Archive for the 'Donizetti' Category

Preparant Le Fille du Regiment

10 Març 2010

El passat diumenge es van iniciar al Liceu la sèrie de 13 representacions que de Le Fille du Regiment es donaran al teatre. 

Le Fille du Regiment és una òpera còmica menys ambiciosa que la majoria d’obres dramàtiques del compositor. Està farcida de peces de caire marcial i perfectament pensades de cada a la galeria, més concretament cara del públic francès, donada la gran quantitat de fragments descaradament dedicats a l’exaltació de la pàtria francesa. 

Com s’explica molt adientment a la web del teatre l’obra es va estrenar l’onze de Febrer de 1840 a l’Opéra Comique de Paris, amb llibret en francès de Jules Henri Vernos de Saint Georges i Jean François Bayard, ja amb el compositor afincat a la capital gala. Pocs mesos desprès es reestrenava a la Scala de Milà amb una versió modificada i llibreto adaptat al italià per Callisto Bassi. 

L’obra va tenir un recorregut diferenciat en les seves dues versions. La versió francesa poc a poc es va anar consolidant a França convertint-se en una peça típica d’exaltació patriòtica que es programava sempre per a la Festa Nacional del 14 de juliol, i en cada ciutat es canviava el nom del regiment per el que estava aquarterat més pròxim a la localitat. Això va durar fins a la primera dècada del segle XX, quedant pràcticament olvidada després de la I Guerra Mundial. 

Per altre part la versió italiana es va imposar com a la versió favorita per a la seva estrena en diferents teatres del món, i al 1843 ja es va estrenar als Estats Units. L’obra va perdurar per la predilecció que moltes sopranos lleugeres llegendàries van tenir pel paper de Marie (un autèntic bombó per aquesta corda), ja que és un rol molt exigent vocalment en el sentit que necessita d’una soprano dominadora de la coloratura i dotada d’un registre agut i sobreagut ben sa. Així la Jenny Lind, Pauline Lucca, Adelina Patti, Luisa Tetrazzini o Toti dal Monte van mantenir l’òpera, sempre en italià, en la llista d’obres programades als teatres, però sense arribar a esdevenir una obra clara del repertori. 

No va ser fins que Joan Sutherland i Luciano Pavarotti la rescatessin al Covent Garden primer i al Metropolitan desprès en la versió original francesa que no va tornar a tenir la presència més regular en els teatres d’arreu del món. 

Com ja he comentat, l’obra es sustenta fonamentalment en tres variables fonamentals: El primer és el paper de Marie, tot un vehicle per al lluïment de la soprano que a part de cantar molt i ben difícil ha de tenir la suficient vessant còmica per donar fer una bona creació del personatge; el segon és el tenor que ha d’afrontar la tremendament exigent ària del primer acte amb els seus 9 do de pits escrits, però que no s’ha de quedar en aquesta exhibició de facultats sino que ha de ser capaç de cantar amb un estil belcantista perfecte i amb la delicadesa i pathos necessaris la del segon acte; i per últim en el propi conjunt d’intèrprets i escenografia que han de fer que el públic es contagi de l’humor blanc i melodies faciones i marcials que omplen el llibret i la partitura. 

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 Bé, passem ara a ampliar la informació de les funcions i la producció tirant de la web del teatre. 

En primer lloc us adjunto enllaç del Full informatiu de la producció que fa el teatre

http://www.liceubarcelona.cat/cms/administrator/components/com_info/liceu/web/uploads/assets//full_regiment.pdf

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En segon lloc us recullo l’argument estret de la web, amb alguns videos il·lustratius protagonitzats pels dos principals intèrprets del primer repartiment: Patricia CIofi i Juan Diego Flórez 

Argument 

http://www.liceubarcelona.cat/cms/index.php?option=com_content&view=article&id=230&temporada=4&Itemid=39&lang=ca

Acte I

Als afores d’un rústec poblet de muntanya, un grup de pagesos vigila el pas de l’exèrcit francès que s’acosta, mentre que les dones resen. Entre la gent veiem la pretensiosa marquesa de Berkenfield, morta de por, assistida pel seu majordom Hortensius. Hi ha una gran alegria quan un pagès diu que els francesos ja són lluny. La noble dama havia deixat el seu castell per dirigir-se a Àustria i evitar les lluites al Tirol i es refugia en una cabana mentre Hortensius va a recuperar la seva carrossa. Aviat troba el sergent Sulpice, del 21è regiment francès de granaders, que li dóna permís per continuar el seu camí amb la vella dama.

Sulpice, de caràcter rude i cor noble i generós, resta sol i sent arribar Marie, la cantinera, protagonista de l’òpera: una noia bonica, vital i alegre que quan era un infant va ser recollida pel regiment i va fer-se gran al so dels timbals. Els soldats es consideren els seus pares, l’estimen amb tendresa i la van nomenar cantinera del regiment. El sergent creu que ja ha arribat l’hora de casar-la i la interroga sobre un foraster amb el qual l’han vista parlar. Marie diu que es tracta de Tonio, un jove tirolès que li va salvar la vida quan queia per un espadat, que és una excel•lent persona, que estan enamorats, però que han decidit que el seu amor no és possible, perquè el seu marit ha de ser soldat del regiment.

Arriben els soldats que han detingut Tonio, que identifiquen amb un espia perillós i volen condemnar-lo a mort. Marie intervé ràpidament i els convenç que aquest jove és el seu salvador. El brindis amb rom que proposa Sulpice s’acompanya dels entusiastes i marcials cuplets de Marie. (Us deixo vídeo del duo amb la Ciofi i Flórez a Genova)

Sona la retreta i aviat reapareix Tonio, que fa saber a Marie que no està disposat a perdre-la, que l’estima de tot cor. Sulpice sorprèn els dos enamorats i intenta imposar la seva autoritat, però sense cap resultat. Marie assegura que no es casarà si no és amb l’atractiu tirolès, i Tonio surt per convèncer els altres soldats que permetin el seu casament.

Arriben la marquesa de Berkenfield i Hortensius; la dama ha decidit tornar al seu castell i demana la protecció del 21è regiment. Sulpice, en saber el nom d’aquest castell, té una impressió molt forta. Havia estat un gran amic del capità francès Robert, el qual havia tingut una relació amorosa amb una Berkenfield –segons la marquesa, germana seva– de la qual havia nascut una nena. Abans de morir, Robert va confiar la seva filla a un vell servidor perquè la portés a la marquesa, però en una altra acció bèl•lica el pobre vell va morir. La noble suposa que la criatura, que seria, si visqués, la seva única descendent i hereva, devia perdre la vida, però Sulpice la identifica immediatament amb la seva estimada cantinera Marie. Una carta difícil de desxifrar de la qual ja s’havia parlat abans serveix de prova irrefutable que Marie és la filla del capità Robert i una Berkenfield.

Marie torna i es troba amb la gran sorpresa de ser membre d’una noble i rica família. La marquesa decideix emportar-se-la tot seguit i intentar educar-la d’una manera adequada a la seva condició, per a la qual cosa venç la inicial reticència de la noia amb la carta del seu pare.

El cor de soldats apareixen en escena cantant un himne marcial i arriba també Tonio, vestit de soldat francès, que acaba d’allistar-se al regiment per poder aspirar a la mà de Marie i amb la famosa i arriscada cavatina «Ah! mes amis quel jour de fête» aconsegueix que els militars es posin al costat dels enamorats. (Esculteu a Flórez amb els magnífics 9 do de pit, la producció és en la que es basa la que es veurà al Liceu)

Però l’alegria es converteix en tristor quan el sergent anuncia la decisió de la marquesa d’endur-se Marie per donar-li una bona educació. La malenconia de Marie davant aquesta decisió i el dolor de separar-se dels seus companys i del seu amor s’expressa en la no menys coneguda romança «Il faut partir». Els dos protagonistes canten un breu i líric duo, Marie s’acomiada de cadascun dels soldats i la marquesa s’endú la noia entre les darreres promeses d’amor dels amants. (Sentim la despedida de Marie amb la Patricia Ciofi)

Acte II

En un saló d’un palau luxós, la marquesa de Berkenfield i la seva amiga, la ridícula duquessa de Crakentorp, parlen sobre el contracte de matrimoni que han de signar entre Marie, la neboda retrobada, i el nebot de la duquessa.

Fa tres mesos que Sulpice, ferit en una batalla, es troba convalescent al palau gràcies a les súpliques de Marie, i la marquesa, que desconfia de l’actitud aparentment dòcil de la noia, demana ajuda al vell soldat perquè la convenci. Aquesta nit se celebra una festa per celebrar les esposalles i la marquesa obliga Marie a fer el darrer assaig de la peça de cant que ha de protagonitzar per convèncer els seus amics que és una noia refinada, no una vulgar cantinera. L’assaig esdevé un cant nostàlgic i rebel de Marie i el sergent, davant la irritació creixent de la marquesa.

Resten sols Sulpice i Marie i el militar intenta de bona fe convèncer la noia de la conveniència d’entrar al gran món i casar-se amb un duc, però ella es lamenta amargament i se sent molt desgraciada. Quan resta sola a escena, canta la gran ària del segon acte, en la qual inicialment expressa amb tristesa i elegància els seus sentiments, però quan sent al fons la marxa militar del regiment que arriba a salvar-la canvia radicalment el seu estat d’ànim, corre a la finestra i amb gran alegria canta la cèlebre cabaletta «Salut à la France!», que esdevingué gairebé un himne nacional. Els soldats abracen Marie i s’avança Tonio, condecorat amb una medalla per les seves proeses a l’exèrcit. Resten sols Tonio, Marie i Sulpice, que canten un alegre i deliciós trio.

Entra la marquesa i s’indigna de trobar Tonio amb la noia. L’enamorat intenta convèncer la marquesa amb el cant d’una bella romança, però aquesta es mostra hostil una vegada més. (Sentim “Pour me rapprocher de Marie”)

Tonio decideix jugar fort i revelar un secret que ha descobert: Marie no és filla de la germana de la marquesa de Berkenfield per la senzilla raó que la marquesa és filla única. Ella explica aleshores la veritat al sergent Sulpice: filla d’una noble casa, es va enamorar del capità Robert, de l’exèrcit napoleònic, i dels seus amors va néixer una filla que va amagar per mantenir el seu bon nom. Els avatars de la guerra van deixar la criatura orfe del pare i extraviada, fins que com s’ha explicat a l’inici, el regiment 21 la va adoptar.

Arriben el notari i els convidats i la marquesa es veu amb dificultats per justificar l’absència de Marie davant una irritada i agressiva duquessa. Sulpice demana permís a la marquesa per explicar tota la veritat a la noia i entra finalment Marie, molt emocionada pel fet de retrobar la seva mare i decidida –malgrat la seva gran pena– a signar. Però els soldats del regiment envaeixen l’estança per donar suport a Marie i afirmen solemnement que la noia era la cantinera i la filla del regiment, davant l’horror dels presents. Marie es guanya els sentiments dels convidats amb una breu romança i la marquesa s’adona que no és just sacrificar la seva filla per orgull i prejudicis socials i concedeix la seva mà a Tonio davant l’entusiasme general i la indignació de la duquessa. L’òpera acaba amb una apoteosi militar, amb el cant entusiasta de «Salut à la France». 

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 Libretto

 http://www.liceubarcelona.cat/cms/administrator/components/com_info/liceu/web/uploads/assets//llibret_fille_cat.pdf

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 Ara un parell de gravacions:

 Una històrica i ja posteada fa quasi un any: Sutherland-Pavarotti-Bonyge-Met, 1972

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/03/14/opera-from-the-met-la-fille-du-regiment-17-02-1972-el-dia-que-pavarotti-es-va-fer-famos/

L’altra les últimes funcions de l’obra també al Met fa unes setmanes amb el Juan Diego Flórez i la Diana Damrau.

Gaetano Donizetti – La Fille du régimen (Part 01, Part 02, juntar amb HJSplit)

Diana Damrau (soprano) : Marie

Juan Diego Florez (tenor) : Tonio

Maurizio Muraro (bajo): Le sergent Sulpice

Meredith Arwady (mezzo-soprano) : La Marquise de Berkenfield

Kiri Te Kanawa (mezzo-soprano) : La Duchesse de Crakentorp

Donald Maxwell (bajo) : Hortensius

Roger Andrews (tenor) : Un caporal

Jeffrey Mosher (tenor) : Un paysan

Jack Wetherall : Un notaire

The Metropolitan Opera Chorus and Orchestra-Marco Armiliato (13-feb-2010)

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Més informació de la producció:

Direcció d escena Laurent Pélly

Escenografia Chantal Thomas

Vestuari Laurent Pélly

Il·luminació Jôel Adam

Coreografia Laura Scozzi

Nous diàlegs i dramaturga Agathe Melinand

Nova Producció: Gran Teatre del Liceu basada en la coproducció original de: Metropolitan Opera House (New York) / Royal Opera House Covent Garden (Londres) / Wiener Staatsoper (Viena)

Direcció musical – Yves Abel

Marie – Patrizia Ciofi/Nino Machaidze

Tonio – Juan Diego Flórez/Antonio Gandía

Sulpice Pingot – Pietro Spagnoli/Carlos Bergasa

Marquesa de Berkenfield – Victoria Livengood

Hortensius – Àlex Sanmartí

Caporal – Josep Ribot

Notario – Arnau Vilardebó

La Duquesa de Crackentorp – Ángel Pavlovsky

La Baltsa canta la Lady Macbeth y otras cosas

31 gener 2010

La Baltsa siempre ha sido una de mis cantantes favoritas. En principio con una voz de mezzosoprano muy dúctil de centro cálido y agudo penetrante y metálico, y canto siempre temperamental y tremendamente comunicativo.

Su carrera ha sido fulgurante, desde que debutara como Cherubino en Frankfurt en 1968, con 24 años, y en 1970 debutara como Octavian en la Ópera de Viena. Pero si hay un momento crucial en su carrera es cuando pasó a ser una de las cantantes predilectas de Herbert von Karajan con lo que durante muchísimos años fue una fija del Festival de Salzburgo.

Durante estos 42 años de trayectoria internacional ha interpretado multitud de papeles de diferentes estilos y compositores: Mozart (Le Nozze di Figaro, Cosi fan Tutte, Requiem, etc.), Rossini (Il Barbiere di Siviglia, La Cenerentola, L’Italiana in Algeri – las tres memorables), Mascagni (Cavalleria Rusticana), Verdi (Aida, La Forza del Destino, Il Trovatore, Don Carlo, Requiem), Bellini (I Capuleti e I Montecchi – memorables funciones en Londres con Gruberova y Muti a principios de los 80), Donizetti (Il Campanello, Maria Stuarda – otras memorables funciones en Munich con Gruberova también en los 80), Saint-Saens (irrepetibles funciones en el Liceu con Domingo, a las que dedicaré un post a no mucho tardar),….Pero quizás las que más renombre internacional le han supuesto son su creación de la Carmen.

Actualmente, ya mermada de facultades como es obvio después de tantos años de carrera y tantos papeles, algunos realmente exigentes, la Baltsa todavía está en activo, dejándose ver en Viena y Munich centrando su actividad en los escenarios en dos papeles: la Klytemnaestra de la Elektra y la Kostelnicka del Jenufa. Además de dar recitales por Alemania, Austria, Japón y su Grecia natal.

El motivo de este post es el de escuchar a la Baltsa cantando un papel que creo que jamás llegó a interpretar en el escenario, si bien tenía las cualidades tanto vocales como dramáticas para haber conseguido llevarlo a cabo con notable éxito: La Lady Macbeth de la ópera de Verdi. Y podemos recrearnos en lo que podía haber sido gracias a que a mediados de los ochenta grabó un recital para EMI en donde incluyó dos de las arias del personaje: el aria de entrada y la escena del sonambulismo.

El disco parece un ejercicio a manera de experimento, anticipándose a lo que después la Bartoli ha hecho con descaro y menos acierto en su disco Maria y en su penosa grabación de La Sonnambula, internándose en papeles de soprano dramático de agilidad (Maria Estuardo, Lady Macbeth) o de soprano con carácter (Fiordiligi).

La Baltsa sale bastante mejor parada que la Bartoli, ya que domina mejor el estilo belcantista y la voz en la zona aguda es mucho más brillante y metálica. Además, como creadora de personajes la griega tiene un mayor instinto teatral.

El disco se inicia con dos escenas de la Maria Estuardo de Donizetti: la primera de Elisabetta, uno de sus papeles más recordados, donde está perfercta por adecuación vocal, canto y temperamento. La segunda pieza es el aria de entrada de Maria, donde la Baltsa no está tan acertada, quedando apurada en las notas más agudas y su canto no es todo lo etéreo que debería ser en la cavatina, y es demasiado fiero en la cabaletta. Escuchémosla en este fragmento.

A continuación viene una estupenda versión de esa aria de bravura que es el “Come scoglio”, que le va a la cantante como un guante.

Los siguientes dos tracks son el motivo del post.

Primero el aria de salida de Lady Macbeth, incluida la lectura de la carta y la cabaletta. La interpretación de la Baltsa es de una intensidad notable, dando intención a cada frase desde el punto de vista dramático, llena de matices. La voz es adecuadísima, con un centro amplio y buenas ascensiones al agudo, y esta brillante en las agilidades. Recuerda mucho a esa profundidad que conseguía la Callas.

La escena del sonambulismo es también todo un acierto interpretativo, recreándose de nuevo y dando la intención y la inflexión justa a cada sílaba, pero aquí vocalmente está mucho más apurada, sobretodo en las ascensiones al do y re bemol agudo, donde cala a pesar de la prudencia con que los ataca.

El disco finaliza con una escena de Les Troyens de Berlioz, donde vuelve a destacar por su perfecta recreación del personaje.

Es una lástima que la Baltsa no se acabará de decidir a interpretar a la Lady Macbeth, porque seguro que hubiera conseguido una auténtica creación, vistas las credenciales dramáticas de la cantante, un papel al que por su personalidad y temperamento hubiera conseguido dar vida sobre el escenario.

AGNES BALTSA – Arias (CD)

01. Maria Stuarda, opera Act 1. Sì, vuol di Francia il Rege…Ah, dal ciel discenda un raggio

 02. Maria Stuarda, opera Act 2. E che! non ami…Nella pace, nel mesto riposo

03. Così fan tutte, opera, K. 588 Act 1. Temerari…Come scoglio

04. Macbeth, opera Act 1. Nel dì della vittoria…Vieni t’affretta…Or tutti sorgete

05. Macbeth, opera Act 4. Una macchia è qui tutt’ora

06. Les Troyens, opera, H. 133a Act 5. Ah! Je vais mourir!

Münchner Rundfunkorchester-Alberto Zedda

Montserrat Caballé al Liceu: Lucrezia Borgia de Gaetano Donizetti (desembre de 1970)

25 gener 2010

Durant la temporada 70-71 al Liceu es va poder sentir cantar a la Caballé en 10 funcions de tres títols diferents: tres de la Lucrezia al desembre, tres de Il Pirata (estrena al Liceu) i quatre de La Boheme (amb Pavarotti), aquests dos últims títols al gener.

En aquelles alçades de la carrera de la soprano, ja s’havia convertit en tradició que la catalana vingués a lluir-se a Barcelona per aquelles dates, acomplint el seu desig de passar les festes nadalenques amb la seva família al mateix temps que podia cantar al “seu” teatre. Això va durar molts anys, i va permetre que el públic barceloní pogués sentir a la diva cada temporada en almenys dos títols.

En aquella ocasió la Caballé va presentar un dels seus papers més mítics: la Lucrezia Borgia. De fet, el nom de la soprano estarà lligat sempre a aquest paper tant per la seva insuperable recreació, com perquè va ser el paper que la va llençar a la fama internacional en aquella famosa versió en concert al Carnagie Hall de Nova York al 1965.

No em recrearé en descriure les meravelles del cant de la soprano, ja de sobres conegudes (timbre bellíssim, cant legato de manual, control absolut de les dinàmiques, pianissimis d’infart,…) sinó que només destacaré que el personatge està més madur que en el 1965 i la interpretació dramàtica té molta més grapa.

Us deixo un vídeo amb la Caballé cantant el “Com’è bello” per a un programa de la BBC del mateix any que la funció del Liceu, on os podeu fer una idea de l’estat vocal de la soprano en aquelles funcions.

Cal dir, però, que la major implicació dramàtica li fa alguna vegada abusar en algunes frases, enlletgint alguns sons, sobretot als greus. A més, en el finale “Era desso il figlio mio” intercala un riure histèric abans del da capo totalment fora de lloc i de gust més que dubtós, com podeu comprovar en el vídeo següent.

Com al seu fill Gennaro ens trobem a un molt jove Josep Carreras. El tenor la temporada anterior havia debutat ja com a cantant adult (havia fet una dècada abans papers de nen) en dos papers: el Flavio de la Norma i l’Ismaele al Nabucco. Aquella temporada 70-71 per fi va debutar en paper absolutament protagonista amb el Gennaro i al Febrer va interpretar el Siebel al Faust (tot i que és un paper per mezzo).

El Gennaro de Carreras té la virtut d’una veu amb un timbre d’una bellesa impressionant i un cant d’una naturalitat i vehemència irresistible. Encara li manquen per polir alguns aspectes, sobretot en la modulació i el control de les dinàmiques, però això arribaria molt poc temps després.

L’Orsini de la Jane Berbié (també present a les funcions del 1965) està molt ben defensat sobre la base d’una veu molt ben treballada, si bé no excepcional. Mentre que al Don Alfonso del Roger Soyer li manca autèntic estil belcantista i li sobren excessos en l’emissió.

El treball de les masses estables del Liceu queden dintre de la discreció habitual directament lligada a la seva qualitat en aquells anys, mentre que Reynald Giovaninetti s’esforça en quadrar com pot els concertants i en mimar al màxim a la diva.

Gaetano Donizetti-Lucrezia Borgia (CD01, CD02)

Lucrezia – Montserrat Caballé

Gennaro – Josep Carreras

Don Alfonso – Roger Soyer

Orsini – Jane Berbié

Liverotto – Horacio Yadisernia

Gazella – Eduard Soto

Petrucci – Harry Dworchak

Vitellozzo – Didac Monjo

Gubetta – Enric Serra

Astolfo – José Puigbó

Orquestra Simfònica i Cor del Gran Teatre del Liceu – Reynald Giovaninetti

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Enllaços relacionats:

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https://rodiazsa.wordpress.com/2009/09/30/montserrat-caballe-al-liceu-la-traviata-de-giuseppe-verdi-6-12-1973/

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El post nº100. Un regal familiar

8 gener 2010

Sembla mentida però ja hem arribat al post nº100. S’havia de celebrar d’alguna manera, i no se m’ha acudit cap altra que preparar-vos un regal operístic.

Quan a l’any 2001 vaig deixar casa dels meus pares, per a anar a viure al pis que havien comprat la meva parella i jo, em va tocar la feina d’empaquetar totes les meves coses cara a fer la mudança. Va ser un moment per un costat feliç, ja que tenia moltes ganes de començar la vida en parella amb la persona que estimes, però al mateix temps nostàlgic, ja que representava deixar endarrere el meu barri, i allunyar-me, si bé només físicament de la meva família i dels meus amics.

No em va sorprendre que les coses a endur-me es limitessin a roba, llibres, apunts i discos, el que em va sorprendre va ser la descomunal quantitat de música que havia acaparat. Eren caixes i caixes de cds, cassets i vídeos (penseu que encara no havien esclatat ni els DVDs, ni els iPods, ni coses d’aquestes, i els ordinadors més bons tenien discs durs de 40 Gb).

La meva germana, mai militant, però sempre simpatitzant de l’òpera, i més en concret de les grans Dives (la Callas sobretot), em va demanar mig en serio mig en broma que si no pensava deixar-li cap CD. Jo no tenia cap intenció de deixar-li res, però en l’últim moment em va passar per les mans un casset gravat per mi per portar al cotxe on tenia una recopilació de fragments variats dels últims CDs que m’havia comprat, i que s’havia convertit en la música que sempre portava en el meu walkman. No m’ho vaig pensar gaire i li vaig donar.

Bé, doncs aquesta recopilació, després de tants anys, continua reapareixen cada vegada que la meva germana i jo parlem d’òpera, i es que sempre em diu “sí aquest nou disc/vídeo/cantant/versió/… està molt bé, però el casset aquell que en vas donar és el que més m’agrada”

Com a regal aquest d’aquest Nadal o de Reis, la meva germana em va demanar que aquesta cinta li passes a CD, i crec que no hi ha millor tema per a celebrar el post nº100 d’aquest bloc que el de regalar-li el CD, i que tots el pugueu fruir i comentar-lo.

Per qüestions de la durada de la cinta alguns fragments gravats eren una mica més curts i no seguien exactament l’ordre en que ara els he recopilat.

Vincenzo Bellini

1.- Norma: Mira o Norma – Caballé/Veasey/Patané /Orange (1974)

Fragment de la mítica Norma de la Caballé d’Orange. El Mira o Norma és un vehicle perfecte per al lluïment de la catalana, amb les seves llarguíssimes frases i una melodia estàtica de sublim bellesa.

2.- Norma: Finale acte II – Callas/del Monaco/Stignani/Serafin/RAI Milano (1955)

Diu la llegenda que Wagner admirava el final de la Norma, fins el punt que deia que seria capaç de canviar totes les seves obres per composar alguna cosa amb la mateixa intensitat i puresa. La gravació correspon a la retransmissió de la RAI milanesa uns mesos abans de les fulgurants funcions de la Scala (a mi la Callas encara m’agrada més aquí).

3.- I Puritani: Duo acte III – Callas/Di Stefano/Picco/Mexico (1952)

Una altre directe llegendari. Di Stefano està pletòric amb un cant vehement com ningú ha aconseguit i la Callas està vocalment en el seu millor moment i expressivament superba (quan fraseja “L’alma elevar mi sento” a hom li despeguen els peus del terra)

Gaetano Donizetti

4.- Roberto Devereux: Quel sangue versato – Gencer/Cappuccilli/Rossi/Nápoles (1964)

Això és una dramatico d’agilittà. Impressionant!!

(Aquí la Gencer en 1980)

Giuseppe Verdi

5.- Ernani: Ernani involami – Price/Schippers/Met (1962)

Leontyne Price era una autèntica veu verdiana, amb un color avellutat i una fluïdesa en tots els registres com poques.

(Aquí 20 anys després)

6.- Ernani: Oh de’ verd’anni miei – McNeil/Schippers/Met (1962)

McNeil posseïa una veu enorme amb unes facultats extraordinàries que no sempre va saber dominar amb l’eficàcia requerida. Aquest Carlo de l’Ernani és el millor que jo l’he sentit mai.

7.- Ernani: Final acto III – McNeil/Price/Bergonzi/Siepi/Schippers/Met (1962)

8.- Rigoletto: Si, vendetta… – Capuccilli/Rinaldi/Rossi/RAI Torino (1967)

Us he inclòs tot el duo pare i filla, amb un jove Cappuccilli rutilant en la zona alta i cant fàcil, i la Rinaldi com a eficaç Gilda. Atenció a l’espectacularitat del “Si vendetta” amb sobreagut de la soprano inclòs.

9.- Rigoletto: La donna è mobile – Pavarotti/Rossi/RAI Torino (1967)

Pavarotti amb la veu fresquíssima, tot un regal.

10.- Un ballo in maschera: Teco io sto – Callas/Di Stefano/Gavazzeni/Scala (1957)

Unes altres llegendàries funcions de la Callas i Di Stefano, aquesta vegada a la Scala. La química entre els dos cantants fa treure espurnes. La direcció de Gavazzeni es abassegadora.

11.- Un ballo in maschera: Eri tu – Bastianini/ Gavazzeni/Scala (1957)

Bastianini és la meva veu de baríton, i aquesta potser sigui la millor ària que Verdi va escriure per aquesta corda.

 

Giacomo Puccini

12.- La Boheme: Mi chiamano Mimi: Freni/Raimondi/Karajan/Wiener Philharmoniker (1963)

Us he inclòs tota l’escena, des de la “Manina” fins al final del primer acte. Meravellós el injustament poc recordat Gianni Raimondi, i una molt jove Freni amb la seva insuperable Mimi.

(Us deixo a la Freni i a Karajan però al 1980)

13.- Turandot: In questa reggia – Nilsson/Corelli/Gavazzeni/Scala (1964)

La Nilsson és la referència en el paper i Corelli el millor Calaf possible.

(Us deixo un vídeo amb la Nilsson i Corelli però d’uns anys més tard, 1971)

14.- Turandot: Nessun dorma – Corelli/Gavazzeni/Scala (1964)

No comment!

(Corelli per la RAI, a finals del 50s)

Així que aquí ho tens Tata, que ho frueixis al teu reproductor de mp3.

LINK DE DESCARREGA 

Montserrat Caballé al Liceu: Roberto Devereux de Gaetano Donizetti (noviembre de 1968)

31 Desembre 2009

Estaba pendiente de completar la trilogía Tudor de Donizetti por la Caballé, y dudaba entre las tres versiones que disponía porque no acababan de convencerme: su debut en el rol en el Carnagie Hall, meses después de su fulgurante explosión a la fama en el mismo escenario, donde está deslumbrante y espectacular pero sus compañeros de reparto, mediocres, y el sonido deficiente; las funciones en La Fenice de 1972, con un reparto equilibrado y sonido aceptable pero bastante conocidas; y la recreación en Aix-en-Provence de 1977, con el atractivo de disponer del video de la misma, pero en la que Caballé empieza bastante descentrada, sobretodo en el primer acto.

Hace unas semanas en el fantástico blog “Esta noche barra libre”, encontré la solución ya que se publicó un post dedicado al Roberto Devereux – Noches de Ópera: “Roberto Devereux” y la soprano absoluta – que la Caballé cantó en el Liceu en la temporada 68-69, con lo que me servía para matar dos pájaros de un tiro: completar la trilogía y continuar publicando las actuaciones de la soprano en el Gran Teatre del Liceu.

Los que tuvieron la suerte de asistir a la temporada 1968-1969 del Liceu pudieron ver a la Caballé en cuatro papeles distintos: Elisabetta del Roberto Devereux, la Manon de Massenet, Elisabeth del Tannhäuser y Maria Stuarda de Donizetti. Las funciones del Roberto Devereux fueron un acontecimiento social, ya que suponían la inauguración de la temporada, además de casi un estreno absoluto en el teatro ya que de la ópera solo se habían dado cuatro funciones en toda su historia (y se tardarían 23 años más en volverla a ver, en las celebradas funciones de la Gruberova). Este hecho queda recogido en La Vanguardia del día posterior al estreno (9 de noviembre), donde el evento mereció la portada del rotativo. Como siempre, me parece un ejercicio interesantísimo recuperar la crónica del evento.

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AYER SE INAUGURO CON LA BRILLANTEZ DE SIEMPRE LA TEMPORADA DE OPERA EN EL GRAN TEATRO DEL LICEO

«ROBERTO DEVEREUX», DE DONIZETTI, PROPORCIONO UN TRIUNFO PERSONAL A MONTSERRAT CABALLÉ

La inauguración del Liceo desde el ángulo social y artístico continúa resultando un acontecimiento que la evolución de los hábitos y las modas no invalida todavía. La función inaugural de esta temporada ha alcanzado el lustre de siempre; gran afluencia de público, ambiente de solemnidad y una natural expectación por el espectáculo anunciado constituyeron ayer la tónica de la velada, este rito que sólo en un aspecto no fue estrictamente tradicional: la costumbre de abrir el teatro con una ópera muy conocida se ha abandonado esta vez, escogiendo para el programa inicial «Roberto Devereux», que no se había representado en nuestro teatro desde hacía más de un siglo, o sea que su reposición equivalía a un estreno. También en Italia esta obra de Donizetti estaba en la serie de las olvidadas, hasta que en 1964 fue exhumada en el Teatro San Carlo de Nápoles como un documento típico del más puro estilo del compositor de Bérgamo y de su prodigiosa facilidad de creación. («Roberto Devereux» igual que «María Stuarda» cuyo estreno absoluto en el Liceo está previsto también para esta temporada) es una pieza del extensísimo repertorio de Donizetti la nº 51 en la lista de 67 óperas que figuran en el catálogo de su producción, en gran parte arrinconada en los archivos con excepción de cuatro títulos: «Don Pasquale» (que probablemente es la mejor; ¿cuándo la volveremos a ver en el Liceo?), «Elisir d’amore», «La Favorita», «La hija del regimiento» y la inefable «Luccia de Lamermoor».

«Roberto Devereux» podría ser un resumen de todas ellas. La fórmula musical de Donizetti está utilizada sin la más mínima evolución; la trama dramática pseudo-histórica es sólo un pretexto para la aparición sucesiva de recitados, grandes arias y algún concertante, siempre con los mismos efectos, con la gran pirotecnia melódica las «fiorituras», las fermatas» y los calderones, los agudos inverosímiles, capaces de quebrar las cuerdas vocales más resistentes y los altercados de bravura entre los personajes de comedia típicamente decimonónica, todo subrayado por los ritmos primarios de una orquesta a pesar de todo tratada con garbo y suma habilidad.

Es fácil imaginar que con esta materia prima nuestra admirada Montserrat Caballé pudo prodigar a fondo sus facultades vocales que siguen siendo de gran alcance. Como una auténtica «prima donna», Montserrat Caballé en el papel de Elisabeth que centra la acción, ha estado espléndida a base de los recursos característicos de su manera interpretativa; unos filados prodigiosos de tersura y claridad, un ataque valiente y rotundo de los más peligrosos agudos sostenidos, dosificados y modulados con auténtico oficio y un exacto conocimiento de los gustos del público y una entrega temperamental perfectamente apropiada a la índole expresiva de la música. Nuestra gran cantante internacional ha obtenido un nuevo triunfo, muy legítimo. Su éxito ha sido grande en el primer acto y más aún en el último, donde la partitura le reservaba los principales escollos y también las máximas ocasiones de lucimiento que ha sabido aprovechar con la decisión de una verdadera diva del «bel canto». Sus intervenciones han sido explosivamente celebradas por los liceístas y en cada una de ellas la artista ha debido saludar con interrupciones de la representación, o sea renovando una costumbre que parecía perderse.

Al lado de Montserrat Caballé los otros artistas del reparto han quedado a un buen nivel, en especial Piero Cappuccilli que después de varios años de ausencia ha reaparecido en el Liceo renovando éxitos anteriores. En el rol de Lord Nottingham ha prodigado su magnífica voz intensa y de noble timbre, cantando con aplomo y perfecta musicalidad, moviéndose como un buen actor y obteniendo por sus aciertos largas ovaciones y bravosal parecer sinceros, prodigados por tan- tos liceístas como hay que sienten especial predilección por las voces de barítono.

 Bernabé Marti encarnó el personaje de Roberto Devereux con acierto. Salvo alguna vacilación (en el terceto del segundo acto), su labor ha sido encomiable y su voz se ha mantenido en una convincente tensión lírica.

La presentación de la cantante italiana Bianca Berini debemos señalarla con elogio porque la artista se ha manifestado como intérprete plenamente dominadora de una voz potente, de unos graves sin sombra de violencia y unos agudos muy justos a pesar de que en su particela sobrepasan la tesitura normal de una «mezzo».

En papeles circunstanciales han cumplido correctamente Luis Ara, Philip Curzon, Eduardo Soto Enrique Serra. El coro, que sigue bajo la dirección del maestro Riccardo Bottino ha tenido también buenas intervenciones, bien ajustadas de afinación.

Otro artista familiar a los liceístas es el maestro Cario Felipe Cillario a quien se le ha confiado nuevamente la dirección de la orquesta y de la representación en conjunto desde el punto de vista musical. Cillario es un concertador a quien la experiencia y el oficio no le han hecho perder una viva agilidad de mando. Conoce y estima el especial carácter de la música de Donizetti La dirige con absoluta responsabilidad técnica y con un sincero empeño en valorar lo que tiene de bueno, o sea, en sustentar con aplomo y elegancia la línea melódica de los cantantes que encuentran en su batuta la guía certera para actuar cómodamente asistidos por el acompañamiento orquestal. La obra ha sido presentada escénicamente con mucha dignidad, con decorados de amblentación realista y tradicional pero de gran perspectiva y carácter. El movimiento escénico ha sido bien cuidado por el regista Augusto Colombara. En resumen pues, la función, además de ser un éxito rotundo en cuanto a asístencia y relieve social podemos valorarla como un acontecimiento artístico que no ha desmerecido el alto tono siempre alcanzado por las inauguraciones de tempora da en el Gran Teatro del Liceo”

Xavier MONTSALVATGE

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Desde mi punto de vista, si bien la función supuso un triunfo para los cuatro protagonistas, sólo la Caballé, aquí en plenitud de facultades, es merecedora de los máximos elogios con un canto preciosista pero también intenso en los momentos más dramáticos.

Cappuccilli había sido el Nottingham de las funciones del San Carlo, con la Elisabetta de Leyla Gencer (para mí la mejor), por tanto el papel le era familiar pero su canto es muy plano expresivamente y siempre forzando el volumen, sin matices, totalmente fuera de estilo.

Lo mismo le pasa a Bernabé Matí, que con una voz de timbre no muy grato pero bien dotada es incapaz de matizar el fraseo, con momentos de canto realmente rudo (destraler, como solemos decir en catalán), y descontrolado cuando intenta modular.

La Berini poseía una muy bella y homogénea voz de mezzo, pero el papel de Sara le queda bastante alejado por temperamento, ya que era una cantante de rompe y rasga.

Gaetano Donizetti – Roberto Devereux (descarga)

Elisabetta MONTSERRAT CABALLÉ

Roberto BERNABÉ MARTÍ

Notthingham PIERO CAPPUCCILLI

Sara BIANCA BERINI

Orquesta y Coros del Teatro del Liceo

CARLO FELICE CILLARIO

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Enllaços relacionats:

– Trilogía Tudor

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/08/04/la-bolena-de-la-caballe/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/08/14/montserrat-caballe-al-liceu-maria-stuarda-de-gaetano-donizetti-gener-de-1979/

– Caballé al Liceu

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/11/09/montserrat-caballe-al-liceu-aida-de-giuseppe-verdi-29-12-1973/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/09/30/montserrat-caballe-al-liceu-la-traviata-de-giuseppe-verdi-6-12-1973/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/08/14/montserrat-caballe-al-liceu-maria-stuarda-de-gaetano-donizetti-gener-de-1979/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/05/18/montserrat-caballe-al-liceu-i-vespri-siciliani-de-giuseppe-verdi-28-12-1974/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/05/09/montserrat-caballe-al-liceu-luisa-miller-de-giuseppe-verdi-10-01-1972/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/10/16/monserrat-caballe-al-liceu-norma-de-vincenzo-bellini-11011970/

https://rodiazsa.wordpress.com/2009/11/28/montserrat-caballe-al-liceu-%e2%80%93-la-forza-del-destino-de-giuseppe-verdi-28-01-1979/

Damrau – COLORaturaS. No es oro todo lo que reluce

31 Desembre 2009

Con el nuevo disco de Diana Damrau me he llevado una decepción bastante considerable, y es que esperaba mucho más.

Se nos ha vendido a la soprano ligera (que no lírico-ligera) alemana como la nueva reina del repertorio de coloratura: la nueva Dessay o la nueva Gruberova, pero me parece que no es por ese camino donde la cantante deba guiar sus pasos.

Lo cierto es que de las once pistas del disco sólo en el Großmächtige Prinzessin… está sobresaliente, con el único pero de que los sobreagudos empiezan a sonar gritados, comparados por ejemplo con la Zerbinetta de Londres que os deje hace unos cuantos posts.

En el repertorio italiano su dicción es macarrónica, con errrres muy germánicas y con una pronunciación muy poco dulce (Caro nome) o sin ninguna gracia (las dos escenas del Ballo). Recuerda mucho a Gruberova en el Donizetti (para mal, porque adolece del mismo estilo tirando a lo ñoño y abusando de ciertos portamentos y ataques a notas excesivamente fijos) y, aunque extremadamente correcta en la Ofelia sabe a poco comparada con la variedad expresiva que la Dessay ha dejado en la misma página.

Sin comentarios para su anacrónica Rossina, y simplemente correcta en el resto de páginas.

Después de sus excelentes recitales anteriores, dedicados a compositores del periodo clásico y Mozart, parece ser que Damrau debería pensárselo bien antes de dar el salto definitivo al gran repertorio romántico y belcantista.

Estaremos vigilando.

Diana Damrau – COLORaturaS (CD. PASSWORD: elhenry.MusicIsTheKey)

1. Roméo et Juliette: Je Veux Vivre

2. Rigoletto: Gualtier Malde…Caro nome

3. Ariadne auf Naxos, Zerbinetta: Großmächtige Prinzessin…

4. Il Barbiere di Siviglia: Una Voce Poco fa

5. The Rakes Progress: Silently night…I go to him

6. Gianni Schicchi; O mio Babbino Caro

7. Un Ballo in Maschera: Volta la terrea

8. Un Ballo in Maschera: Saper Vorreste

9. Linda di Chamounix: O luce di quest amina

10. Hamlet: A vos jeux, mes amis…

11. Candide: Glitter and be Gay

Münchner Rundfunkorchester-Dan Ettinger

Mis favoritos: Montserrat Caballé – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites

22 Octubre 2009

Caballerara

No voy a hacer muchos comentarios de este extraordinaria recopilación de arias que la soprano catalana grabó entre 1968 y 1970, y que representaron una pequeña revolución dentro del mundo de la lírica, ya que no era usual que una cantante recién ascendida al estrellato se dedicara a grabar, en vez de las piezas más trilladas del repertorio sopranil, una serie de escenas y arias de obras escasísimamente representadas o totalmente olvidadas.

El ansia de la Caballé por hacer arqueología musical tiene aquí su primer y uno de los más suculentos frutos, con la soprano en plenitud de facultades, Sólo decir que muchas de las arias que aquí se recogen después fueron interpretadas en recuperaciones de las obras, algunas de ellas protagonizadas por la misma Caballé; y que muchas de ellas han pasado a formar parte del repertorio de otras ilustres compañeras.

La voz de la Caballé suena sin mácula y su canto es realmente cautivador por musicalidad, estilo y matices, si bien podría decirse que con el tiempo mejoraría en la emisión del registro grave y perfeccionaría en la ejecución de algunos pasajes de coloratura.

Estos discos son una joya de valor incalculable que todo amante del belcanto debería conocer y atesorar.

Montserrat Caballe – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites (CD01, CD02a, CD02b)

 CD1

01. Rossini – La Donna del Lago – Tanti Affetti In Tal Momento
02. Rossini – Otello – O Tu, Del Mio Dolor-Assisa A’ Piè D’un Salice
03. Rossini – Stabat Mater – Inflammatus Et Accensus
04. Rossini – Armida – D’amore Al Dolce Impero
05. Rossini – Tancredi – O Patria Dolce-Tu Che Accendi Questo Core Di Tanti Palpiti
06. Rossini – L’Assedio di Corinto – L’ora Fatal S’appressa-Giusto Ciel! in Tal Perigli
Orchestra e Coro della RCA Italiana – Carlo Felice Cillario

07. Donizetti – Belisario – Plauso! Voci Di Gioia-Sin La Tomba E A Me Negata!
08. Donizetti – Parisina d’Este – Act 3 No, Più Salir Non Ponno … Ciel, Sei Tu Che…

CD2

01. Donizetti – Torquato Tasso – Fatal Goffredo!Trono E Corona
02. Donizetti – Gemma Di Vergy – Lascia, Guido, Ch’io Possa Vendicare-Una Voce
London Symphony Orchestra – Carlo Felice Cillario

03. Verdi – Un Giorno Di Regno – (Il finto Stanislao) Ah! Non M’hanno Ingannata!-Grave A Core
04. Verdi – I Lombardi – Qual Prodigio! Non Fu Sogno!
05. Verdi – I Due Foscari – No, Mi Lasciate-Tu Al Cui Sguardo Onnipossent
06. Verdi – Alzira – Riposa. Tutte, In Suo Dolor Vegliante-Da Gusman
07. Verdi – Attila – Liberamente Or Piangi-Oh! Nel Fuggente Nuvolo
08. Verdi – Il Corsaro – Egli non Riede Ancora!-Non So Le Tetre Immagini
09. Verdi – Aroldo – Oh, Cielo! Dove Son’io!-Ah! Dagli Scanni Eterei

Orchestra e Coro della RCA Italiana – Anton Guadagno

Una Lucrezia com cal

14 Octubre 2009

Lucrezia

La Temporada 2007-2008 vam tenir al Liceu el debut de la Gruberova com a Lucrecia Borgia (en versió concert),  i molts del que em coneixen sabem la gran decepció que vaig tenir, tot i que els seus fans incondicionals van decretar un monumental èxit.

No vull dir que la Gruberova canti malament, ni molt menys, té una tècnica espectacular i, malgrat passar la seixantena d’anys, conserva un registre agut molt sa, el problema és que aposta tot a questa carta, i jo em pregunto, que passarà el dia que no arribi al sobreagut? La seva Lucrezia va ser avorrida de solemnitat, amb un cant amaneradíssim, amb aquells melismes que sembla una gata meula, amb un centre opac i un greu inexistent, i amb una més que dubtosa implicació dramàtica amb el personatge.

Aquest juny una altra soprano lleugera amb una carrera important, la June Anderson, va debutar el mateix paper també en versió concert a Lieja, i caram!, quina diferència.

De sortida, l’Anderson no està tant sana com la Gruberova, tot i ser una mica més jove, sobretot en el registre agut on pràcticament cala tots els atacs, però cal dir que aquesta pèrdua s’ha compensat amb un eixamplament del centre tant en volum com en gra, mentre que el greu està defensat amb dignitat. Aquest guany en la veu central li permet recrear-se molt més en el personatge, sobretot en els recitatius, creant una Lucrezia més intensa en els moments di forza (com són el duo amb el seu marit) o de patiment (tota l’escena final), mentre que la seva maestria en el cant legato li permet defensar amb molt nivell els moments més eteris (com pot ser l’entrada del personatge). La seva Lucrezia m’ha agradat moltíssim.

June Anderson – “Com’è bello”, G. Donizetti, Lucrezia Borgia, Le Forum, Liège 18/06/09

La resta de cantants que l’acompanyen també treballen a molt bon nivell, i tenint en compte la gran quantitat de coprimaris que té aquesta òpera s’agraeix.

El Gennaro de l’Ismael Jordi frega l’excel·lent. La seva veu és un tant atípica, amb unes facultats notables però amb tendència a blanquejar quan ascendeix a l’agut. Aquest fenomen no es tant evident quant ataca els aguts en forte, sinò que tendeix a “aflautar” quan el cant es més contingut o quan modula. Pel que fa l’estil res a dir, només cal sentir-lo en la dificilíssima ària “T’amo qual s’ama un angelo” (que us deixo adjuntada una mica més abaix) perquè us adoneu de la classe de cantant de la que estem parlant. Una gran actuació.

Ismael Jordi – “Partir degg’io… T’ amo qual s’ama un angelo”, G. Donizetti, Lucrezia Borgia, Le Forum, Liège 18/06/09

Grata sorpresa el fogós i brillant Orsini de la jove, però emergent mezzo Marianna Pizzolato, que crec que començaré a seguir amb atenció, amb una veu homogènia i ben timbrada, i una interpretació molt fresca i molt adient al personatge. Mentre que l’Alfonso del Mirco Palazzi, també joveníssim i en ascens, sonava més baritonal del que seria convenient, amb una veu que no acabava d’estar ajustada tant en l’agut ni com al greu, però amb molta presència.

Un altre punt fort d’aquesta versió és l’excel·lent prestació de les masses de l’Opéra Royal de Wallonie, amb un so de gran qualitat en totes les seccions, i la bona direcció del mestre Arrivabeni, que aconsegueix una lectura molt nítida i viva, potser de vegades una mica accelerada, però sempre atenta al cant.

Gaetano Donizetti – LUCREZIA BORGIA (Part01, Part02)

Lucrezia Borgia…….June Anderson

Maffio Orsini………Marianna Pizzolato

Gennaro……………Ismael Jordi

Duca Alfonso……….Mirco Palazzi

Rustighello………..Pietro Picone

Gubetta……………Chris De Moor

Astolfo……………Roger Joakim

Jeppo Liverotto…….Daniele Maniscalchi

Oloferno Vitellozzo…Cristiano Cremonini

Don Apostoli Gazella……Ivan Thirion

Ascanio Petrucci………..Patrick Delcour

Un coppiere………………Nicolas Mottart

Voce dal cello…………..Alexei Gorbatchev

Orchestra and Chorus Opera Royal de Wallonie-Paolo Arrivabeni

Concert Performance.Liege, Belgium. June 21, 2009

Elixir de felicidad

18 Setembre 2009

capa

L’Elisir d’amore es una de esas joyas que lo son por su sencillez. En principio es una ópera buffa sin grandes pretensiones, compuesta de manera relámpago por Donizetti y estrenada en el Teatro della Canobbiana de Milán el 12 de mayo de 1832, pero resultó ser una de las pocas obras belcantistas que sobrevivió al tornado verdiano y wagneriano, y fue gracias al inmenso favor del público y, sobretodo, al personaje de Nemorino, auténtico bombón para tenores di grazzia y líricos, que se convirtió en caballo de batalla de grandísimas figuras, entre ellas el mítico Enrico Caruso.

El argumento de l’Elisir es tan inocente como divertido, y se basa en las peripecias de un joven y tímido campesino enamorado perdidamente de Adina, chica rica y culta de la villa,  que sabe del desespero del joven y juega con sus sentimientos negándole el pan y la sal. Pero llega al pueblo un charlatán y Nemorino, que es como se llama el joven, le pide un elixir para enamorarla, el charlatán le engaña dándole una botella de vino y el joven, bajo efectos del alcohol se desinhibe empezando a ignorar a Adina. Este desprecio y el hecho de que el tío del chico muera y lo deje de heredero hacen que todas las chicas de la villa le vayan detrás, creyéndose Nemorino y el propio charlatán que es efecto del mágico elixir, y despertando los celos de Adina. Al final todo termina con un happy end, para satisfacción y regocijo del público.

La obra musicalmente está repleta de números brillantes y melódicamente inspiradísimos, como el primer duo entre Nemorino y Adina, la entrada de Dulcamara (el charlatán), el duo de Nemorino y Belcore, la celbérrima aria “Una furtiva lagrima”, el picante duo entre Adina y Dulcamara y el aria final de Adina, pero eso sí, que nadie espere grandes despliegues orquestales, aunque la partitura está muy dignamente orquestada.

Cuando se llevó a cabo esta grabación (1996), Algana hacía poco que se había convertido en una estrella del mundo operístico, después de que su Romeo en el Covent Garden en 1994  le diera el espaldarazo definitivo al Olimpo, y su voz se encontraba en su máximo esplendor. Alagna es un Nemorino soñador (no payaso), ingenuo (pero no tontorrón) y espontáneo, como lo es su canto, que combina el fraseo cálido a lo Carreras con una voz con brillo a lo Pavarotti (eso sí, no es tan cálido como el catalán ni tiene la voz del de Módena). En mi opinión, está mucho mejor que en la grabación de DECCA con su recién esposada Angela Gheorghiu de un año después, dando una excelente prestación.

La Adina de la Devia es de lujo. He de decir que cuando la vi en el Liceu hará unas tres temporadas en el mismo papel me decepcionó bastante. Le encontré la voz ya un poco dura y su canto no era del todo fluído. Debió ser el paso de los años, porque en está grabación es una Adina ideal. No se puede cantar mejor: ni por un estilo, ni por perfección en la emisión, ni por facultades. Además recrea el personaje con un señorío que le va perfecto al rol, aderezado con la justa dosis de picardía. Una maravilla.

Del Belcore de Sapgnoli y del Dulcamara de Praticò en la parte positiva: la frescura de las voces (incluso Praticò canta en vez de declamar, y se permite el lujo de incluir una puntature al final de su gran aria), y la corrección en el canto, sin muecas, ni exageraciones. Mientras que en la negativa: las voces tienen poco peso y personalidad y la interpretación es bastante plana, lo que hace que la creación de sus  personajes no sea redonda.

Marcello Viotti dirige con tiempos lentos y evitando los contrates, apostando por una placidez que favorece en algunos pasajes, pero que quita brío a escenas como la del banquete en el segundo acto, o a los dúos de Nemorino con Dulcamara y Belcore. La English Chamber Orchestra (veterana en las grabaciones de l’Elixir) toca con la corrección que se le supone.

Gaetano Donizetti-L’elisir d’amore (CD01CD02)

Adina – Mariella Devia
Nemorino – Roberto Alagna
Belcore – Pietro Spagnoli
Dulcamara – Bruno Praticò
Giannetta – Francesca Provvisionato
English Chamber Orchestra-Marcello Viotti

Dom Sébastien, Roi de Portugal

16 Setembre 2009

Dom Sebastien capa

Dom Sébastien, Roi de Portugal es una Grand Opera francesa de Gaetano Donizetti, con libretto de Eugène Scribe basado en la obra de Paul Henri Foucher Dom Sébastien de Portugal (1838), una ficción histórica basada en la desafortunada expedición que en 1578 hizo el rey Sebastián de Portugal (1554-1578) a Marruecos. La obra se estrenó en la Opera de París el 13 de noviembre de 1843, y es la última ópera que terminó Donizetti antes de empeorar gravemente su salud a cauda de la sífilis.

El libreto de Scribe toma datos históricos verdaderos y los mezcla con una historia de amor tan improbable como excitante: El rey Sebastián de Portugal decide abdicar por el amor de una mujer…un momento… ¿no es un rey católico? Pues ¿qué hace abdicando por una musulmana? y aquí entran las cosas en el terreno político actual. Por un lado tenemos a los buenos y tolerantes y enamorados Dom Sébastien y su Zayda, más la ayuda de un poeta llamado Camoëns, y por el otro al Gran Inquisidor y a Abayaldo, el pretendiente a la mano de Zayda, que se sabe traicionado. Dos fundamentalistas opuestos el uno al otro pero unidos contra las fuerzas de la razón y del amor! Vaya tema para una opera actual….

La versión que recoge el disco es una grabación de los dos conciertos (2005) que se dieron en el Covent Garden de Londres, donde la obra se daba por primera vez . Es una versión que incorpora los cambios que Donizetti había introducido para las funciones que se iban a dar en Viena, después del estreno en París. Londres debió esperar 162 años para escucharla, pero valió la pena la espera porque con su última ópera, Donizetti rompe varios moldes, primero consigue componer una obra de sabor auténticamente francés (y por lo cual fué muy criticado en París por no ser los suficientemente donizettiano…).

La inspiración melódica es alta pero la obra no entra en el molde clásico de aria tras aria sino que hay mucho recitativo acompañado y las arias tienden a ser pocas y cortas, dando cierta sensación al oyente de que la música fluye a trompicones, ya que cuando se empieza a deleitar de una melodía esta cambia radicalmente, pero hay unos dúos bastante notables, como el dúo de amor y descubrimiento entre Dom Sébastien y Zayde del segundo acto, o el dúo entre Camoëns y Dom Sébastien del cuarto, o el dúo final entre Dom Sébastien y Zayda, de complejidad e innovación rítimicas inusitadas. Hay un septeto notable, y hasta hay una marcha fúnebre con el supuesto cadáver vivito y coleando en escena (Dom Sébastien). Agréguese un ballet delicioso (que recuerda al de La Favorite) y una orquestación que por momentos recuerda a Berlioz, y el resultado es una sopresa, porque este sí que no es el Donizetti de Don Pasquale, sino un digno rival de Auber, Meyerbeer o Halevy.

SINOPSIS (extraida de la Wikipedia)

Act 1 – Lisbon, Portugal

The Christian king, Dom Sébastian, leaves his uncle Dom Antonio to rule Portugal while he and his entourage (including the idealistic poet Camoëns and the Moor princess Zayda whom he had rescued from being burnt at stake for trying to escape the monastery she had resided in since her conversion to Christianity (O mon Dieu, sur la terre), and intends to return her to her father Ben-Selim) go on a crusade against the Moors of Africa.

Act 2 – Morocco, Africa

The reunion between Zayda and Ben-Selim is dampened by her refusal to marry the Moorish chief Abayaldos. Abayaldos leads the Moor to battle against Sébastian’s force and wipe them out. The wounded Sébastian’s life is saved only when his lieutenant Dom Henrique presents himself to Abayaldos as Sébastian before expiring from his wounds, and Zayda pleads for the Christian ‘s life in return to her consent to marry Abayaldos, under the guise that her life was saved by a Christian during her captivity in Portugal, and now she must return the favor. Sébastian is left on the battlefield a broken man (Seul sur la terre).

Act 3.- Lisbon

Camoëns survived the battle and returned to Lisbon (O Lisbonne, o ma patrie!), he learns that the Regent, Dom Antonio, had aligned himself with the Spanish Grand Inquisitor Dom Juam de Sylva and usurped the throne. At the public square he runs into Sébastian, just as the mock funeral procession for the supposedly dead king passes by. Camoëns causes a commotion in his outrage, and Sébastian is recognized when he intervenes. Abayaldos recognizes him instead as a lowly Christian whose life he had spared on the battlefield. Sébastian is jailed as an imposter.

Act 4

Sébastian is tried in court. Zayda proves her love for him by testifying to his true identity and how he had escaped death in Africa. Abayaldos angrily accuses her of infidelity, and both Sébastian and Zayda are jailed (she for ‘treason’). Eager to legitimize his alliance with Spain, Dom Antonio and Dom Juan de Sylva offers to spare Sébastian’s life if Zayda can convince him to sign the official instrument selling Portugal to Spain. After his initial refusal, Sébastian signs the document, to Zayda’s indignation. She runs off to throw herself to the sea, but when Sébastian catches up with her on the top of the tower, they find Camoëns in a boat attempting a rescue. Sébastian and Zayda are discovered half way down the rope to the boat, and plunge to their death when the rope is slashed. Camoëns is mortally wounded by gunfire, and the opera ends with the loss of Portuguese independence as the Spanish fleet appears on the horizon.

Giuseppe Filianoti se encarga del papel protagonista que da nombre a la obra. Su voz de tenor lírico es adecuada para el rol, con un timbre muy luminoso y que corre con facilidad. Filianoti canta con buen estilo, frasea adecuadamente y no se da a excesos expresivos ajenos al estilo belcantista, pero otra cosa es la precisión, con tendencia a calar en las ascensiones al agudo, y muy reservado (en la celebérrima” Seul sur la terre” no ataca ninguno de los tradicionales sobreagudos).

A su lado Vesselina Kasarova, una cantante de gran experiencia, demuestra que es una gran artista con canto medido, gran poder seductivo (bellísimo timbre) y una caracterización que hubiera seducido al mas frío. Eso sí, la dicción francesa en lamentable (no se le entiende nada) y hay cierta tendencia al abuso de los graves.

El Gran Inquisidor es un personaje de carácter deleznable, un traidor a su religión y a su patria! Lamentablemente la voz de Alastair Miles no tiene ese grado de oscuridad y amenaza que harían de este carácter algo cuya sola entrada haría poner la piel de gallina. Miles es un cantante esmerado con una voz de bajo correcta, sin más.

Carmelo Corrado Caruso posee una voz adecuada para el rol del poeta Camoëns, un rol simpático y leal que sirve de contrapartida a la maldad del Inquisidor y de Abayaldos.

El Abayaldos de Simon Keenlyside es la salsa de la grabación. Todo lo que hace esta impregnado de drama y de vida y se la juega sin pensar demasiado en las consecuencias. El resultado es que su personaje es el único que cobra auténtica vida y cada una de sus apariciones levantan el nivel dramático de la función.

Ha todo esto hay que añadir un coro que tiene bastante para hacer y una orquesta inspirada por el entusiasmo y la pasión del director Mark Elder, que obtiene un resultado sensacional. Elder dirige con total dominio de la partitura, le confiere puslo dramático y fraseo siempre ágil, todas las secciones de la orquesta suenan claras y no hay baches dramáticos.

En resumen, un Donizetti no apto para Luciamaníacos y sí para amantes de Meyerbeeradas

Gaetano Donizetti-Dom Sébastien, roi de Portugal (CD01, CD02, CD03)

Zayda, a moorish girl – Vesselina Kasarova
Dom Sébastien, king of Portugal – Giuseppe Filianoti
Dom Juam de Sylva, Grand Inquisitor – Alastair Miles
Abayaldos, a chieftain – Simon Keenlyside
Camoëns, a poet – Carmelo Corrado Caruso
Dom Henrique – Robert Gleadow
Dom Antonio/Fist Inquisitor – John Upperton
Second Inquisitor – Lee Hickenbottom
Ben-Sélim – Andrew Slater
Dom Luis – Martyn Hill
Soldier – Nigel Cliffe
Third Inquisitor – John Bernays
Orchestra and Chorus of the Royal Opera House-Mark Elder