Archive for the 'Berlioz' Category

DiDonato: Diva o Divo?

15 febrer 2011

La nova proposta de Joyce Didonato, amb portada a l’estil “Víctor o Victoria”, és del tot original i enriquidora. Ha fet un disc amb un potipoti total d’autors, obres i estils amb el fil conductor de cantar diferents personatges, masculins i femenins, de la mateixa història. Així trobem la Susanna de Les Noces de Mozart i al Cheribino de l’òpera de Massenet, el Siebel del Faust de Gounod i la Marguerithe de Berlioz, el Sesto de Gluck i la Vitellia de Mozart, i més.

La veritat que és un joc de mans on la Joyce Didonato és mou molt bé perquè entre les moltes virtuts que té aquesta mezzosoprano de Kansas una de les més destacades és la seva capacitat camaleònica de ficar-se en la pell dels personatges que interpreta, i en aquest CD hi ha un fotimer.

Llegim les pròpies paraules de la cantant on explica les seves motivacions per a gravar aquest disc:

“This recital celebrates the vast and fabulous world of the mezzo-soprano. Aside from the obvious Toscas or Cio-Cio Sans, I’ve never regretted the length of my vocal cords!
I have the privilege and unmitigated joy of playing boys and young men, as well as girls and grown women … It’s an exploration of the human palette of emotions.
I wanted to find a way to show this duality on disc, while highlighting some of the composers I’m most passionate about, such as Mozart, Bellini, Berlioz, Rossini, and Massenet. In exploring this idea, the possibility became clear for telling different sides of some of the most familiar tales which have served as inspiration for operatic legends: Cinderella, Faust, Romeo and Juliet … I’ve always thought of myself as a storyteller, and with this particular disc, I can showcase that side of me as never before. I’m ready to play!”


A nivell musical les coses estam molt bé. DiDonato és una cantant amb molt de talent. La veu està en perfectes condicions, amb un centre i aguts nítids i brillants, i amb un greu si bé no resonant, força consistent. La manera de cantar és de primera categoria, amb un fraseig de manual, domini absolut de la tècnica i, sobretot, donant vida  a les emocions. Joyce DiDonato és, definitivament, una cantant apassionada i sensible i això es molt d’agrair en un mercat que cada vegada està més despersonalitzat.

Us deixarè els fragments menys coneguts. En primer lloc l’ària del Sesto de l’òpera de  Gluck “Se mai senti spirarti sul volto”

Respecte als fragments interpretats he de dir que dintre de l’alt nivell en totes les peces em decanto per les interpretacions dels papers en travesti. Pot ser és que sap captar com poques l’ardor juvenil d’aquest personatges adolescents, però és que el to que troba a les peces de Sesto, Cherubino, Siebel, Tebaldo, el Príncep i el Compositor és excel·lent.

Aprofitant que d’aquí a  poques setmanes veuré l’òpera a Paris us deixo ara “Allez, laissez-moi seul…. Coeur sans amour, printemps sans roses” de la Cendrillon.

Com a retret al disc, independentment de que en la peça desplega una tècnica i uns recursos espectaculars, em sembla un pas enrere la versió que fa de “Contro un cor”, on fa més ornamentacions i aguts que la Roberta Peters. No havien quedat que això no es canta així?

Per últim una altra peça de Massenet “ Ô frêle corps…. Chère Cypris” de l’Ariadne.

L’acompanyament és eficaç amb una orquestra de so pulcre i detallista en mans d’un director tan eclèctic com el repertori presentat.

Com a curiositat, en el duo “Aprite, presto aprite”, de les Nozze, amb una filigrana tècnica la mateixa cantant interpreta els papers de Susanna i Cherubino.

En el molt interessant blog: http://hartaopera.wordpress.com/ podeu trobar el disc (del que he agafat el link que us adjunto més abaix).

Us ho recomano

Joyce Didonato-Diva-Divo Opera Arias (CD, Password: hartaopera.wordpress.com)

1. Massenet-Chérubin: Je suis gris! Je suis ivre! (Cherubin)

2. Mozart-Le Nozze di Figaro: Giunse alfin il omento…(Susanna)

3. Mozart-Le Nozze di Figaro: Deh, vieni, non tardar (Susanna)

4. Gluck-La Clemenza di Tito: Se mai senti spirarti sul volto (Sesto)

5. Mozart-La Clemenza di Tito: Ecco il punto, o Vitellia (Vitellia)

6. Mozart-La Clemenza di Tito: Non più di fiori (Vitellia)

7. Mozart-Le Nozze di Figaro: Voi che sapete (Cherubino)

8. Rossini-Il Barbiere di Siviglia, ‘(The) Barber of Seville’: Il barbiere di Siviglia: Contro un cor (Rosina)

9. Gounod-Faust: Faites-lui mes aveux (Siebel)

10. Berlioz-La Damnation de Faust: D’amour l’ardente flamme (Marguerite)

11. Roméo et Juliette: Premiers transports que nul n’oublie

12. Bellini-I Capuleti e i Montecchi: Ascolta! Se Romeo t’uccise un figlio…. – La tremenda ultrice spada (Tebaldo)

13. Massenet-Cendrillon: Allez, laissez-moi seul…. Coeur sans amour, printemps sans roses (Príncipe)

14. Rossini-La Cenerentola: Nacqui all’affanno (Cenicienta)

15. Massenet-Ariane: Ô frêle corps…. Chère Cypris (Ariadne)

16. R. Strauss-Ariadne auf Naxos: Seien wir wieder gut! (Compositor)

17. Mozart-Le nozze di Figaro: Aprite, presto aprite (Susanna i Cherubino)

Orchestre et Choeur de l’Opéra de Lyon-Kazushi Ono

Ha mort Shirley Verrett

9 Novembre 2010

Últimament portem una ratxa nefasta de morts de personalitats molt importants en el món de la lírica. És un fet natural, perquè el pas del temps no perdona, però no vol dir que no sigui dolorós. Ara l’ha tocat a la fabulosa mezzo, més tard soprano, Shirley Verrett, amb 79 anys. Una altra pèrdua importantíssima.

La Verrett va nèixer a Nova Orleans al 1931 i els seus estudis musicals els va desenvolupar a Los Angeles. Al 1955 va entrar a la Juliard School al resultar guanyadora d’un concurs de talents a la TV. Mentre estudiava va cantar el solo de El amor brujo de Falla sota la direcció del Leopold Stokowski i va debutar professionalment en un paper operístic a Ohio, al 1957.

L’any següent, amb el nom de Shirley Carter, va actuar a la New York City Opera com a Irina en l’obra de Kurt Weil Lost in the Stars, continuant la seva activitat amb concerts i recitals fins al seu debut europeu a Colònia (1959) en una òpera de Nabokov.

L’any 1962 va ser el del seu esclat definitiu, amb la presentació de la seva Carmen a Spoletto, paper que l’obriria les portes del Bolshoi (1963), New York City Opera (1964), el seu debut a la Scala (1966) i al Metropolitan (1968), i tornar al Covent Garden (1972), on havia debutat amb l’Ulrica (1966).

Carmen va ser un dels seus papers més notables, entre els que poden fer una llista interminable: de Gluck l’Orfeo (al Covent Garden) i l’Ifigènia (a Paris 1984), de Donizetti les seves Elisabetta (Maria Stuarda, Edinburg 1968) i Leonora (La Favorita, Dallas 1971), de Verdi l’Amneris, Azucena, Eboli, Lady Macbeth i Ulrica; la Dalila de Saint-Saens; la Selika de Meyerbeer (L’Africaine, San Francisco 1972); la Cassandra i la Dido a Les Troyens (Metropolitan 1972);….

Us deixo un primer vídeo d’uns dels seus papers més emblemàtics, l’Eboli del Don Carlo. El seu “O don Fatale” posseeix la barreja perfecta de temperament i domini tècnic, destacant el fiato portentós i uns aguts impressionants. El fragment pertany a una producció televisiva de la BBC (1971).

Al final dels anys 70 va començar a incorporar papers de soprano al seu repertori, sense renunciar als de mezzo, sobretot al Metropolitan, de manera força brillant. Així va ser també Tosca, Norma, Aida o Leonora (Fidelio), entre d’altres.

A finals dels anys vuitanta, encara en actiu, es va començar a centrar en la docència de les noves generacions de cantants donant classes magistrals a l’Accademia Chigiana de Siena. La seva tasca com a formadora es va formalitzar qual al 1996 va ocupar la plaça de Professora de veu a la School of Music, Theatre and Dance de la Universitat de Michigan.

En aquest segon vídeo podem veure a la Verrett en una altra de les seves màximes creacions: la Lady Macbeth. Pertany a les històriques funcions de la Scala dels anys 70, amb el tandem Strehler-Abbado. Només la Callas ha aconseguit una interpretació vocal del mateix nivell que l’americana d’aquest paper infernal. Sentim-la en l’ària de sortida, on simplement està sensacional. El difícil públic milanès enfolleix.

Durant la dècada dels noranta va anar retirant-se paulatinament dels escenaris, si bé al 1994 encara va debutar a Broadway amb Carousel. Al 2003 va publicar les seves memòries (I Never Walked Alone) on de manera directa paralava del racisme que va patir com a cantant negre en el món de la música clàssica als Estats Units. Així, entre d’altres fets, explica com a començament dels anys 60, quan Stokowski la va cridar per cantar amb la Simfònica de Houston, va haver de rescindir el contracte perquè la plantilla de l’orquestra es va negar a acceptar una solista negra. Stokowski es va disculpar i més tard va compensar-la convidant-la a cantar amb una orquestra molt més prestigiosa i coneguda com era la Philadelphia Orchestra.

Com a últim fragment el sensual i bellíssim “Mon coeur s’ouvre a ta voix”, on la Verrett desplega un cant absolutament bell i arrebatador. El seu magnífic Samson és el Plàcido Domingo.

La Verret posseïa una veu de timbre lluent i superdotada extensió (més de dues octaves), que era capaç d’utilitzar amb una musicalitat i intel·ligència suprema. A l’escenari, especialment com Dalila, Eboli o Azucena, aconseguia fondre la paraula, el cant i el gest per a aconseguir caracteritzacions inoblidables, que sortosament es preserven en àudio i vídeo per a que les podem fruir una vegada i altra.

Com a acompanyament us deixo un dels primers recitals que la Verrett va gravar per a la seva primera casa discogràfica (la RCA), on podem constatar la seva enorme qualitat i versatilitat. Disfruteu-lo.

Shirley Verrett in Opera (CD)

01. Orfeo Ed Euridice: Amour, Viens Rendre A Mon Ame

02. Anna Bolena: Sposa A Percy

03. Anna Bolena: Per Questa Fiamma Indomita

04. La Favorita: Fia Dunque Vero

05. La Favorita: O Mio Fernando

06. Romeo Et Juliette: Premiers Transports

07. La Damnation De Faust: D’amour L’ardente Flamme

08. Sapho: Ou Suis-Je?

09. Sapho: O Ma Lyre Immortelle

10. Werther: Werther! Qui M’aurait Dit (Letter Scene)

11. Samson Et Dalila: Mon Coeur S’ouvre A Ta Voix

12. La Forza Del Destino: Lasciatelo Ch’ei Vada; Rataplan

13. Un Ballo In Maschera: Zitti!; Re Dell’abisso Affrettati

Harold en Italia

8 Novembre 2010

Harold en Italia es, de hecho, la segunda sinfonía de Beriloz a pesar de que pueda parecer una especie de concierto para viola – cosa que prueba los deseos del compositor de extender y evolucionar el formato sinfónico, como apuntaba en la Sinfonía Fantástica.

Compuesta en 1834, esta basada en un poema de Lord Byron al mismo tiempo que refleja las propias experiencias de Beriloz durante su primera estancia en Italia, después de haber ganado el “Prix de Roma”.

A pesar que Byron e Italia eran los estímulos iniciales para la obra, fue la intervención directa de Paganini la que catalizó su composición, ya que el virtuoso quería que le compusieran un concierto para viola con el que probar una viola stradivarius que había adquirido.

Beriloz inició la composición, pero concedió a la orquesta el papel protagonista, con lo que cuando Paganini vio la partitura del primer movimiento perdió el interés por la pieza: “hay demasiadas pausas; yo debo tocar todo el tiempo” Beriloz escribió entonces el resto de la composición siguiendo sus propios criterios, y reduciendo el papel de la viola a una especie de primus inter pares con la orquesta.

Después de oir una de las primeras interpretaciones de la obra, Paganini fue lo suficientemente caballeroso como para admitir su error y ofreció al compositor un cheque por más de 20.000 francos (una pequeña fortuna para la época) en concepto de pago por ella, aunque nunca llegó a tocar la pieza. Dos años después la obra fue transcrita al piano por Franz Liszt

En Harold en Italia Beriloz continúa con el desarrollo de las ideas planteadas en la Sinfonía Fantástica, especialmente la idea del motto (motivo) que encarna la viola a lo largo de los cuatro movimientos.

La sección de apertura describe a Harold en las montañas, iniciándose lenta y plácidamente y desarrollándose hacia un auténtico allegro sinfónico. A continuación la marcha de los Peregrinos, con algunos ecos religiosos y campanas de iglesias. El tercer movimiento es una serenata que alterna una danza campesina, pero es en el final donde Beriloz realmente se desata.

Serenade. NBC Symphony Orchestra bajo la dirección de Arturo Toscanini.

La versión que comparto con vosotros cuenta nada menos que con la extraordinaria viola de Yuri Bashmet y la dirección siempre precisa y detallista de Eliahu Inbal. Quizás el director israelí tiende a tempos un poco lentos, con una Marcha de los peregrinos un poco blanda y un final menos impetuoso de lo que uno desearía, pero el resultado es muy satisfactorio.

Hector Beriloz – Harold en Italia, Op16 (CD)

Simfonia en quatre parts amb viola principal

  1. Harold aux montagnes. Scènes de mélancolie, de bonheur, et de jolie
  2. Marche de pélerins chantant la prière du soir
  3. Sérénade d’un montagnard des Abuzzes à sa maîtresse
  4. Orgie des brigands. Souvenirs des scènes précédentes

Yuri Bashmet, viola

Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt – Eliahu Inbal

La Baltsa canta la Lady Macbeth y otras cosas

31 gener 2010

La Baltsa siempre ha sido una de mis cantantes favoritas. En principio con una voz de mezzosoprano muy dúctil de centro cálido y agudo penetrante y metálico, y canto siempre temperamental y tremendamente comunicativo.

Su carrera ha sido fulgurante, desde que debutara como Cherubino en Frankfurt en 1968, con 24 años, y en 1970 debutara como Octavian en la Ópera de Viena. Pero si hay un momento crucial en su carrera es cuando pasó a ser una de las cantantes predilectas de Herbert von Karajan con lo que durante muchísimos años fue una fija del Festival de Salzburgo.

Durante estos 42 años de trayectoria internacional ha interpretado multitud de papeles de diferentes estilos y compositores: Mozart (Le Nozze di Figaro, Cosi fan Tutte, Requiem, etc.), Rossini (Il Barbiere di Siviglia, La Cenerentola, L’Italiana in Algeri – las tres memorables), Mascagni (Cavalleria Rusticana), Verdi (Aida, La Forza del Destino, Il Trovatore, Don Carlo, Requiem), Bellini (I Capuleti e I Montecchi – memorables funciones en Londres con Gruberova y Muti a principios de los 80), Donizetti (Il Campanello, Maria Stuarda – otras memorables funciones en Munich con Gruberova también en los 80), Saint-Saens (irrepetibles funciones en el Liceu con Domingo, a las que dedicaré un post a no mucho tardar),….Pero quizás las que más renombre internacional le han supuesto son su creación de la Carmen.

Actualmente, ya mermada de facultades como es obvio después de tantos años de carrera y tantos papeles, algunos realmente exigentes, la Baltsa todavía está en activo, dejándose ver en Viena y Munich centrando su actividad en los escenarios en dos papeles: la Klytemnaestra de la Elektra y la Kostelnicka del Jenufa. Además de dar recitales por Alemania, Austria, Japón y su Grecia natal.

El motivo de este post es el de escuchar a la Baltsa cantando un papel que creo que jamás llegó a interpretar en el escenario, si bien tenía las cualidades tanto vocales como dramáticas para haber conseguido llevarlo a cabo con notable éxito: La Lady Macbeth de la ópera de Verdi. Y podemos recrearnos en lo que podía haber sido gracias a que a mediados de los ochenta grabó un recital para EMI en donde incluyó dos de las arias del personaje: el aria de entrada y la escena del sonambulismo.

El disco parece un ejercicio a manera de experimento, anticipándose a lo que después la Bartoli ha hecho con descaro y menos acierto en su disco Maria y en su penosa grabación de La Sonnambula, internándose en papeles de soprano dramático de agilidad (Maria Estuardo, Lady Macbeth) o de soprano con carácter (Fiordiligi).

La Baltsa sale bastante mejor parada que la Bartoli, ya que domina mejor el estilo belcantista y la voz en la zona aguda es mucho más brillante y metálica. Además, como creadora de personajes la griega tiene un mayor instinto teatral.

El disco se inicia con dos escenas de la Maria Estuardo de Donizetti: la primera de Elisabetta, uno de sus papeles más recordados, donde está perfercta por adecuación vocal, canto y temperamento. La segunda pieza es el aria de entrada de Maria, donde la Baltsa no está tan acertada, quedando apurada en las notas más agudas y su canto no es todo lo etéreo que debería ser en la cavatina, y es demasiado fiero en la cabaletta. Escuchémosla en este fragmento.

A continuación viene una estupenda versión de esa aria de bravura que es el “Come scoglio”, que le va a la cantante como un guante.

Los siguientes dos tracks son el motivo del post.

Primero el aria de salida de Lady Macbeth, incluida la lectura de la carta y la cabaletta. La interpretación de la Baltsa es de una intensidad notable, dando intención a cada frase desde el punto de vista dramático, llena de matices. La voz es adecuadísima, con un centro amplio y buenas ascensiones al agudo, y esta brillante en las agilidades. Recuerda mucho a esa profundidad que conseguía la Callas.

La escena del sonambulismo es también todo un acierto interpretativo, recreándose de nuevo y dando la intención y la inflexión justa a cada sílaba, pero aquí vocalmente está mucho más apurada, sobretodo en las ascensiones al do y re bemol agudo, donde cala a pesar de la prudencia con que los ataca.

El disco finaliza con una escena de Les Troyens de Berlioz, donde vuelve a destacar por su perfecta recreación del personaje.

Es una lástima que la Baltsa no se acabará de decidir a interpretar a la Lady Macbeth, porque seguro que hubiera conseguido una auténtica creación, vistas las credenciales dramáticas de la cantante, un papel al que por su personalidad y temperamento hubiera conseguido dar vida sobre el escenario.

AGNES BALTSA – Arias (CD)

01. Maria Stuarda, opera Act 1. Sì, vuol di Francia il Rege…Ah, dal ciel discenda un raggio

 02. Maria Stuarda, opera Act 2. E che! non ami…Nella pace, nel mesto riposo

03. Così fan tutte, opera, K. 588 Act 1. Temerari…Come scoglio

04. Macbeth, opera Act 1. Nel dì della vittoria…Vieni t’affretta…Or tutti sorgete

05. Macbeth, opera Act 4. Una macchia è qui tutt’ora

06. Les Troyens, opera, H. 133a Act 5. Ah! Je vais mourir!

Münchner Rundfunkorchester-Alberto Zedda

René Pape: rei dels baixos?

17 gener 2010

La pregunta que faig està plantejada amb certa malícia, ja que he de confessar que després d’haver sentit a Mr. Pape (tal i com ell vol que li diguin) en directe m’esperava més d’aquest disc.

No penseu malament, la veu és bellíssima i molt sòlida, és un baix, i canta amb molt bona línea i gust, però, on és l’ànima?

Comencem pels dimonis: on és aquella intenció sibil·lina o directament malvada del personatge? Jo no l’he trobat. Ara el cant és acuradíssim. Us deixo que el sentiu en “Le Veau d’Or”, fantàsticament executat però lluny del maquiavèlic Chirstoff o del sibil·lí Siepi.

Faust-Le Veau d’Or-Richard Tucker Gala, 2001

Més interessant està en el Dapertutto, amb un “Scentile Diamant” molt ben escolpit, i brillantment rematat amb l’agut final.

Offenbach-“Scintille Diamant”-Staatskapelle Dresden-Sebastian Weigle

Pel que fa als reis, el seu Filippo és d’una noblesa d’accent remarcable, però torno a trobar a faltar un fraseig més incisiu, més carn. Per contra, el seu Boris és excel·lent des de qualsevol punt de vista, sent un dels fragments més notables de tot el recital.

Don Carlo-Ella giammai m’amo- Joseph Volpe Gala, 2006

Menció a part té la gran escena del Rei Marke, del Tristan und Isolde, on Pape fa una autèntica creació. Això és, sens dubte, el millor del disc. El seu Rei Marke reflexa tot el patiment i tota la humanitat del vell rei com pocs han aconseguit fer.

Per últim, destaca també, com un altre gran moment del recital el “Beda, Beda” del Vodnik (una mena de goblin de les aigües) del segon acte de la Rusalka de Dvorak, on Mr. Pape també assoleix la comunió perfecta entre un cant acurat i en plenes facultats, i una expressivitat completa. És la tercera joia del disc.

Beda, beda – Dvorak – Rusalka- Staatskapelle Dresden-Sebastian Weigle

Com a punt més “decepcionant”, el Wotan, on l’he trobat que la veu no acaba de doblegar-se a la tessitura del Cap dels Deus, i per això l’he trobat certes febleses, sobretot en la part alta de la veu, que el fan no estar del tot còmode (serà què el Wotan és un baix-bariton?). Crec que el seu Wotan haurà d’esperar una mica.

Per tant, i contestant a la pregunta inicial, podem dir que de moment a Mr. Pape els reis són el que millor li funcionen. I pel que fa a la veu i el seu cant podem dir que actualment és un ferm aspirant a la corona de les veus més greus.

René Pape-GODS, KINGS AND DEMONS (CD

PASS: elhenry.MusicIsTheKey)

1) Gounod-Faust-Ronde du veau d’or: “Le veau d’or” [1:58]

2) Gounod-Faust-Sérénade: “Vous qui faites l’endormie” [2:42]

3) Boito-Mefistofele-Ecco il mondo [2:19]

4) Berlioz-La Damnation de Faust- Air de Méphistophélès. “Voici des roses” [2:47]

5) Verdi -Don Carlo- “Ella giammai m’amò!” [10:30]

6) Offenbach-Les Contes d’Hoffmann-Scintille, diamant [2:40]

7) Wagner-Das Rheingold-Abendlich strahlt der Sonne Auge [3:55]

8) Wagner-Tristan und Isolde- “Tatest du’s wirklich?” [13:31]

9) Rubinstein-The Demon-“Na vazdushnam akeane” [4:58]

10) Rubinstein-The Demon -“Ne plach dit’a” [2:39]

11) Dvorák –Rusalka- Beda, Beda! Ubohá rusalko bleda [5:29]

12) Mussorgsky-Boris Godounov-Oi! duschno, duschno [10:34]

Staatskapelle Dresden-Sebastian Weigle

Fantástico Berlioz

21 Setembre 2009

dudamel-Berlioz

Gustavo Dudamel con sus 28 añitos es la última sensación en el mundo de la música clásica. Este director venezolano formado desde los cuatro años por su padre y desde los diez al amparo del sistema de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela, fundado por José Antonio Abreu, saltó a la fama como director de la, digámoslo claramente, sensacional Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, con la que ha dado conciertos en todo el mundo. A partir del 2004 empezó a colaborar con otras orquestas como invitado: Philharmonia, Israel Philharmonic, LA Philharmonic, Teatro alla Scala, Chicago Symphony, Berliner y Wiener Philharmoniker….. En el 2006 es nombrado principal director de la Göteborgs Symfoniker (cargo que otros ilustres como Neeme Järvi o Charles Dutoit han ostentado) y en 2007 de la LA Philharmonic (sucediendo a Esa-Pekka-Salonen).

Esta temporada 2009-2010 se inicia la colaboración de Dudamel con LA Philharmonic, pero de las colaboraciones puntuales en los últimos años la DG ha editado de momento dos grabaciones: el Concierto para Orquesta de Bartok (2006-2007), y la Sinfonía Fantástica de Berlioz (2007-2008). Es esta última grabación la que os presento en el post.

La Sinfonía fantástica, op. 14, de Hector Berlioz,  realmente fue titulada por el autor como Episodio de la vida de una artista, se estrenó en París en 1830, cundo el compositor sólo tenía 27 años. Esta sinfonía rompió las fronteras del lenguaje musical de su tiempo en muchos sentidos. Se divide en cinco movimientos, en lugar de los cuatro habituales, cada uno con un título referido a la escena que lo inspira: Ensueños y pasiones, Un baile, Escena en el campo, Marcha al suplicio y Sueño de una noche de aquelarre. Además, cuenta con un programa detallado que describe un entorno literario donde se desarrollan los acontecimientos musicales, inaugurando el género que hoy se conoce como «música programática», y es la auténtica precursora de los poemas sinfónicos que medio siglo después compondrían Liszt, Korsakov, Strauss,…Posteriormente Berlioz revisaría la obra, siendo la versión de 1845 la que normalmente se interpreta y se graba.

Como pieza genuinamente romántica, la inspiración de esta obra fue la pasión que Berlioz sintió por una actriz irlandesa, Harriet Smithson y que culminó en una tumultuosa relación con matrimonio incluido en 1833 y separación en 1839. El amor del músico protagonista se expresa mediante una idea melódica fija que aparece bajo distintas formas, a la manera del leitmotiv wagneriano, recurso del que Berlioz fue un precursor.

La orquesta incluye campanas, címbalos, oficleídas, dos arpas, y exige, al menos, cincuenta y cinco instrumentos de cuerda.

—————————–

PROGRAMA DE LA OBRA (de la wikipedia)

La sinfonía posee un argumento muy detallado. Por esta razón se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros. El argumento es el siguiente:

First movement: “Rêveries – Passions” In Berlioz’s own program notes from 1845, he writes: The author imagines that a young vibrant musician, afflicted by the sickness of spirit which a famous writer has called the wave of passions [la vague des passions], sees for the first time a woman who unites all the charms of the ideal person his imagination was dreaming of, and falls desperately in love with her. By a strange anomaly, the beloved image never presents itself to the artist’s mind without being associated with a musical idea, in which he recognises a certain quality of passion, but endowed with the nobility and shyness which he credits to the object of his love.

Second movement: “Un bal” Again, quoting from Berlioz’s program notes:The artist finds himself in the most diverse situations in life, in the tumult of a festive party, in the peaceful contemplation of the beautiful sights of nature, yet everywhere, whether in town or in the countryside, the beloved image keeps haunting him and throws his spirit into confusion.

Third movement: “Scène aux champs” One evening in the countryside he hears two shepherds in the distance dialoguing with their ‘ranz des vaches’; this pastoral duet, the setting, the gentle rustling of the trees in the wind, some causes for hope that he has recently conceived, all conspire to restore to his heart an unaccustomed feeling of calm and to give to his thoughts a happier colouring. He broods on his loneliness, and hopes that soon he will no longer be on his own… But what if she betrayed him!… This mingled hope and fear, these ideas of happiness, disturbed by dark premonitions, form the subject of the adagio. At the end one of the shepherds resumes his ‘ranz des vaches’; the other one no longer answers. Distant sound of thunder… solitude… silence …

Fourth movement: “Marche au supplice” From Berlioz’s program notes: Convinced that his love is spurned, the artist poisons himself with opium. The dose of narcotic, while too weak to cause his death, plunges him into a heavy sleep accompanied by the strangest of visions. He dreams that he has killed his beloved, that he is condemned, led to the scaffold and is witnessing his own execution. The procession advances to the sound of a march that is sometimes sombre and wild, and sometimes brilliant and solemn, in which a dull sound of heavy footsteps follows without transition the loudest outbursts. At the end of the march, the first four bars of the idée fixe reappear like a final thought of love interrupted by the fatal blow.

Fifth movement: “Songe d’une nuit de sabbat” He sees himself at a witches’ sabbath, in the midst of a hideous gathering of shades, sorcerers and monsters of every kind who have come together for his funeral. Strange sounds, groans, outbursts of laughter; distant shouts which seem to be answered by more shouts. The beloved melody appears once more, but has now lost its noble and shy character; it is now no more than a vulgar dance tune, trivial and grotesque: it is she who is coming to the sabbath… Roar of delight at her arrival… She joins the diabolical orgy… The funeral knell tolls, burlesque parody of the Dies irae, the dance of the witches. The dance of the witches combined with the Dies irae.

 —————————–

La versión de Dudamel es realmente notable, llena de vitalidad. El primer movimiento más que una ensoñación es una especie de paranoia sonora por como se recrea en las extrañas sonoridades que se entremezclan, y en el segundo movimiento consigue un vals la mar de cantabile. El tercero es del todo inquietante, mientras que en los dos últimos consigue un crescendo en intensidad y fuerza, que culminan en una precipitada danza final, con la orquesta al máximo de revoluciones. Destaca el trabajo excelente con los contrabajos y los metales más graves, que el director se esfuerza en exagerar, como queriendo resaltar el carácter entre macabro y alucinado de la partitura, consiguiendo unas sonoridades tan inquietantes como estimulantes, aunque quizás tiende a exagerar las tintas en los momentos más espectaculares donde pone a la orquesta al límite. La LA Philharmonic rinde a buen nivel, con un sonido bien articulado y buen empaste entre las secciones incluso en los momentos donde Dudamel les arrastra a la vorágine de su visión hiperapasionada de la música. La toma de sonido es un poco opaca dentro de un gran nivel, aunque se acerca más a la calidad típica de toma radiofónica que a la excelencia que suelen alcanzar los registros de la DG.

Hector Berlioz (1803 – 1869)-Symphonie fantastique, Op.14 

1. Rêveries. Passions (Largo – Allegro agitato ed appassionato assai) [14:57]
2. Un bal (Valse: Allegro non troppo) [6:40]
3. Scène aux champs (Adagio) [17:59]
4. Marche au supplice (Allegretto non troppo) [6:39]
5. Songe d’une nuit du Sabbat (Larghetto – Allegro – Ronde du Sabbat: Poco meno mosso) [9:43]
6.Upbeat Live – pre-concert lecture [4:53]
Los Angeles Philharmonic-Gustavo Dudamel

(CD, PASSWORD: elhenry.MusicIsTheKey)

ERWIN SCHROTT

2 Març 2009

cover

A l’estiu de 2008 va sortir el disc recital de presentació del baix-baríton uruguaià (més aviat baix) Erwin Schrott.

El noi, perquè només té 36 anys, ja estava cridant força l’atenció pels grans escenaris d’òpera, sobretot per les seves interpretacions del Don Giovanni al Met i al Covent Garden, i un Don Giovanni i un Mosè amb Muti a la Scala, on la crítica quasi havia apostat més per la seva “impresionant” presència escènica i dots d’actor, que per les seves qualitats vocals.

Les qualitats vocals les té, i força bones (va guanyar el primer premi del concurs Operalia al 1998). És un baix (no sé perquè es diu baix-baríton). La veu es consistent, amb un bon gra i color fosc. Va bé cap al greu (com demostra en les àries de Verdi del disc, on destaca molt l’escena de Banquo del Macbeth “Studia el passo,… Come dal ciel precipita”), i també sona net en les altures. Controla bé les dinàmiques de la veu (com demostra a l’ària de la Dannació de Faust “Voici des roses”) i s’adapta bé als diferents estils.

Pel cantó negatiu dues objeccions, que no treuen mèrit a la bona qualitat general del disc i del cantant: la primera és que el timbre no es del tot net, donant una lleugera sensació de brutícia; i la segona és una tendència descarada a la sobreactuació vocal (sobretot en l’ària del catàleg del Leoporello i en la del Mefistòfil del Faust) que no venen al cas donada la qualitat de la seva veu (les exageracions en el cant són o símptoma de desgast vocal o amaneraments de mal gust).

Un altres dels grans mèrits d’aquest baix és el de ser el marit i el pare del fill de l’Anna Netrebko (quina enveja!).

Us deixo el link de la web del disc (on hi ha videos i fotos), i al primer comentari més informació.