Archive for the 'Bellini' Category

Villazón està millorant

13 Juny 2012

Feia molt que no parlaven del tenor mexicà (la última vegada en referència al recital del Liceu, per a mi no del tot satisfactori), i fa uns dies vaig trobar per la xarxa el concert que va fer a Praga el 13 d’abril de la seva gira titulada “Tresors del belcanto”. La curiositat em va picar el vaig descarregar i el vaig sentir, resultat: M’ha agradat molt.

Sentint-lo un se n’adona que, si bé no ha recuperat l’esplendor vocal pretèrit (sobretot en el pas i l’agut), sí ha recuperat la confiança, i amb ella ha tornat a fruir cantant i a aquella manera de cantar tant apassionant i magnètica que enganxa al públic.

El recital està format per cançons de Rossini, Bellini, Donizetti i Verdi, orquestrades convenientment. Moltes d’elles són força conegudes, com el “Vaga luna che inargenti” (amb melodia de la Norma), els “Esule” de Rossini i Verdi o “La danza” del geni de Pesaro, la resta no tant, però totes vehicles perfectes per a un artista amb la musicalitat del mexicà.

Les pàgines més estàtiques són un bon vehicle per l’art del tenor que, si bé té una veu de color fosc i una textura una mica granulada, domina la línia amb grans arcs de fiato i amb una capacitat per a modular amb reguladors que embelleixen molt el resultat, com podeu comprovar en el “Vaga luna che inargenti”.

L’afavoreix molt, també , el fet de ser pàgines poc exigents en la zona aguda, ja que el timbre és molt bell (carnós i calorós) en el centre, però a mesura que va pujant es va tensant i obrint. Cal dir que evita qualsevol excés per la part alta (ni tansevol en els finals). És curiós que si bé al començament de la seva carrera es deia que la seva veu recordava molt a la de Domingo, a mi cada vegada em recorda més a la del Carreras, amb aquella calidesa tant característica al centre.

Sentint-lo ara en “L’esule” de Rossini, on trobem un fraseig de qualitat i apassionat, molt comunicatiu (alla Di Stefano-Carreras), però on es comprova aquesta tendència al so una mica més obert a mesura que va escalant (també alla Di Stefano-Carreras). Aquest defecte és menyspreable davant l’entrega total i poder magnètic que destil·la el seu cant.

Crec que en Rolando, com a persona intel·ligent, està ajustant la seva carrera a les seves possibilitats reals actuals, cosa que va en benefici de tots ja que ens permet recuperar a un dels artistes més edificants dels últims anys.

Sentint-lo ara en “L’esule” verdià, una ària i cabaletta precioses del millor compositor d’òpera de tots els temps (Rodrigo dixit).

Enhorabona Rolando.

(NOTA: la gravació és in-house amb un so una mica llunyà però acceptable, excepte en un parell de cançons on sembla que s’hagin ficat el micro al cul)

Rolando Villazon – Treasures of Bel Canto tour – (descàrrega)

1. Vaga luna che inargenti – Bellini

2. Torna vezzosa Fillide – Bellini

3. Il sospiro – Donizetti

4. L’esule – Rossini

5. L’amor funesto – Donizetti

6. Nell’orror di notte oscura – Verdi

7. Non t’accostar all’urna – Verdi

8. L’esule – Verdi

9. Malinconia – Bellini

10. Insolitaria stanza – Verdi

11. La danza – Rossini

Nuevo Mundo Chamber Orchestra

Guerassim Voronkov

Smetana Hall, Praga 13-04-2012

DiDonato: Diva o Divo?

15 febrer 2011

La nova proposta de Joyce Didonato, amb portada a l’estil “Víctor o Victoria”, és del tot original i enriquidora. Ha fet un disc amb un potipoti total d’autors, obres i estils amb el fil conductor de cantar diferents personatges, masculins i femenins, de la mateixa història. Així trobem la Susanna de Les Noces de Mozart i al Cheribino de l’òpera de Massenet, el Siebel del Faust de Gounod i la Marguerithe de Berlioz, el Sesto de Gluck i la Vitellia de Mozart, i més.

La veritat que és un joc de mans on la Joyce Didonato és mou molt bé perquè entre les moltes virtuts que té aquesta mezzosoprano de Kansas una de les més destacades és la seva capacitat camaleònica de ficar-se en la pell dels personatges que interpreta, i en aquest CD hi ha un fotimer.

Llegim les pròpies paraules de la cantant on explica les seves motivacions per a gravar aquest disc:

“This recital celebrates the vast and fabulous world of the mezzo-soprano. Aside from the obvious Toscas or Cio-Cio Sans, I’ve never regretted the length of my vocal cords!
I have the privilege and unmitigated joy of playing boys and young men, as well as girls and grown women … It’s an exploration of the human palette of emotions.
I wanted to find a way to show this duality on disc, while highlighting some of the composers I’m most passionate about, such as Mozart, Bellini, Berlioz, Rossini, and Massenet. In exploring this idea, the possibility became clear for telling different sides of some of the most familiar tales which have served as inspiration for operatic legends: Cinderella, Faust, Romeo and Juliet … I’ve always thought of myself as a storyteller, and with this particular disc, I can showcase that side of me as never before. I’m ready to play!”


A nivell musical les coses estam molt bé. DiDonato és una cantant amb molt de talent. La veu està en perfectes condicions, amb un centre i aguts nítids i brillants, i amb un greu si bé no resonant, força consistent. La manera de cantar és de primera categoria, amb un fraseig de manual, domini absolut de la tècnica i, sobretot, donant vida  a les emocions. Joyce DiDonato és, definitivament, una cantant apassionada i sensible i això es molt d’agrair en un mercat que cada vegada està més despersonalitzat.

Us deixarè els fragments menys coneguts. En primer lloc l’ària del Sesto de l’òpera de  Gluck “Se mai senti spirarti sul volto”

Respecte als fragments interpretats he de dir que dintre de l’alt nivell en totes les peces em decanto per les interpretacions dels papers en travesti. Pot ser és que sap captar com poques l’ardor juvenil d’aquest personatges adolescents, però és que el to que troba a les peces de Sesto, Cherubino, Siebel, Tebaldo, el Príncep i el Compositor és excel·lent.

Aprofitant que d’aquí a  poques setmanes veuré l’òpera a Paris us deixo ara “Allez, laissez-moi seul…. Coeur sans amour, printemps sans roses” de la Cendrillon.

Com a retret al disc, independentment de que en la peça desplega una tècnica i uns recursos espectaculars, em sembla un pas enrere la versió que fa de “Contro un cor”, on fa més ornamentacions i aguts que la Roberta Peters. No havien quedat que això no es canta així?

Per últim una altra peça de Massenet “ Ô frêle corps…. Chère Cypris” de l’Ariadne.

L’acompanyament és eficaç amb una orquestra de so pulcre i detallista en mans d’un director tan eclèctic com el repertori presentat.

Com a curiositat, en el duo “Aprite, presto aprite”, de les Nozze, amb una filigrana tècnica la mateixa cantant interpreta els papers de Susanna i Cherubino.

En el molt interessant blog: http://hartaopera.wordpress.com/ podeu trobar el disc (del que he agafat el link que us adjunto més abaix).

Us ho recomano

Joyce Didonato-Diva-Divo Opera Arias (CD, Password: hartaopera.wordpress.com)

1. Massenet-Chérubin: Je suis gris! Je suis ivre! (Cherubin)

2. Mozart-Le Nozze di Figaro: Giunse alfin il omento…(Susanna)

3. Mozart-Le Nozze di Figaro: Deh, vieni, non tardar (Susanna)

4. Gluck-La Clemenza di Tito: Se mai senti spirarti sul volto (Sesto)

5. Mozart-La Clemenza di Tito: Ecco il punto, o Vitellia (Vitellia)

6. Mozart-La Clemenza di Tito: Non più di fiori (Vitellia)

7. Mozart-Le Nozze di Figaro: Voi che sapete (Cherubino)

8. Rossini-Il Barbiere di Siviglia, ‘(The) Barber of Seville’: Il barbiere di Siviglia: Contro un cor (Rosina)

9. Gounod-Faust: Faites-lui mes aveux (Siebel)

10. Berlioz-La Damnation de Faust: D’amour l’ardente flamme (Marguerite)

11. Roméo et Juliette: Premiers transports que nul n’oublie

12. Bellini-I Capuleti e i Montecchi: Ascolta! Se Romeo t’uccise un figlio…. – La tremenda ultrice spada (Tebaldo)

13. Massenet-Cendrillon: Allez, laissez-moi seul…. Coeur sans amour, printemps sans roses (Príncipe)

14. Rossini-La Cenerentola: Nacqui all’affanno (Cenicienta)

15. Massenet-Ariane: Ô frêle corps…. Chère Cypris (Ariadne)

16. R. Strauss-Ariadne auf Naxos: Seien wir wieder gut! (Compositor)

17. Mozart-Le nozze di Figaro: Aprite, presto aprite (Susanna i Cherubino)

Orchestre et Choeur de l’Opéra de Lyon-Kazushi Ono

El arte de Samuel Ramey

17 Abril 2010

Las tres últimas y únicas veces que he visto a Samuel Ramey han sido en los últimos cinco años y en papeles secundarios (dos en el Liceu y una en el Met) y lo único que se puede decir es que debería retirarse de inmediato.

Samuel Ramey en una de sus máximas creaciones, el Attila verdiano. Venecia 1987 (aria y cabaletta)

La emoción de ver a una de las figuras más importantes de la lírica de finales del siglo pasado se diluyó en cuanto abrió la boca. El desasosiego que te queda cuando pasa esto es bastante grande, es una sensación de decepción ¿por qué no se dan cuenta que ya no pueden?

Este post lo hago como descargo y reivindicación del fabuloso bajo que fue Samuel Ramey, y para resarcirlo dentro de mi propio Olimpo de la lírica.

Ahora en “Son lo Spirito che nega” del Mefistofele de Boito. Maggio Musicale 1989.

Samuel (Edward) Ramey, nació en Colby, Kansas, el 28 de mayo de 1942. Estudió en Wichita y New York, haciendo su debut en 1973 como Zúñiga en la New York City Opera, en la que cantó hasta 1986 roles como los Mefistofeles del Faust de Gounod y el de Boito, Don Giovanni, Leporello, los villanos de Hoffmann, Enrico VIII de la Bolena, Attila o Don Quichotte. En el 1976 debutó en Glyndebourne con Figaro, en 1970 en San Francisco y Chicago, en 1980 en Aix-en-Provence con Semiramide en el papel de Assur, que le valió su explosión internacional, donde volvió en 1992 para hacer el Nick Shadow. En 1981 debutó por fin en la Scala y en la Staatsoper de Viena como Figaro, y en 1982 debutó en el Covent Garden con el mismo papel. Es en los papeles rossinianos donde Ramey consiguió imponer su calidad técnica y artística, y los que le afianzaron como el bajo más importante de las dos últimas décadas del siglo XX. Así, entre 1981 y 1989 capitalizó la mayoría de los bajos protagonistas en el Festival Rossini de Pésaro. Su debut parisino no llegó hasta 1983 con el Mosé , y al año siguiente, después de 11 años de carrera por fin debutó en el Metropolitan con el papel de Argante del Rinaldo de Haendel.

Contundente en Zaccaria (Nabucco). París 1995.

Ramey, a parte de una imponente presencia escénica y de ser un actor más que convincente, poseía una resonante, flexible, extensa y bien proyectada voz, que junto a una facilidad asombrosa para la coloratura le hicieron el mejor bajo para papeles rossinianos y barrocos que uno haya escuchado nunca. Además, su elegante fraseo y buen gusto lo convierten en un perfecto belcantista como ha dejado claro en papeles como Rodolfo (La Sonnambula), Sir Giorgio (I Puritani) o Raimondo (Lucia di Lammermoor). A mediados de los años ochenta empezó a frecuentar papeles verdianos haciendo auténticas creaciones en papeles como Attila, Zaccaria, Pagano o Felipe II. En el repertorio francés hay que destacar su extraordinario Bertram (Robert le diable), o sus notables Mefistofeles del Faust y Escamillo (Carmen). En otros repertorios hay que destacar su Barbazul (Bartok), Nick Shadow (Stravinsky) o Boris Godunov (Mussorgsky).

Ahora en el Pagano de I Lombardi: “Sciagurata! Hai tu creduto”

De todos estos papeles existen grabaciones, la mayoría en estudio, y en todas se comprueba la gran versatilidad y el altísimo nivel que consigue en sus interpretaciones. Sorprende, visto el amplísimo repertorio de Ramey, que en él haya una laguna tan significativa como el repertorio alemán, que no cultivó, excepto en el género del oratorio.

Por último, Ramey en el súmmum de su arte: “Deh! ti ferma … Que’ numi furenti” de Semiramide. Metropolitan 1990.

El recital que os dejo es un magnífico compendio de todos estos papeles, recogiendo quizás sus papeles más emblemáticos (Attila, Assur, Mefistofele, Don Giovanni o Zaccaria) y los estilos que mejor encajaban con su voz. Además encontramos al cantante en el punto más álgido de su carrera (1986), con una voz que se nos antoja todopoderosa y superdotada.

Disfrutarlo.

Samuel Ramey – Opera Arias (CD, Pass: somerapidsharelinks.blogspot.com)

01. Verdi, Attila, Uldino! Uldin! – Mentre gonfiarsi l’anima

02. Mozart, Don Giovanni – Madamina, il catalogo è questo

03. Boito, Mefistofele – Ballata del mondo: Ecco il mondo

04. Boito, Mefistofele – Canzone del fischio: Son lo Spirito che nega

05. Handel, Rinaldo – Sibilar gli angui d’Aletto

06. Bellini, La Sonnambula – Vi ravviso, o luoghi ameni

07. Verdi, Nabucco – Vieni, o Levita! – Tu sul labro de’ veggenti

08. Rossini, Semiramide – Ah, la sorti ci tradi – Sì, vi sarà vendetta

09. Montemezzi, L’amore dei tre re – Nessuno mio signore! – Sono stanco

Adrian Martin, tenor

Ambrosian Opera Chorus-Philharmonia Orchestra- Donato Renzetti

La Straniera de Vincenzo Bellini

15 Abril 2010

La straniera es una ópera en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libretto de Felice Romani basada en L’etrangère (1825) de Charles Victor Prévot.

La ópera se estreno en el Teatro alla Scala de Milán, el 14 de febrero de 1829, en un triple programa completado por los ballets Boundelmonte y L’avviso ai maritati. Fue un gran exito, incluso superior a la gran sensación que había causado unos años antes Il Pirata. En 1831 se presento en Viena, en 1832 llegó a lo Londes y París, en 1834 a New York y en 1835 a Lisboa. En 1840 se dieron unas funciones en Palermo, y a partir de entonces cayó en el más absoluto olvido.

Hasta 1954 no se dio el revival de la obra, en Catania, ciudad natal del compositor, pero fue en 1968, en unas funciones en el Teatro Máximo de Palermo de la mano de Renata Scotto, que la obra volvió a despertar interés. El año siguiente Montserrat Caballé protagonizó unos conciertos en el Carnegie Hall, y en 1970 la Scotto volvió a meterse en la piel de la extranjera en Venecia (de todas ellas hay registros piratas). Posteriormente a estos hitos hay que destacar las interpretaciones de Lucia Aliberti en los años 1989-1990, que han dejado grabaciones. En 1993 la Fleming volvió a llevar la obra al Carnegie Hall, otra vez en concierto, y por último las protagonizadas en Londres por Patrizia Ciofi, en noviembre de 2007, de las que se realizó la única grabación en estudio que yo conozco de la obra.

La straniera es la penúltima obra de Bellini en  su escalada entre los compositores del máximo prestigio en Italia, después del exitazo del Il Pirata (1826) y antes de I Capuleti ed i Montecchi (1830), y previo a su posterior ascenso al Olimpo de la lírica internacional (y casi su mitificación en vida) con La sonnambula (1831) y la Norma (1831), y de hecho, su casi total desaparición de los escenarios durante más de un siglo y su escasa o nula presencia actual en las programaciones de teatros y salas de concierto ya nos indican que ni por su calidad musical y teatral en general, ni por el atractivo de las partes protagonistas público, programadores y divos.

De hecho, la parte musical es muy convencional. Sólo merecen una especial mención la original entrada de la protagonista, Alaide, y el posterior duo con Arturo (en la entrada la soprano puede lucir a placer todo tipo de agilidades y, sobretodo, deleitarnos con todo un arsenal de melismas donde puede ejecutar reguladores, trinos y picados a placer); y en menor medida el aria de Alaide en la puerta de la iglesia “Ciel pietoso, in sì crudo momento”, después de haber llevado al altar para que se casen su amado Arturo y Isoletta.

Precisamente os dejo un morboso video donde se comparan las versiones de Montserrat Caballé y Renata Scotto de esta aria.

La trama de La straniera tiene su base histórica en una serie de enrevesados eventos acaecidos a finales del siglo doce. El rey Felipe Augusto de Francia se casó con la princesa noruega Ingeborg en 1193. Por razones desconocidas, él se separó de ella el día después de la boda y solicitó la nulidad papal. Ingeborg, por su parte, alegaba que el matrimonio se había consumado, y que por tanto era su esposa y la Reina de Francia por derecho. Felipe finalmente obtuvo la nulidad por parte del conclave de obispos franceses, y entonces decidió casarse con Margarita, hija del conde Guillermo I de Ginebra, pero fue raptada durante su traslado a Paris por Tomás I de Saboya, que la obligó a casarse con él. En última instancia, en 1196, Felipe se casó con Agnes de Merania (“la straniera”), hija de un noble de Dalmacia. Dinamarca continuó apelando a la justicia papal, hasta que Inocencio III amenazó de excomunión al rey francés por bígamo, y ordenándole su regreso con Ingeborg. Al morir Agnes en 1201, la amenaza papal expiró.

Bellini y su libretista se tomaron tremendas libertades en el libreto, ya que hacen que el rey envíe a Agnes al Castillo de Montolino, en la Bretaña repudiada por orden papal. Felipe, también envía al hermano de Agnes, Leopoldo, para que la vigile en secreto, bajo el falso nombre de Valdeburgo. Agnes ha cambiado su nombre por Alaide y siempre se esconde tras un velo. El Conde Arturo se ha enamorado perdidamente de ella, y ha decidido romper su compromiso con Isoletta, hija del Conde de Montolino. En este punto se inicia la ópera.

Os dejo un link con el libretto de la obra en italiano y su traducción en castellano (gracias KAREOL!), con el fin que podáis seguir la obra.

LIBRETTO: http://www.kareol.es/obras/laextranjera/acto1.htm

La grabación del sello Opera Rara que os dejo como muestra es la última, y creo que única, en estudio que se ha hecho. Los medios aprontados por Opera Rara para la ocasión son notables: el Geoffrey Mitchell Choir y la London Philharmonic Orchestra, bajo la batuta de un habitual del sello: David Parry.

Entre los cantantes hay que destacar la muy notable labor de las féminas. Como Alaide la soprano Patrizia Ciofi, verdadera especialista en belcanto, con una línea y una técnica ejemplares, buen temperamento dramático y un fraseo y un legato inmaculado, lástima que el timbre sea el que es: muy opaco, incluso velado, en el centro y totalmente mate en el agudo. Por su parte la mezzo albanesa Enkelejda Shkosa presenta unos medios brillantes y un canto rotundo, si bien canta con bastantes menos matices y es más plana expresivamente, en el más breve (dúo, aria y cuarteto) rol de la repudiada Isoletta.

Escuchemos el final de la obra con Patrizia Ciofi como protagonista.

 Los hombres no pasan de lo correcto en el caso de Dario Schmunck, en el papel de Arturo, uno de los más desmesurados del repertorio romántico (lo tenía que estrenar Rubini) de voz bien timbrada y poco más. Y el barítono inglés Mark Stone hace un Valdeburgo insuficiente con una voz muy descontrolada (a veces nasal, a veces abierta, a veces totalmente atrás) y de medios escasos y recursos insuficientes, si bien hace un esfuerzo notable por dar la talla (repeticiones de las cabalettas con variaciones,….. Bruson haría toda una creación del personaje), más si pensamos que fue escrito para la voz del mítico Tamburini.

Vincenzo Bellini – La straniera (CDs)

Alaide (La straniera) – Patrizia Ciofi

Il signore di Montolino – Roland Wood

Isoletta – Enkelejda Shkosa

Arturo – Dario Schmunck

Il barone di Valdeburgo – Marc Stone

Il Priore – Graeme Broadbent

Osburgo – Aled Hall

Geoffrey Mitchell Choir-London Philharmonic Orchestra-David Parry

El post nº100. Un regal familiar

8 gener 2010

Sembla mentida però ja hem arribat al post nº100. S’havia de celebrar d’alguna manera, i no se m’ha acudit cap altra que preparar-vos un regal operístic.

Quan a l’any 2001 vaig deixar casa dels meus pares, per a anar a viure al pis que havien comprat la meva parella i jo, em va tocar la feina d’empaquetar totes les meves coses cara a fer la mudança. Va ser un moment per un costat feliç, ja que tenia moltes ganes de començar la vida en parella amb la persona que estimes, però al mateix temps nostàlgic, ja que representava deixar endarrere el meu barri, i allunyar-me, si bé només físicament de la meva família i dels meus amics.

No em va sorprendre que les coses a endur-me es limitessin a roba, llibres, apunts i discos, el que em va sorprendre va ser la descomunal quantitat de música que havia acaparat. Eren caixes i caixes de cds, cassets i vídeos (penseu que encara no havien esclatat ni els DVDs, ni els iPods, ni coses d’aquestes, i els ordinadors més bons tenien discs durs de 40 Gb).

La meva germana, mai militant, però sempre simpatitzant de l’òpera, i més en concret de les grans Dives (la Callas sobretot), em va demanar mig en serio mig en broma que si no pensava deixar-li cap CD. Jo no tenia cap intenció de deixar-li res, però en l’últim moment em va passar per les mans un casset gravat per mi per portar al cotxe on tenia una recopilació de fragments variats dels últims CDs que m’havia comprat, i que s’havia convertit en la música que sempre portava en el meu walkman. No m’ho vaig pensar gaire i li vaig donar.

Bé, doncs aquesta recopilació, després de tants anys, continua reapareixen cada vegada que la meva germana i jo parlem d’òpera, i es que sempre em diu “sí aquest nou disc/vídeo/cantant/versió/… està molt bé, però el casset aquell que en vas donar és el que més m’agrada”

Com a regal aquest d’aquest Nadal o de Reis, la meva germana em va demanar que aquesta cinta li passes a CD, i crec que no hi ha millor tema per a celebrar el post nº100 d’aquest bloc que el de regalar-li el CD, i que tots el pugueu fruir i comentar-lo.

Per qüestions de la durada de la cinta alguns fragments gravats eren una mica més curts i no seguien exactament l’ordre en que ara els he recopilat.

Vincenzo Bellini

1.- Norma: Mira o Norma – Caballé/Veasey/Patané /Orange (1974)

Fragment de la mítica Norma de la Caballé d’Orange. El Mira o Norma és un vehicle perfecte per al lluïment de la catalana, amb les seves llarguíssimes frases i una melodia estàtica de sublim bellesa.

2.- Norma: Finale acte II – Callas/del Monaco/Stignani/Serafin/RAI Milano (1955)

Diu la llegenda que Wagner admirava el final de la Norma, fins el punt que deia que seria capaç de canviar totes les seves obres per composar alguna cosa amb la mateixa intensitat i puresa. La gravació correspon a la retransmissió de la RAI milanesa uns mesos abans de les fulgurants funcions de la Scala (a mi la Callas encara m’agrada més aquí).

3.- I Puritani: Duo acte III – Callas/Di Stefano/Picco/Mexico (1952)

Una altre directe llegendari. Di Stefano està pletòric amb un cant vehement com ningú ha aconseguit i la Callas està vocalment en el seu millor moment i expressivament superba (quan fraseja “L’alma elevar mi sento” a hom li despeguen els peus del terra)

Gaetano Donizetti

4.- Roberto Devereux: Quel sangue versato – Gencer/Cappuccilli/Rossi/Nápoles (1964)

Això és una dramatico d’agilittà. Impressionant!!

(Aquí la Gencer en 1980)

Giuseppe Verdi

5.- Ernani: Ernani involami – Price/Schippers/Met (1962)

Leontyne Price era una autèntica veu verdiana, amb un color avellutat i una fluïdesa en tots els registres com poques.

(Aquí 20 anys després)

6.- Ernani: Oh de’ verd’anni miei – McNeil/Schippers/Met (1962)

McNeil posseïa una veu enorme amb unes facultats extraordinàries que no sempre va saber dominar amb l’eficàcia requerida. Aquest Carlo de l’Ernani és el millor que jo l’he sentit mai.

7.- Ernani: Final acto III – McNeil/Price/Bergonzi/Siepi/Schippers/Met (1962)

8.- Rigoletto: Si, vendetta… – Capuccilli/Rinaldi/Rossi/RAI Torino (1967)

Us he inclòs tot el duo pare i filla, amb un jove Cappuccilli rutilant en la zona alta i cant fàcil, i la Rinaldi com a eficaç Gilda. Atenció a l’espectacularitat del “Si vendetta” amb sobreagut de la soprano inclòs.

9.- Rigoletto: La donna è mobile – Pavarotti/Rossi/RAI Torino (1967)

Pavarotti amb la veu fresquíssima, tot un regal.

10.- Un ballo in maschera: Teco io sto – Callas/Di Stefano/Gavazzeni/Scala (1957)

Unes altres llegendàries funcions de la Callas i Di Stefano, aquesta vegada a la Scala. La química entre els dos cantants fa treure espurnes. La direcció de Gavazzeni es abassegadora.

11.- Un ballo in maschera: Eri tu – Bastianini/ Gavazzeni/Scala (1957)

Bastianini és la meva veu de baríton, i aquesta potser sigui la millor ària que Verdi va escriure per aquesta corda.

 

Giacomo Puccini

12.- La Boheme: Mi chiamano Mimi: Freni/Raimondi/Karajan/Wiener Philharmoniker (1963)

Us he inclòs tota l’escena, des de la “Manina” fins al final del primer acte. Meravellós el injustament poc recordat Gianni Raimondi, i una molt jove Freni amb la seva insuperable Mimi.

(Us deixo a la Freni i a Karajan però al 1980)

13.- Turandot: In questa reggia – Nilsson/Corelli/Gavazzeni/Scala (1964)

La Nilsson és la referència en el paper i Corelli el millor Calaf possible.

(Us deixo un vídeo amb la Nilsson i Corelli però d’uns anys més tard, 1971)

14.- Turandot: Nessun dorma – Corelli/Gavazzeni/Scala (1964)

No comment!

(Corelli per la RAI, a finals del 50s)

Així que aquí ho tens Tata, que ho frueixis al teu reproductor de mp3.

LINK DE DESCARREGA 

Opera from the Met: I Puritani de Bellini (13-03-1976)

30 Desembre 2009

I Puritani es una ópera que se ha representado poquísimo en el Met. Teniendo en cuenta que es un teatro de repertorio, con siete funciones semanales, es un hecho extraño, lo que puede significar que no sea una obra demasiado apreciada por el siempre facilón público neoyorquino.

I Puritani llegaron al Met en una única función en la temporada inagural del teatro (1883-1884), para lucimiento de la soprano Marcella Sembrich. Ya no volvió a representarse hasta 1918, también para que pudiera recrearse la gran Maria Barrientos.

Después de esas funciones la última ópera de Bellini tardó 68 años en volver al escenario del teatro, ya en su nueva sede del Lincoln Center. Fue en la temporada 1975-1976, y son el objeto del presente post.

Después la obra desaparecería otra vez por diez años, hasta 1986, para celebrar el 25 aniversario de Joan Sutherland con la compañía. Y las tres últimas tandas de representaciones se dieron en 1991, con Gruberova, en 1997 con Ruth Ann Swenson y las últimas tandas con la nueva megadiva Anna Netrebko.

La serie de funciones de las como toma muestra este blog fueron absolutamente triunfales, con un cast de lujo encabezado por la gran pareja Sutherland-Pavarotti y acompañados por dos grandes figuras de la casa: el barítono Sherrill Milnes y el bajo James Morris.

La Elvira de la Sutherland es de auténtica leyenda por el gran virtusismo y solidez interpretativa de la australiana, aunque en 1976 ya empezaba su lento declive. La voz de la Sutherland era ágil y flexible, con un fiato considerable que le permitía cantar con un legato de alta escuela, al mismo tiempo no era una voz ni mucho menos pequeña o ligera, sino que poseía un centro bastante corpóreo con volumen y buena proyección. En Bellini se mueve en su repertorio natural, y consigue magníficos momentos, como el fabuloso final del primer acto (primera momento de locura del personaje), o en la propia escena de la locura del segundo acto. En el tercer acto ya está un poco más cansada, pero aguanta el tirón de un super-Pavarotti en el tremendo dúo, para acabar la obra con una puntatture que se le escapa (primer gallo que le he escuchado en la vida). A pesar de todo, es una Elvira sensacional, sólo superada, a mi gusto, por la Divina.

VIEN DILETTO IN CELO LUNA! – Met’76

El Arturo de Pavarotti es todo un derroche de facultades. El tenor está en plenísima forma en estas funciones y consigue llevarse el gato al agua en todas sus intervenciones por el arrebato de su canto y por una voz de una emisión, dicción y color que difícilmente se volverán a repetir. No es Pavarotti el más estilista cuando canta belcanto, pero la comunicatividad de su canto y de su bellísima voz son realmente sobrecogedoras.

A TE O CARA – Met’76

Sherrill Milnes y James Morris están bastante fuera de estilo, pero tanto el barítono como el bajo estaban en plenísimas facultades, y no nos engañemos, jugando en casa y con un canto absolutamente vehemente arrebatan al público.

La calidad del sonido es muy buena, y la función se convierte en un auténtico festival de bravos y jaleos del público, totalmente entregado. Una gran noche de ópera. Disfrutarla.

Vincenzo Bellini – I Puritani (Acto I, Acto II y Acto III)

Elvira- Joan Sutherland.

Arturo – Luciano Pavarotti.

Riccardo – Sherrill Milnes.

Giorgio – James Morris.

Metropolitan Opera Orchestra and Chorus – Richard Bonynge

Monserrat Caballé al Liceu: Norma de Vincenzo Bellini (11/01/1970)

16 Octubre 2009

Norma-Liceu

 

Avui toca un dels dies més importants en la carrera de la nostra soprano: el seu debut absolut en el paper que la acabaria de portar a l’Olimpo de les més grans, la Norma de Bellini.

Per a comentar la funció només em limitaré a transcriure la crítica-crònica completa que el mestre Xavier Montsalvatge, que exercia de crític per La Vanguardia, va fer de l’esdeveniment.

 

Anoche, en el Gran Teatro del Liceo UNA «NORMA» SENSACIONAL Y UN TRIUNFO SIN PRECEDENTES DE MONTSERRAT CABALLÉ Y FIORENZA COSSOTTO

Es indudable que la inopinada ausencia de Mario del Monaco en el reparto previsto para la «Norma» de esta temporada resto aliciente a la representación de ayer pero |a substitución del gran tenor italiano por un valor remarcable de la lírica italiana como es Bruno Prevedi equilibró satisfactoriamente el cuarteto solista y bien podemos s-guir considerando, después de la función de anoche, aunque ha sido esta «Norma» la que mejor recuerdo habrá dejado en el primer escenario barcelonés, donde la obra maestra de Bellini ha contado por lo regular con intérpretes de alta categoría, entre otros Fiorenza Cossotto que en repetidas ocasiones ha sido la Adalgisa ideal, Ivo Vinco, que aún más frecuentemente ha asumido el papel de Oroveso y el mismo Bruno Prevedi que con los dos artistas antes citados inauguró la temporada de 1962.

La principal novedad de esta reposición (aparte de que ha sido dirigida por Cario Felipe Cillario), ha sido pues la «Norma» propiamente dicha, nuestra cada día más admirada, más justificadamente ovacionada Montserrat Caballé que ofreció al Liceo las primicias de su nuevo «rol» con el que acaba de obtener uno de sus más señalados triunfos de su carrera operística. Este era de esperar, incluso me extraña que no se hubiese producido antes. «Norma» —la apoteosis del bel canto y de la melodía extática, desprovista de cualquier elemento diversivo o perturbador— encaja perfectamente con la voz y las facultades de Montserrat Caballé que sólo se explica el retraso a incorporarla en su ya amplio repertorio por el deseo de alcanzar el dominio absoluto de las dificultades de emisión que en una indeclinable retahila se suceden en la partitura; por tener la seguridad de poderla cantar sin desfallecimiento, incólume el «flato», hasta la culminación de la obra que radica precisamente en el último acto, y finalmente para aceptar con ventaja el resto que significa esta especie de pugilato vocal que Bellini provoca entre la soprano y la mezzo —Norma y Adalgisa— en «crescendo» constante- Montserrat Caballé fue frenéticamente, bulliciosamente aplaudida ayer por haber cumplido con sus objetivos y su éxito total fue más significativo porque tuvo a su lado a Fiorenza Cossoto, una Adalgisa excepcional a quien le correspondió un éxito de ovaciones similar, al tenor Bruno Prevedi y a Ivo Vinco, para formar un cuarteto protagonista de absoluto primer orden. Porque no podemos dejar de considerar que «Norma» es una ópera para los primeros papeles. Todo lo demás es en ella secundario; la presencia del coro, puramente ornamental o para animar con anacrónicas marchas castrenses una gratuita acción argumental; la orquesta reducida a fragilísimo y estereotipado acompañamiento o en misión de fanfarria absurdamente hueca; y la acción, mínima, imaginada por un libretista mediocre.

Pero todo esto es únicamente el chasis sobre el que Bellini trazó la red de sus melodías alambicadas, de una pureza, una morbidez y una gracia cautivadora hasta tal punto que el mismo Wagner —según confesión propia— «derramó lágrimas de emoción al escucharlas». Las tres cuartas partes de «Norma» quedan inmersas en este clima lírico; desde el primer acto, cuando Pollione confiesa su amor por Adalgisa («Meco all’altar di Venere») hasta la escena conclusiva en la que «Norma» avanza hacia el sacrificio («Deh! non volerli vittime») pasando por la ultra-famosa «Casta Diva», por la plegaria de Adalgisa («Proteggini o Dio»), la violenta aria de «Norma», «Oh, non tremare! o pérfido», y el gran dúo entre las dos sacerdotisas que se desarrolla en el acto tercero —probablemente el mejor— y otras escenas que se suceden como si Bellini las hubiese concebido para dejar sin aliento a sus heroínas. En estos fragmentos la representación de ayer alcanzó los más altos niveles y los cantantes afirmaron más rotundamente sus facultades y su personalidad interpretativa.

Naturalmente, la primera gran expectación se produjo cuando Montserrat Caballé, en un ambiente de silencio electrizante, inició el recitativo seguido del aria «Casta Diva», que dijo con un aplomo y una intensidad emotiva subyugantes. Espléndida en la voz, rotunda en la emisión preciosista en el matiz, sin abuso de filados ni efectismos, cantó con más intensidad persuasiva que nunca y en este nivel de calidad y seguridad técnica se mantuvo hasta ios últimos compases de la obra. Fiorenza Cossotto no quedó de ningún modo en segundo plano. Es una artista de una categoría insuperada actualmente en su registro. Su voz llena y penetrante se mantiene en una pureza sin fisuras. En los dos dúos de Adalgisa y Norma, ella y la Caballé, maravillosamente unificadas en el estilo, ofrecieron unos instantes del más arrebatador «bel canto» que hemos podido escuchar en muchos años. El tenor Bruno Prevedi estuvo a la altura de las dos protagonistas femeninas, vigoroso en el acento, desenvuelto e infalible en los agudos tanto como en los pasajes líricos y dramáticos. El bajo Ivo Vinco, lo mismo; mejor si cabe que en las demás ocasiones que ha actuado en el papel de Oroveso. No quedaron desplazados José Ma. Carreras (Flavio) ni Teresa Batlle (Clotilde).

Por lo visto, cuando en una función se imponen los aciertos éstos son contagiosos. Lo decimos porque en esta ocasión el coro cantó con especial cohesión y la orquesta actuó transfigurada bajo la batuta del maestro Cario Felipe Cillario, experto en una ópera como «Norma» y que ha dirigido repetidamente a la Caballé, o sea, que no debió serle difícil lograr esta inquebrantable sincronización que se produjo entre la escena y el foso de la orquesta. ¡Qué agradable es para el crítico poder hablar sin eufemismos, sin necesidad de introducir entre líneas sus reservas, de un éxito total, sin fallos ni condicionamientos! Este éxito es el que se produjo ayer en el Liceo rebosante de público, con todos los fans de la Caballé y de la Cossotto dispuestos a rendir batalla a favor de su diva favorita, y quién sabe si con el propósito de minimizar el éxito de la contrincante.

Lo ocurrido exaltó todos los entusiasmos y desarmó cualquier reserva. Una tras otra cada aria fue rubricada con largas ovaciones que después de «Casta Diva», de los dos dúos del segundo y tercer actos y. cada ves que cayó la cortina, se convirtieron en verdaderos tumultos de gritos, con muchos espectadores puestos en pie y Otros agitando pañuelos. En suma, fue una de estas funciones memorables, una de estas representaciones que tanto por la calidad de la interpretación como por el clima general de la sala, sólo se producen muy de tarde en tarde.

Xavier MONTSALVATGE

No cal dir, que l’escolta de la funció rubrica l’extens assaig fet per l’insigne mestre. La única cosa que es pot afegir és que si bé la Caballé ja fa una notable Norma, la seva encarnació encara guanyaria molts enters en els següents anys, fins culminar en la ja mítica Norma d’Orange, al 1974, passejant el paper per tots els principals teatres del món (Scala, Viena, Met, Paris,….) durant més d’una dècada.

Espero que disfruteu de tant històric document.

Vincenzo Bellini – NORMA (CD01, CD02)

Norma……………Montserrat Caballé

Adalgisa………….Fiorenza Cossotto

Pollione…………..Bruno Prevedi

Oroveso………….Ivo Vinco

Flavio…………….Josep Carreras

Clotilde…………..Teresa Batlle

Orquestra i Cor del Gran Teatre del Liceu – Carlo Felice Cillaro

 

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DUES VERSIONS DELS CAPULETI

8 Octubre 2009

bellini-cappulett

Des de que aquesta òpera va tenir unes triomfals funcions al Teatre alla Scala als anys seixanta amb la Scotto i Aragall com Julieta i Romeo, amb el Tebaldo de Luciano Pavarotti i la direcció del mestre Abbado, aquesta òpera ha tingut una revifada  notable que ha anat acompanyada per una sèrie de gravacions totes elles notables.

La primera gravació en estudi important és una de les que us presento, de l’any 1975 protagonitzada per un trio de cantants també de luxe: Beverly Sills. Janet Baker i Nicolai Gedda. Després vindria una altra de l’EMI gravada en les funcions del Covent Garden amb el gran duo format per la Gruberova i la Baltsa i dirigides primorosament pel Riccardo Muti. Més tard vindria el notable trio Mei-Kasarova-Vargas, i aquest any l’edició de DG dels concerts a Viena protagonitzats pel duo de dives actuals Anna Netrebko i Elina Garanca (que és l’altra versió que us comento).

Els Capuleti de Bellini  és una tragèdia lírica en dos actes amb llibret de Felice Romani que ens narra la història de Romeu i Julieta sense passar per Shakespeare, ja que en aquella època (es va estrenar al 1830) moltes de les obres de l’anglès encara no havien arribat a Itàlia. Per això, es creu que Romani es va basar directament en les fonts originals del segle XVI  (les mateixes que va fer servir Shakespeare).

Les dues versions són notables.

Les Julietes de la Sills i de la Netrebko són vocalment oposades. Mentre la Sills era una soprano lleugera especialista en aquest repertori, la Netrebko és una lírica ample que insisteix en fer-ho. Les dues estan força bé, amb una concepció del personatge allunyada de la típica bleda, donant-li maduresa al personatge i aconseguint una caracterització completa. Vocalment la Sills té la veu perfecta pel personatge però ja començava a estar una mica madureta, el que es tradueix amb alguns sons una mica dubtosos, això sí, el cant és excel·lent, amb un fraseig i un cant legato de manual. Per la seva part, la Netrebko posa a disposició del personatge la seva magnífica veu, avellutada i carnal, amb aquell color ombrívol però irresistiblement bell. El seu cant, per contra, no es tan ortodox, amb respiracions estranyes (que de vegades tallen el frasseig) i amb atacs a les notes agudes extremadament prudents que produeixen trencaments en la línia i en la fluïdesa del cant.

Si les Julietes eren notables i de vocalitat diferènciada, els Romeos són excel·lents.

Tant el Romeo de la Baker com el de la Garanca són una delícia per a l’oïda. Per una part les dues canten un Romeo d’una empenta juvenil irresistible, romàntics, guerrers i apassionats. La Baker emet el seu cant amb una facilitat sorprenent, fluint amb la naturalitat del que està parlant, amb una interpretació del personatge dramàticament i vocalment completes. La Garanca també aconsegueix una interpretació dramàticament excel·lent, si bé el cant no té la naturalitat de la seva il·lustre predecessora, ara, la veu és irresistiblement bella i sobrada de facultats.

Per últim, entre el Tebaldo de Nicolai Gedda i el del maltès Joseph Calleja en quedo sense cap mena de dubte amb el del tenor suec, que si bé també ja està bastant granadet, s’imposa perquè presenta un cant molt més natural i valent, amb una solidesa tècnica i d’estil fora de l’abast de l’estranya tècnica i veu aflautada del jove tenor.

Pel que fa a la direcció, les dues són complementàries partint del mateix principi: impuls dramàtic. Ara bé, la de Patanè és més brusca i vibrant, mentre que la de Luisi és més estilista i matisada.

front cover

Vincenzo Bellini – I CAPULETI E I MONTECCHI (CD01, CD02)

Beverly Sills – Julieta

Janet Baker – Romeu

Nicolai Gedda – Tebaldo

Raimund Herincx – Lorenzo

Robert Lloyd – Cappelio

New Philharmonia Orchestra – Giuseppe Patanè

Vincenzo Bellini – I CAPULETI E I MONTECCHI (CD01, CD02)

Anna Netrebko – Julieta

Elina Garanca – Romeu

Joseph Calleja – Tebaldo

Robert Gleadow – Lorenzo

Tiziano Bracci – Cappelio

Wiener Symphoniker – Fabio Luisi

 

Esforzada Norma

6 Octubre 2009

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De salida hay que decir que Beberly Sills no tienía la voz adecuada para cantar el papel del Norma: es una voz de soprano ligera con una buena disposición para papeles de más enjundia dramática que los que le corresponden por naturaleza (como puede ser su magnífica Violeta).

La Sills lo sabía, y en vez de intentar llevarse el gato al agua falseando la parte (como otras ligeras hacen y han hecho), opta por forzar la voz al máximo, y aquí está el gran lastre de su versión.

Canta la Sills por encima del límite de sus facultades y eso se traduce en que la voz suena vibrada en exceso y afeada. Es en los pasajes más elegiácos y en los notables y exigentes recitativos donde se evidencia más esto: la cantante ensancha la voz para darle más peso de lo natural, y el esfuerzo se traduce en un vibrato exagerado que afea la voz y todo el canto en general. En los pasajes más agitados está mejor, ya que al no tener que sostener las notas tanto tiempo la emisión no se resiente. Así, si el Casta Diva queda bastante disminuido la cabaletta resulta brillante. Esa es la tónica de toda la grabación.

En lo que respecta a su versión, fuera del ámbito puramente vocal, su Norma es bastante académica, sin arrollar en los momentos de gran impulso (In mia man), ni ser excesivamente etérea en los más contemplativos (Casta Diva o todo el final de la obra), ni caer en amaneramientos insoportables (como otras que todos conocemos). Es una Norma digna.

En cuanto a la Verrett he de decir que, siendo una de mis mezzosopranos favoritas, en esta versión la he encontrado un poco desganada en todos los aspectos, tanto vocal como dramáticamente. Sólo parece implicada en su soliloquio de salida, donde frasea con muy buen gusto. Pero en los dúos la encuentro poco aplicada, quedando su compañera bastante mejor que ella en intención y canto (que no en voz).

El Pollione de Di Giuseppe es más ligero de lo que normalmente estamos acostumbrados (Del Monaco, Corelli, Domingo, Vickers,…). Parece una norma no escrita que el papel del guerrero romano lo tenga que cantar un lírico spinto o un drámatico, cuando esta vocalidad no existía en el 1831, año en que se estrenó la obra. El cantante del estreno Norma fue Domenico Donzelli un tenor bragado en papeles como Il Conte Belfiore del Viaggio rossiniano, y que llegó a estrenar papeles como Il Bravo o Ugo, conte di Parigi, de vocalidad cercana a la del baritenore rossiniano pero alejadísimas de lo que después sería el primer tenor verdiano o el spinto. Así pues por vocalidad, Alexander parece más filológico que estos grandes nombres, incluso en la técnica de canto, con da capos con variaciones en las agilidades (tampoco esperéis cosas tremendas), pero el timbre es vulgar, e incluso un poco opaco, al mismo tiempo que su interpretación no aporta nada al personaje.

Respecto a la dirección de Levine la he encontrado errática, ya que tienda a explotar al máximo los contrastes, sobretodo de volumen, con unos tempos un poco acelerados. Las explosiones orquestales son tremebundas y totalmente innecesarias, buscando un efecto que, por lo menos a mi personalmente, me han generado indiferencia y rechazo. Lástima, porque la orquesta estaba en muy buena forma.

Vincenzo Bellini – NORMA (CD01, CD02)

NORMA Beverly Sills

ADALGISA Shirley Verrett

POLLIONE Enrico Di Giuseppe

OROVERSO Paul Plishka

CLOTILDE Delia Wallis

FLAVIO Robert Tear

JOHN ALLDIS CHOIR

New Philharmonia Orchestra-JAMES LEVINE

El Belcanto de Marcelo Álvarez

30 Juny 2009

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El tenor argentino Marcelo Álvarez es una de las grandes figuras de la lírica en la actualidad. No posee ni una voz grande, ni una técnica depurada, ni es un estilista aventajado, ni posee un físico agraciado, pero a pesar de esto, tiene, y en dosis altas, tres ingredientes básicos para ser un divo: una voz muy bella, un canto comunicativo y entregado, y una fuerte personalidad escénica.

En este disco de finales 1998 la voz del tenor está fresca en todos los registros (todavía no había empezado a recrearse en papeles comprometidos para su voz), y su manera de cantar recuerda a la del joven Di Stefano o Carreras: a tumba abierta. Esto le genera algún sonido abierto en el agudo (cantado en forte) pero consigue que cada fragmento se convierta en una fiesta de canto a la antigua usanza.

En los fragmentos del Rigoletto está cómodo y juega al gran seductor (Questa o quella), al enamorado (Parmi veder) y está muy desenvuelto en La donna è mobile.

En las arias de Donizetti excele en la gran aria de Edgardo de la Lucia y en una excelente Furtiva Lagrima (cantada con unos sonidos de gran belleza).

Igual pasa en la escena de los Puritanos (A una fonte) donde la voz suena preciosa y emitida con una facilidad pasmosa.

Flojea en la Linda (donde uno no puede dejar de recordar la versión que nos regaló Flórez en el recital de hace un año y medio en el Liceu), y defiende con holgura las difíciles arias de Il Duca de Alba y la celebérrima Spirto gentil.

Un disco totalmente disfrutable de uno de los grandes valores de la lírica actual.

Álvarez, Marcelo – Bel Canto (CD)

1. Rigoletto: Questa o quella (1:47)

2. Rigoletto: Parmi veder le lagrime…Possente amor mi chiama (10:04)

3. Rigoletto: La donna è mobile (2:18)

4. L’Elisir d’Amore: Una furtiva lagrima (4:44)

5. Il Duca d’Alba: Angelo casto e bel (6:35)

6. I puritani: Son salvo…A una fonte (15:33)

7. Lucia di Lammermoor: Fra poco a me ricovero (7:18)

8. Linda di Chamounix: Se tanto in ira agli uomini (6:22)

9. La traviata: De’ miei bollenti spiriti…O mio rimorso (6:13)

10. La Favorita: Spirto gentil (4:50)

Welsh National Opera Orchestra – Carlo Rizzi