cuentas con Beethoven tome su propia vía. En esta segunda sinfonía abandona el dramatismo para aterrizar en una concepción más lírica. Compuesta durante una visita a los Alpes austriacos, tradicionalmente a esta sinfonía se la considera la más original de las cuatro, su sinfonía “Pastoral”, ya que está llena del simbolismo romántico de la Naturaleza (con intervenciones de trompa, flautas o clarinetes que trinan como los pájaros) que envuelve a la partitura en un contexto armónico exuberante.

En su segunda sinfonía, Brahms conserva la forma típica en cuatro movimientos:

I. Allegro no troppo

II. Troppo no Adagio

III. Allegretto grazioso (quasi Andantino)

IV. Allegro con Spirito,

El primer movimiento suena como un inmenso vals, con expansivas melodías, pero los trombones de vez en cuando introducen unos sonidos más sombríos que hacen de contrapunto a la placidez general. En el segundo movimiento estas sombras se hacen más evidentes, llegando a desencadenar un clímax más trágico. En los dos últimos movimientos se aligera de nuevo la atmósfera, siendo el Allegretto un intermezzo donde se mezcla una melodía elegante con una rápida y nerviosa danza. El cuarto movimiento es un estallido de optimismo y jovialidad, siendo la música más vivaz que jamás compondría Brahms (a parte de alguna de sus danzas húngaras), como podéis disfrutar en el link que os adjunto.

Symphony Nr. 2 in D major – Op. 73 (Allegro con spirito) Berliner Philarmoniker Simon Rattle Tokyo 2004

 Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 (1883)

Hans Richter, que en Viena, llamó a la sinfonía “Heroica”, pero tanto por su contenido como por su estructura no tiene nada que ver con la homónima de Beethoven: es la sinfonía más corta de Brahms y sus secciones en los tres movimientos en forma de sonata son muy breves. Pero a pesar de su brevedad es una de sus obras armónica y melódicamente más ricas: las exposiciones de los temas y las recapitulaciones son expansivas y llenas de ideas memorables, mientras que la unidad interna entre los diferentes movimientos queda garantizada por el desarrollo de elementos procedentes del movimiento lento en el final, y la utilización de una particula o “motto”, típica de Brahms (FA-LA-FA, F-A-F en notación), que dicen que el compositor asociaba a su lema vital “frei aber froh” (libre pero feliz).

La sinfonía tiene cuatro movimientos:

I. Allegro con brio

II. Andante

III. Poco allegretto

IV. Allegro

El primer movimiento se inicia con una enérgica exposición  de la orquesta de la melodía primaría que no decae en todo el desarrollo con un tempo de vals lleno de agitación y apasionamiento. El segundo movimiento es mucho más amable como si fuera una representación de la música de una fiesta rural. El intermezzo que le sigue presenta un carácter más agridulce, más introspectivo y sentido. El último movimiento se inicia de manera misteriosa para estallar de manera ardiente y dramática que culmina en con una frenética transformación de uno de los temas del movimiento lento.

Brahms: Symphony No.3 Mov.3-The Leipzig Gewandhaus Orchestra – Kurt MASUR, 1991

Sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98 (1885)

La última sinfonía de Brahms es para mí una de las obras sinfónicas más fascinantes de toda la música, ya que representa la fusión de revivir la formalidad estructural más barroca con toda la pasión del romanticismo. El genial último movimiento recupera la antigua forma del pasacalle, apoyado en un bajo del coro final de la Cantata nº150 de Bach. Esta unión se palpa a lo largo de toda la obra, en la que la tragedia y el lirismo encuentran su máximo expresión en toda la producción del compositor.

La sinfonía está dividida en cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo

II. Andante moderato

III. Allegro giocoso – Poco meno presto – Tempo I

IV. Allegro energico e passionato – Più Allegro

El agitado primer movimiento ya contiene el germen del final. El tema de obertura es muy bello y dinámico, con una armonía vibrante y una estructura muy compleja (barroca) presagiando algunos de los elementos que se desarrollaran a lo largo de toda la obra y que se materializarán en el final. El movimiento lento recuerda la austeridad de muchas composiciones eclesiásticas barrocas, contrapuestas con la calidez y el brillo de la tonalidad en mi mayor que lo rige. El tercer movimiento es de un ímpetu rítmico y energía contagiosos. El pasacalle final somete el tema de inspiración bachiana a treinta variaciones y una coda, donde las variaciones individuales se agrupan en grandes párrafos para darle una apariencia de forma de sonata. El flujo de ideas es continuado y genial.

Como muestra os dejo un link con este último movimiento interpretado gloriosamente por Carlos Kleiber y la Bayerische Staatsorchester. Atención al virtuosismo del maestro, que tiene la referencia absoluta de esta obra en su grabación de 1980 con la Filarmónica de Viena para DG.

Brahms Symphony No.4 (4th mov) – Bavarian State Orchestra. Carlos Kleiber

brahms - sanderling

Brahms-Sinfonías-Kurt Sanderling-Staatskapelle Dresden

Esta integral grabada a principios de los años 70 es una de las integrales referenciales para gran parte de la crítica internacional. La visión de Sanderling es muy académica, sin genialidades personalistas como podrían ser las de Furtwängler (puro fuego) o manierismos orquestales (Karajan), su concepción es similar a la de la primera integral de Giulini (con la Philharmonia) pero sin llegar a esa “frialdad” ascética del italiano, ni esos tiempos tendientes a la lentitud (como también les pasa a Klemperer o Celibidache).

Sanderling obtiene un rendimiento excelente de la Staatskapelle, con un equilibrio entre planos orquestales casi milimétrico pero sin desperdiciar la maravillosa afinación y compenetración de la cuerda de los de Dresde.

Son los puntos fuertes de su integral una tercera muy vivaz pero extremadamente clara en la exposición de la entramada estructura, y una cuarta que rivaliza sin problemas con la genial versión de Kleiber jugando en el mismo terreno del apasionamiento pero sin dejar de prestar escrupulosa atención a todos los detalles.

Su visión de la primera es muy Beethoveniana, con un primer y cuarto movimiento que por articulación y precisión anticipan los criterios historicistas de un Gardiner o un Harnoncourt. Mientras que la segunda es quizás su interpretación más convencional.

CD 01

Symphony No. 1 in C minor, op. 68

Variations on a Theme by Haydn, op. 56a

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (I-II)

CD 03

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (III-IV)

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Tragic Overture, op. 81

Staatkapelle Dresden-Kurt Sanderling

Brams-Rattle

Brahms-Sinfonías-Simon Rattle-Berliner Philharmoniker

Desde la integral de Karajan nadia había conseguido extraerle a las obras de Brahms y a los filarmónicos berlineses un magma sonoro tan cautivador y brillante como el director británico, ni siquiera Abbado en su integral, con un sonido más masivo y compacto. Rattle se consolida como un gran intérprete de Brahms con estas lecturas, después de su maravillosa versión del Requiem Alemán. Maravilla, también, la calidad de la toma de sonido (de los conciertos en directo realizados en noviembre de 2008), con una Filarmónica de Berlín en estado de gracia.

Rattle triunfa plenamente en una versión de la segunda tan pastoral como absolutamente vitalista, al igual que en la primera consigue transmitir toda la energía de los movimientos extremos y el romanticismo desbordado de los intermedios. En la tercera nos deja un tercer movimiento totalmente evocador, y en la cuarta cincela la intrincada estructura barroquizante con precisión, dejando una lectura que si bien no es la más dramática quizás sí es la más limpia y precisa.

CD 01

Symphony no. 1 in C minor, op. 68

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90

CD 03

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Berliner Philharmoniker-Simon Rattle

Mis favoritos: Montserrat Caballé – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites

22 Octubre 2009

Caballerara

No voy a hacer muchos comentarios de este extraordinaria recopilación de arias que la soprano catalana grabó entre 1968 y 1970, y que representaron una pequeña revolución dentro del mundo de la lírica, ya que no era usual que una cantante recién ascendida al estrellato se dedicara a grabar, en vez de las piezas más trilladas del repertorio sopranil, una serie de escenas y arias de obras escasísimamente representadas o totalmente olvidadas.

El ansia de la Caballé por hacer arqueología musical tiene aquí su primer y uno de los más suculentos frutos, con la soprano en plenitud de facultades, Sólo decir que muchas de las arias que aquí se recogen después fueron interpretadas en recuperaciones de las obras, algunas de ellas protagonizadas por la misma Caballé; y que muchas de ellas han pasado a formar parte del repertorio de otras ilustres compañeras.

La voz de la Caballé suena sin mácula y su canto es realmente cautivador por musicalidad, estilo y matices, si bien podría decirse que con el tiempo mejoraría en la emisión del registro grave y perfeccionaría en la ejecución de algunos pasajes de coloratura.

Estos discos son una joya de valor incalculable que todo amante del belcanto debería conocer y atesorar.

Montserrat Caballe – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites (CD01, CD02a, CD02b)

 CD1

01. Rossini – La Donna del Lago – Tanti Affetti In Tal Momento
02. Rossini – Otello – O Tu, Del Mio Dolor-Assisa A’ Piè D’un Salice
03. Rossini – Stabat Mater – Inflammatus Et Accensus
04. Rossini – Armida – D’amore Al Dolce Impero
05. Rossini – Tancredi – O Patria Dolce-Tu Che Accendi Questo Core Di Tanti Palpiti
06. Rossini – L’Assedio di Corinto – L’ora Fatal S’appressa-Giusto Ciel! in Tal Perigli
Orchestra e Coro della RCA Italiana – Carlo Felice Cillario

07. Donizetti – Belisario – Plauso! Voci Di Gioia-Sin La Tomba E A Me Negata!
08. Donizetti – Parisina d’Este – Act 3 No, Più Salir Non Ponno … Ciel, Sei Tu Che…

CD2

01. Donizetti – Torquato Tasso – Fatal Goffredo!Trono E Corona
02. Donizetti – Gemma Di Vergy – Lascia, Guido, Ch’io Possa Vendicare-Una Voce
London Symphony Orchestra – Carlo Felice Cillario

03. Verdi – Un Giorno Di Regno – (Il finto Stanislao) Ah! Non M’hanno Ingannata!-Grave A Core
04. Verdi – I Lombardi – Qual Prodigio! Non Fu Sogno!
05. Verdi – I Due Foscari – No, Mi Lasciate-Tu Al Cui Sguardo Onnipossent
06. Verdi – Alzira – Riposa. Tutte, In Suo Dolor Vegliante-Da Gusman
07. Verdi – Attila – Liberamente Or Piangi-Oh! Nel Fuggente Nuvolo
08. Verdi – Il Corsaro – Egli non Riede Ancora!-Non So Le Tetre Immagini
09. Verdi – Aroldo – Oh, Cielo! Dove Son’io!-Ah! Dagli Scanni Eterei

Orchestra e Coro della RCA Italiana – Anton Guadagno

LE NOZZE DE JACOBS

19 Octubre 2009

Nozze-Jacobs

No voy yo a llevar la contraria a toda la crítica y mayor parte del público, esta versión es excelente, pero me atrevería a decir que no supera en ningún momento las grandes versiones clásicas como la de Erich Kleiber (DECCA, 1955 Wiener Staatsopernchor / Wiener Philharmoniker. Cesare Siepi, Hilde Gueden, Alfred Poell, Lisa Della Casa, Suzanne Danco, Fernando Corena ), la de Böhm (D.G., 1968 Chor und Orchester der Deutschen Oper Berlin. Herman Prey, Edith Mathis, Dietrich Fischer-Dieskau, Gundula Janowitz, Tatiana Troyanos, Peter Lagger) o la primera de Sir Georg Solti (DECCA, 1982 London Opera Chorus / London Philharmonic Orchestra. Samuel Ramey, Lucia Popp, Thomas Allen, Kiri Te Kanawa, Frederica von Stade, Kurt Moll), ni en estilo, ni en cantantes ni en resultados dramáticos.

Por el contrario sí que no dudo en situarla en el número uno entre todas las realizadas con criterios y/o conjuntos instrumentales de época, dejando en evidencia a las versiones de ilustres como Gardiner o Harnoncourt (las dos que tiene), y entre todas las grabadas en los últimos 20 años, que no es poco.

Quizás lo que mejor aguanta la comparación con tal plantel de ilustres predecesores sea la formidable dirección de René Jacobs, que aplicando criterios historicistas, más en el sonido que en el estilo (ya que no suena barroquizante), hace destilar oro al Concerto Köln. Suenan bien todas las secciones, pero destacan unas maderas afinadísimas y virtuosas en los da capo, mientras que la cuerda mantiene una hegemonía y afinación perfecta. Los tiempos son ligeros pero no frenéticos y no escatima volumen en los contrastes. Además, Jacobs retoma el orden original del acto III, interpreta la opera completa y hace que dos cantantes doblen personajes, como sucedió cuando Mozart condujo esta ópera.

El equipo de solistas es muy homogéneo, destacando el fantástico Cherubino de Angelika Kirchschlager, que para mí es la única que juega en la misma división que sus ilustres antecesoras (la Danco o la von Stade). Le sigue el Conde un tanto enfático en lo dramático pero vocalmente irreprochable de Keenlyside, cercano a las sutilezas de Fischer-Dieskau pero sin tantos recursos. Notable la Susana de la Ciofi que con una voz un tanto vulgar en el timbre hace maravillas por la gran expresividad de su interpretación. La condesa de Gens es correcta en todos los aspectos, pero no deslumbrante, y el Figaro de Regazzo no tiene ni la imponente presencia de Ramey ni la gracia y picardía del gran Prey.

La grabación consiguió un Grammy merecido.

W.A. Mozart – Le nozze di Figaro (Partes 1, 2 ,3 ,4, 5, 6, 7 y 8. Password: Sankerib)

Simon Keenlyside……El Conde de Almaviva

Véronique Gens………Rosina, la Condesa

Patrizia Ciofi…………..Susana, su criada

Lorenzo Regazzo……..Figaro, criado del Conde

Angelika Kirchschlager…….Cherubino, un paje

Marie McLaughlin……..Marcellina

Kobie van Rensburg……..Basilio y Curzio

Antonio Abete……..Bartolo y Antonio

Nuria Rial……….Barbarina

Concerto Köln-Collegium Vocale Gent- René Jacobs.

Monserrat Caballé al Liceu: Norma de Vincenzo Bellini (11/01/1970)

16 Octubre 2009

Norma-Liceu

 

Avui toca un dels dies més importants en la carrera de la nostra soprano: el seu debut absolut en el paper que la acabaria de portar a l’Olimpo de les més grans, la Norma de Bellini.

Per a comentar la funció només em limitaré a transcriure la crítica-crònica completa que el mestre Xavier Montsalvatge, que exercia de crític per La Vanguardia, va fer de l’esdeveniment.

 

Anoche, en el Gran Teatro del Liceo UNA «NORMA» SENSACIONAL Y UN TRIUNFO SIN PRECEDENTES DE MONTSERRAT CABALLÉ Y FIORENZA COSSOTTO

Es indudable que la inopinada ausencia de Mario del Monaco en el reparto previsto para la «Norma» de esta temporada resto aliciente a la representación de ayer pero |a substitución del gran tenor italiano por un valor remarcable de la lírica italiana como es Bruno Prevedi equilibró satisfactoriamente el cuarteto solista y bien podemos s-guir considerando, después de la función de anoche, aunque ha sido esta «Norma» la que mejor recuerdo habrá dejado en el primer escenario barcelonés, donde la obra maestra de Bellini ha contado por lo regular con intérpretes de alta categoría, entre otros Fiorenza Cossotto que en repetidas ocasiones ha sido la Adalgisa ideal, Ivo Vinco, que aún más frecuentemente ha asumido el papel de Oroveso y el mismo Bruno Prevedi que con los dos artistas antes citados inauguró la temporada de 1962.

La principal novedad de esta reposición (aparte de que ha sido dirigida por Cario Felipe Cillario), ha sido pues la «Norma» propiamente dicha, nuestra cada día más admirada, más justificadamente ovacionada Montserrat Caballé que ofreció al Liceo las primicias de su nuevo «rol» con el que acaba de obtener uno de sus más señalados triunfos de su carrera operística. Este era de esperar, incluso me extraña que no se hubiese producido antes. «Norma» —la apoteosis del bel canto y de la melodía extática, desprovista de cualquier elemento diversivo o perturbador— encaja perfectamente con la voz y las facultades de Montserrat Caballé que sólo se explica el retraso a incorporarla en su ya amplio repertorio por el deseo de alcanzar el dominio absoluto de las dificultades de emisión que en una indeclinable retahila se suceden en la partitura; por tener la seguridad de poderla cantar sin desfallecimiento, incólume el «flato», hasta la culminación de la obra que radica precisamente en el último acto, y finalmente para aceptar con ventaja el resto que significa esta especie de pugilato vocal que Bellini provoca entre la soprano y la mezzo —Norma y Adalgisa— en «crescendo» constante- Montserrat Caballé fue frenéticamente, bulliciosamente aplaudida ayer por haber cumplido con sus objetivos y su éxito total fue más significativo porque tuvo a su lado a Fiorenza Cossoto, una Adalgisa excepcional a quien le correspondió un éxito de ovaciones similar, al tenor Bruno Prevedi y a Ivo Vinco, para formar un cuarteto protagonista de absoluto primer orden. Porque no podemos dejar de considerar que «Norma» es una ópera para los primeros papeles. Todo lo demás es en ella secundario; la presencia del coro, puramente ornamental o para animar con anacrónicas marchas castrenses una gratuita acción argumental; la orquesta reducida a fragilísimo y estereotipado acompañamiento o en misión de fanfarria absurdamente hueca; y la acción, mínima, imaginada por un libretista mediocre.

Pero todo esto es únicamente el chasis sobre el que Bellini trazó la red de sus melodías alambicadas, de una pureza, una morbidez y una gracia cautivadora hasta tal punto que el mismo Wagner —según confesión propia— «derramó lágrimas de emoción al escucharlas». Las tres cuartas partes de «Norma» quedan inmersas en este clima lírico; desde el primer acto, cuando Pollione confiesa su amor por Adalgisa («Meco all’altar di Venere») hasta la escena conclusiva en la que «Norma» avanza hacia el sacrificio («Deh! non volerli vittime») pasando por la ultra-famosa «Casta Diva», por la plegaria de Adalgisa («Proteggini o Dio»), la violenta aria de «Norma», «Oh, non tremare! o pérfido», y el gran dúo entre las dos sacerdotisas que se desarrolla en el acto tercero —probablemente el mejor— y otras escenas que se suceden como si Bellini las hubiese concebido para dejar sin aliento a sus heroínas. En estos fragmentos la representación de ayer alcanzó los más altos niveles y los cantantes afirmaron más rotundamente sus facultades y su personalidad interpretativa.

Naturalmente, la primera gran expectación se produjo cuando Montserrat Caballé, en un ambiente de silencio electrizante, inició el recitativo seguido del aria «Casta Diva», que dijo con un aplomo y una intensidad emotiva subyugantes. Espléndida en la voz, rotunda en la emisión preciosista en el matiz, sin abuso de filados ni efectismos, cantó con más intensidad persuasiva que nunca y en este nivel de calidad y seguridad técnica se mantuvo hasta ios últimos compases de la obra. Fiorenza Cossotto no quedó de ningún modo en segundo plano. Es una artista de una categoría insuperada actualmente en su registro. Su voz llena y penetrante se mantiene en una pureza sin fisuras. En los dos dúos de Adalgisa y Norma, ella y la Caballé, maravillosamente unificadas en el estilo, ofrecieron unos instantes del más arrebatador «bel canto» que hemos podido escuchar en muchos años. El tenor Bruno Prevedi estuvo a la altura de las dos protagonistas femeninas, vigoroso en el acento, desenvuelto e infalible en los agudos tanto como en los pasajes líricos y dramáticos. El bajo Ivo Vinco, lo mismo; mejor si cabe que en las demás ocasiones que ha actuado en el papel de Oroveso. No quedaron desplazados José Ma. Carreras (Flavio) ni Teresa Batlle (Clotilde).

Por lo visto, cuando en una función se imponen los aciertos éstos son contagiosos. Lo decimos porque en esta ocasión el coro cantó con especial cohesión y la orquesta actuó transfigurada bajo la batuta del maestro Cario Felipe Cillario, experto en una ópera como «Norma» y que ha dirigido repetidamente a la Caballé, o sea, que no debió serle difícil lograr esta inquebrantable sincronización que se produjo entre la escena y el foso de la orquesta. ¡Qué agradable es para el crítico poder hablar sin eufemismos, sin necesidad de introducir entre líneas sus reservas, de un éxito total, sin fallos ni condicionamientos! Este éxito es el que se produjo ayer en el Liceo rebosante de público, con todos los fans de la Caballé y de la Cossotto dispuestos a rendir batalla a favor de su diva favorita, y quién sabe si con el propósito de minimizar el éxito de la contrincante.

Lo ocurrido exaltó todos los entusiasmos y desarmó cualquier reserva. Una tras otra cada aria fue rubricada con largas ovaciones que después de «Casta Diva», de los dos dúos del segundo y tercer actos y. cada ves que cayó la cortina, se convirtieron en verdaderos tumultos de gritos, con muchos espectadores puestos en pie y Otros agitando pañuelos. En suma, fue una de estas funciones memorables, una de estas representaciones que tanto por la calidad de la interpretación como por el clima general de la sala, sólo se producen muy de tarde en tarde.

Xavier MONTSALVATGE

No cal dir, que l’escolta de la funció rubrica l’extens assaig fet per l’insigne mestre. La única cosa que es pot afegir és que si bé la Caballé ja fa una notable Norma, la seva encarnació encara guanyaria molts enters en els següents anys, fins culminar en la ja mítica Norma d’Orange, al 1974, passejant el paper per tots els principals teatres del món (Scala, Viena, Met, Paris,….) durant més d’una dècada.

Espero que disfruteu de tant històric document.

Vincenzo Bellini – NORMA (CD01, CD02)

Norma……………Montserrat Caballé

Adalgisa………….Fiorenza Cossotto

Pollione…………..Bruno Prevedi

Oroveso………….Ivo Vinco

Flavio…………….Josep Carreras

Clotilde…………..Teresa Batlle

Orquestra i Cor del Gran Teatre del Liceu – Carlo Felice Cillaro

 

Enllaços relacionats:

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/09/30/montserrat-caballe-al-liceu-la-traviata-de-giuseppe-verdi-6-12-1973/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/08/14/montserrat-caballe-al-liceu-maria-stuarda-de-gaetano-donizetti-gener-de-1979/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/05/18/montserrat-caballe-al-liceu-i-vespri-siciliani-de-giuseppe-verdi-28-12-1974/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/05/09/montserrat-caballe-al-liceu-luisa-miller-de-giuseppe-verdi-10-01-1972/

 

Una Lucrezia com cal

14 Octubre 2009

Lucrezia

La Temporada 2007-2008 vam tenir al Liceu el debut de la Gruberova com a Lucrecia Borgia (en versió concert),  i molts del que em coneixen sabem la gran decepció que vaig tenir, tot i que els seus fans incondicionals van decretar un monumental èxit.

No vull dir que la Gruberova canti malament, ni molt menys, té una tècnica espectacular i, malgrat passar la seixantena d’anys, conserva un registre agut molt sa, el problema és que aposta tot a questa carta, i jo em pregunto, que passarà el dia que no arribi al sobreagut? La seva Lucrezia va ser avorrida de solemnitat, amb un cant amaneradíssim, amb aquells melismes que sembla una gata meula, amb un centre opac i un greu inexistent, i amb una més que dubtosa implicació dramàtica amb el personatge.

Aquest juny una altra soprano lleugera amb una carrera important, la June Anderson, va debutar el mateix paper també en versió concert a Lieja, i caram!, quina diferència.

De sortida, l’Anderson no està tant sana com la Gruberova, tot i ser una mica més jove, sobretot en el registre agut on pràcticament cala tots els atacs, però cal dir que aquesta pèrdua s’ha compensat amb un eixamplament del centre tant en volum com en gra, mentre que el greu està defensat amb dignitat. Aquest guany en la veu central li permet recrear-se molt més en el personatge, sobretot en els recitatius, creant una Lucrezia més intensa en els moments di forza (com són el duo amb el seu marit) o de patiment (tota l’escena final), mentre que la seva maestria en el cant legato li permet defensar amb molt nivell els moments més eteris (com pot ser l’entrada del personatge). La seva Lucrezia m’ha agradat moltíssim.

June Anderson – “Com’è bello”, G. Donizetti, Lucrezia Borgia, Le Forum, Liège 18/06/09

La resta de cantants que l’acompanyen també treballen a molt bon nivell, i tenint en compte la gran quantitat de coprimaris que té aquesta òpera s’agraeix.

El Gennaro de l’Ismael Jordi frega l’excel·lent. La seva veu és un tant atípica, amb unes facultats notables però amb tendència a blanquejar quan ascendeix a l’agut. Aquest fenomen no es tant evident quant ataca els aguts en forte, sinò que tendeix a “aflautar” quan el cant es més contingut o quan modula. Pel que fa l’estil res a dir, només cal sentir-lo en la dificilíssima ària “T’amo qual s’ama un angelo” (que us deixo adjuntada una mica més abaix) perquè us adoneu de la classe de cantant de la que estem parlant. Una gran actuació.

Ismael Jordi – “Partir degg’io… T’ amo qual s’ama un angelo”, G. Donizetti, Lucrezia Borgia, Le Forum, Liège 18/06/09

Grata sorpresa el fogós i brillant Orsini de la jove, però emergent mezzo Marianna Pizzolato, que crec que començaré a seguir amb atenció, amb una veu homogènia i ben timbrada, i una interpretació molt fresca i molt adient al personatge. Mentre que l’Alfonso del Mirco Palazzi, també joveníssim i en ascens, sonava més baritonal del que seria convenient, amb una veu que no acabava d’estar ajustada tant en l’agut ni com al greu, però amb molta presència.

Un altre punt fort d’aquesta versió és l’excel·lent prestació de les masses de l’Opéra Royal de Wallonie, amb un so de gran qualitat en totes les seccions, i la bona direcció del mestre Arrivabeni, que aconsegueix una lectura molt nítida i viva, potser de vegades una mica accelerada, però sempre atenta al cant.

Gaetano Donizetti – LUCREZIA BORGIA (Part01, Part02)

Lucrezia Borgia…….June Anderson

Maffio Orsini………Marianna Pizzolato

Gennaro……………Ismael Jordi

Duca Alfonso……….Mirco Palazzi

Rustighello………..Pietro Picone

Gubetta……………Chris De Moor

Astolfo……………Roger Joakim

Jeppo Liverotto…….Daniele Maniscalchi

Oloferno Vitellozzo…Cristiano Cremonini

Don Apostoli Gazella……Ivan Thirion

Ascanio Petrucci………..Patrick Delcour

Un coppiere………………Nicolas Mottart

Voce dal cello…………..Alexei Gorbatchev

Orchestra and Chorus Opera Royal de Wallonie-Paolo Arrivabeni

Concert Performance.Liege, Belgium. June 21, 2009

LA PRIMERA FLAUTA DE ABBADO

11 Octubre 2009

Abbado-Flauta

Die Zauberflöte es una de las óperas más mimadas por la discografia, y cuenta con casi una decena de grabaciones excelentes, que van desde las más tradicionales versiones de Böhm o Klemperer, hasta las más recientes con criterios historicistas. No a sido hasta pasado lo peor de su grávisima enfermedad que Abbado no se ha decidido a dirigirla de manera completa en escena y a grabarla, y la sorpresa a sido mayúscula, porque su versión se coloca de manera fulgurante entre las mejores.

Abbado interpretó estas primeras funciones de su carrera de Die Zauberflöte en Módena (2005), en una producción dirigida por su hijo. Su versión de la partitura es directa, cuidadosamente articulada y atenta a la escritura, con la mente puesta en el trabajo que durante estos últimos tiempos ha realizado los “autenticistas” pero dirigiendo a “su” Mahler Chamber Orchestra, con instrumentos modernos, dándole a la música un auténtico sabor mozartiano, donde cada compás queda perfectamente colocado y cada detalle deliciosamente iluminado, con toda la sapiencia teatral que le dan sus más de cuarenta años de trayectoria, muchos de ellos dedicados a la ópera.

Los cantantes escogidos son la mayoría germano-hablantes, todos jóvenes pero con incipientes o ya brillantes carreras. Tamino lo interpreta el tenor Christoph Strehl, que no conocía, cantando el papel con fuerza y belleza, en una lectura vital y viril, con muy buen estilo, todo un regalo para el oyente. Le acompaña la princesa Pamina de Dorothea Röschmann, una especialista en el rol, con una voz plena y un canto siempre delicadamente perfilado y articulado.

Hanno Muller-Brachmann le da al papel de Papageno una sólida voz de bajo-barítono, con un canto vivaz y una buena vis cómica, mientras que la Reina de la Noche está bien defendida por una especialista en el rol, la soprano Erika Miklosa, con una técnica depurada y un interpretación fiera de sus arias. El Sarastro de Rene Pape es soberbio, recogiendo al cantante en el punto más alto de sus facultades vocales, dándole al rol la gravedad y dignidad que requiere.

W. A. Mozart – Die Zauberflöte (links , Password:iceshoweronfire)

 Sarastro : Rene Pape

Konigin der nacht: Erika Miklosa

Pamina : Dorothea Roschmann

Tamino : Christoph Strehl

Papageno : Hanno Muller-Brachmann

Papagena : Julia Kleiter

Sprecher : Georg Zeppenfeld

Monostatos : Kurt Azesberger Arnold Schoenberg Chor – Mahler Chamber Orchestra – Claudio Abbado

DUES VERSIONS DELS CAPULETI

8 Octubre 2009

bellini-cappulett

Des de que aquesta òpera va tenir unes triomfals funcions al Teatre alla Scala als anys seixanta amb la Scotto i Aragall com Julieta i Romeo, amb el Tebaldo de Luciano Pavarotti i la direcció del mestre Abbado, aquesta òpera ha tingut una revifada  notable que ha anat acompanyada per una sèrie de gravacions totes elles notables.

La primera gravació en estudi important és una de les que us presento, de l’any 1975 protagonitzada per un trio de cantants també de luxe: Beverly Sills. Janet Baker i Nicolai Gedda. Després vindria una altra de l’EMI gravada en les funcions del Covent Garden amb el gran duo format per la Gruberova i la Baltsa i dirigides primorosament pel Riccardo Muti. Més tard vindria el notable trio Mei-Kasarova-Vargas, i aquest any l’edició de DG dels concerts a Viena protagonitzats pel duo de dives actuals Anna Netrebko i Elina Garanca (que és l’altra versió que us comento).

Els Capuleti de Bellini  és una tragèdia lírica en dos actes amb llibret de Felice Romani que ens narra la història de Romeu i Julieta sense passar per Shakespeare, ja que en aquella època (es va estrenar al 1830) moltes de les obres de l’anglès encara no havien arribat a Itàlia. Per això, es creu que Romani es va basar directament en les fonts originals del segle XVI  (les mateixes que va fer servir Shakespeare).

Les dues versions són notables.

Les Julietes de la Sills i de la Netrebko són vocalment oposades. Mentre la Sills era una soprano lleugera especialista en aquest repertori, la Netrebko és una lírica ample que insisteix en fer-ho. Les dues estan força bé, amb una concepció del personatge allunyada de la típica bleda, donant-li maduresa al personatge i aconseguint una caracterització completa. Vocalment la Sills té la veu perfecta pel personatge però ja començava a estar una mica madureta, el que es tradueix amb alguns sons una mica dubtosos, això sí, el cant és excel·lent, amb un fraseig i un cant legato de manual. Per la seva part, la Netrebko posa a disposició del personatge la seva magnífica veu, avellutada i carnal, amb aquell color ombrívol però irresistiblement bell. El seu cant, per contra, no es tan ortodox, amb respiracions estranyes (que de vegades tallen el frasseig) i amb atacs a les notes agudes extremadament prudents que produeixen trencaments en la línia i en la fluïdesa del cant.

Si les Julietes eren notables i de vocalitat diferènciada, els Romeos són excel·lents.

Tant el Romeo de la Baker com el de la Garanca són una delícia per a l’oïda. Per una part les dues canten un Romeo d’una empenta juvenil irresistible, romàntics, guerrers i apassionats. La Baker emet el seu cant amb una facilitat sorprenent, fluint amb la naturalitat del que està parlant, amb una interpretació del personatge dramàticament i vocalment completes. La Garanca també aconsegueix una interpretació dramàticament excel·lent, si bé el cant no té la naturalitat de la seva il·lustre predecessora, ara, la veu és irresistiblement bella i sobrada de facultats.

Per últim, entre el Tebaldo de Nicolai Gedda i el del maltès Joseph Calleja en quedo sense cap mena de dubte amb el del tenor suec, que si bé també ja està bastant granadet, s’imposa perquè presenta un cant molt més natural i valent, amb una solidesa tècnica i d’estil fora de l’abast de l’estranya tècnica i veu aflautada del jove tenor.

Pel que fa a la direcció, les dues són complementàries partint del mateix principi: impuls dramàtic. Ara bé, la de Patanè és més brusca i vibrant, mentre que la de Luisi és més estilista i matisada.

front cover

Vincenzo Bellini – I CAPULETI E I MONTECCHI (CD01, CD02)

Beverly Sills – Julieta

Janet Baker – Romeu

Nicolai Gedda – Tebaldo

Raimund Herincx – Lorenzo

Robert Lloyd – Cappelio

New Philharmonia Orchestra – Giuseppe Patanè

Vincenzo Bellini – I CAPULETI E I MONTECCHI (CD01, CD02)

Anna Netrebko – Julieta

Elina Garanca – Romeu

Joseph Calleja – Tebaldo

Robert Gleadow – Lorenzo

Tiziano Bracci – Cappelio

Wiener Symphoniker – Fabio Luisi

 

Esforzada Norma

6 Octubre 2009

normaSills

De salida hay que decir que Beberly Sills no tienía la voz adecuada para cantar el papel del Norma: es una voz de soprano ligera con una buena disposición para papeles de más enjundia dramática que los que le corresponden por naturaleza (como puede ser su magnífica Violeta).

La Sills lo sabía, y en vez de intentar llevarse el gato al agua falseando la parte (como otras ligeras hacen y han hecho), opta por forzar la voz al máximo, y aquí está el gran lastre de su versión.

Canta la Sills por encima del límite de sus facultades y eso se traduce en que la voz suena vibrada en exceso y afeada. Es en los pasajes más elegiácos y en los notables y exigentes recitativos donde se evidencia más esto: la cantante ensancha la voz para darle más peso de lo natural, y el esfuerzo se traduce en un vibrato exagerado que afea la voz y todo el canto en general. En los pasajes más agitados está mejor, ya que al no tener que sostener las notas tanto tiempo la emisión no se resiente. Así, si el Casta Diva queda bastante disminuido la cabaletta resulta brillante. Esa es la tónica de toda la grabación.

En lo que respecta a su versión, fuera del ámbito puramente vocal, su Norma es bastante académica, sin arrollar en los momentos de gran impulso (In mia man), ni ser excesivamente etérea en los más contemplativos (Casta Diva o todo el final de la obra), ni caer en amaneramientos insoportables (como otras que todos conocemos). Es una Norma digna.

En cuanto a la Verrett he de decir que, siendo una de mis mezzosopranos favoritas, en esta versión la he encontrado un poco desganada en todos los aspectos, tanto vocal como dramáticamente. Sólo parece implicada en su soliloquio de salida, donde frasea con muy buen gusto. Pero en los dúos la encuentro poco aplicada, quedando su compañera bastante mejor que ella en intención y canto (que no en voz).

El Pollione de Di Giuseppe es más ligero de lo que normalmente estamos acostumbrados (Del Monaco, Corelli, Domingo, Vickers,…). Parece una norma no escrita que el papel del guerrero romano lo tenga que cantar un lírico spinto o un drámatico, cuando esta vocalidad no existía en el 1831, año en que se estrenó la obra. El cantante del estreno Norma fue Domenico Donzelli un tenor bragado en papeles como Il Conte Belfiore del Viaggio rossiniano, y que llegó a estrenar papeles como Il Bravo o Ugo, conte di Parigi, de vocalidad cercana a la del baritenore rossiniano pero alejadísimas de lo que después sería el primer tenor verdiano o el spinto. Así pues por vocalidad, Alexander parece más filológico que estos grandes nombres, incluso en la técnica de canto, con da capos con variaciones en las agilidades (tampoco esperéis cosas tremendas), pero el timbre es vulgar, e incluso un poco opaco, al mismo tiempo que su interpretación no aporta nada al personaje.

Respecto a la dirección de Levine la he encontrado errática, ya que tienda a explotar al máximo los contrastes, sobretodo de volumen, con unos tempos un poco acelerados. Las explosiones orquestales son tremebundas y totalmente innecesarias, buscando un efecto que, por lo menos a mi personalmente, me han generado indiferencia y rechazo. Lástima, porque la orquesta estaba en muy buena forma.

Vincenzo Bellini – NORMA (CD01, CD02)

NORMA Beverly Sills

ADALGISA Shirley Verrett

POLLIONE Enrico Di Giuseppe

OROVERSO Paul Plishka

CLOTILDE Delia Wallis

FLAVIO Robert Tear

JOHN ALLDIS CHOIR

New Philharmonia Orchestra-JAMES LEVINE