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Quatre cançons per somiar

8 Juny 2012

Des de fa uns dies que l’ambient laboral i la situació em té frustrat i angoixat. Necessitava un bàlsam, un punt de desconnexió i vaig pensar en els Quatre últims lieders de Richard Strauss.

Aquestes quatre peces són tota una medicina, un antídot per a les tensions, un aturada, un rabeig de pau.

Vaig estar sentint les meves versions de sempre (Janowitz-Karajan, Schwartzkopf-Szell, Studer-Sinopoli), i després vaig buscar en el disc dur a veure que si tenia alguna pendent, i sí que tenia.

Primer vaig disfrutar amb la bellesa freda de la Fleming amb una direcció impecable de Thielemann, després amb la calidesa de la Stemme i l’ardor contingut de Pappano, i, per últim, o sorpresa, amb una lectura amb la Caballé i la Chicago Symphony Orchestra de l’any 1966, amb la soprano en plenitud de facultats. Com tots sabeu, la Caballé em torna boig – fins i tot surt a la dedicatòria de la meva tesina (entre d’altres) – així que aquí la teniu.

A l’any 1966 la Caballé estava en l’inici de la seva gloriosa carrera, i vocalment es trobava en estat de gràcia. La veu té un color d’una bellesa impactant, la línia, el control de la respiració, els reguladors, tot és una suma perfecta per interpretar aquestes cançons.

Hi haurà algú que trobi la seva veu massa voluptuosa per aquestes peces, que prefereix veus més cristal·lines, més angelicals, però la manera de cantar de la catalana, amb un control total de la respiració, li permet fer uns sons tant instrumentals que el resultat és molt engrescador, més compacte, com si en lloc d’un solista hi hagués un instrument més. I caram, quin instrument!

Sentim la primera cançó: “Frühling” (Primavera) on en el curs del primer vers sembla que la música lluita per separar-se de la foscor hivernal per regalar-nos una música radiant i càlida.

Els Quatre últims lieders són la conclusió de la vida artística de Richard Strauss. Composades al 1948, amb 84 anys, l’autor va morir l’any següent sense haver-les vist estrenar. De fet, no les va escriure pensant en un cicle unitari, però els quatre poemes tracten sobre la mort propera i la seran acceptació del destí.

La primera que va composar va ser “Im Abendrot” (A la ciguda del sol), amb el poema de Joseph von Eichendorff, originalment concebuda com una peça aïllada i dedicada a la seva esposa Pauline (soprano que va estrenar moltes de les seves cançons).

Poc després de finalitzar la composició d’aquest lieder, durant l’estiu d’aquell any, inspirat pels poemes del seu amic hermann Hesse, va composar les tres cançons que falten. La primera “Frühling” (Primavera), després “Beim Schlafengehen” (al anar a dormir) i per últim “September”.

Strauss va morir pocs mesos després, sense imaginar-se que “Im Abendrot” acabaria integrant un cicle amb les de Hesse. Va ser Ernst Roth, el seu editor a Londres, qui va considerar que la melodia del primer lieder seria un complement adequat als poemes de Hesse.

Escoltem ara la segona: “September” amb una textura orquestral cargada d’expressivitat i amb l’apacible i noble so de la trompa com coprotagonista.

La primera interpretació del cicle va tenir lloc el 22 de maig de1950 a Londres, amb la Kirsten Flagstad com solista, conjuntament amb la Philharmonia Orchestrai sota la direcció, ni més ni menys, de Wilhelm Furtwängler.

Ara “Beim Schlafengehen” on hi ha un fabulós solo de violí que imiten la veu, i amb un encadenat de melismes de la veu suggerents i embriagadors.

Aquesta versió que estem sentim amb la Montserrat Caballé prové d’un concert amb la Chicago Symphony Orchestradel 28 d’abril de 1966, sota la direcció de Irwin Hoffman. El so és acceptable, amb una bona presència de la veu i una orquestra de molta qualitat. La direcció és plàcida i es deixa emportar per la personalitat vocal de la soprano, que està en un estat vocal sublim.

Per acabar el meravellós “Im Abendrot”. El poema de von Eichendorff descriu a una parella passejant de la ma que es pregunten sobre la assossegada pau de la que estan gaudint dient “¿serà això la mort?”. En aquest moment Strauss fa sonar en la trompa el tema més noble del seu anterior poema simfònic “Mort i transfiguració”. Extasiant!

Richard Strauss-Quatre últimes cançons (descàrrega)

1. Primavera (Frühling)

2. Setembre (September)

3. En anar a dormir (Beim Schlafengehen)

4. Cap al tard (Im Abendrot)

Montserrat Caballé-soprano

Chicago Symphony Orchestra-Irwin Hoffman

28-04-1966

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Aquí us deixo els quatre poemes traduïts

CUATRO ÚLTIMAS CANCIONES

FRÜHLING
(Hermann Hesse)
In dämmrigen Grüften
träumte ich lang 
von deinen Bäumen und blauen Lüften,
von deinem Duft und Vogelsang.

Nun liegst du erschlossen
in Gleiss und Zier 
von Licht übergossen 
wie ein Wunder vor mir.

Du kennest mich wieder,
du lockest mich zart, 
es zittert durch all meine Glieder
deine selige Gegenwart!.
PRIMAVERA
En el fondo de las peñas crepusculares
he soñado largamente 
con tus árboles y aire azul, 
con tus aromas y con tus cantos de pájaros.
 
Ahora te has desplegado 
en esplendores y aderezos,
desbordando de luz, 
como un milagro ante mí.
 
Tú me reconoces, 
tú me atraes tiernamente, 
un escalofrío cruza todos mis miembros,
tu bienaventurada presencia.
SEPTEMBER 
(Hermann Hesse)
Der Garten trauert, 
kühl sinkt in die Blumen der Regen.
Der Sommer schauert 
Still seinem Ende entgegen.

Golden tropft Blatt um Blatt 
nieder vom hohen Akazienbaum.
Sommer lächelt erstaunt und matt
in den sterbenden Gartentraum.

Lange noch bei den Rosen 
bleibt er stehen, sehnt sich nach Ruh.
Langsam tut er die (grossen)

müdgewordnen Augen zu.

 

SEPTIEMBRE
El jardín está triste, 
la fría lluvia pesa sobre las flores.
El verano tiembla 
dulcemente hacia su fin.
 
Doradas, gota a gota, caen las hojas
de lo alto de la acacia.
El verano sonríe, sorprendido y cansado,
entre el sueño de los jardines que se mueren.
 
Largamente, entre las rosas 
se detiene todavía, desea el reposo.
Lentamente cierra 

sus ya cansados ojos.


BEIM SCHLAFENGEHEN 
(Hermann Hesse)
Nun der Tag mich müd gemacht,
soll mein sehnliches Verlangen
freundlich die gestirnte Nacht
wie ein müdes Kind empfangen.

Hände, lasst von allem Tun,
Stirn vergiss du alles Denken,
alle meine Sinne nun
wollen sich in Schlummer senken.

Und die Seele unbewacht
will in freien Flügen schweben,
um im Zauberkreis der Nacht
tief und tausendfach zu leben.

 

AL IR A DORMIR
Ahora que el día se ha fatigado,
que mi nostálgico deseo
sea acogido por la noche estrellada
como un niño cansado.
 
Manos, abandonad toda acción.
Mente, olvida todo pensamiento.
Ahora todos mis sentidos
quieren caer en el sueño.
 
Y el alma sin más guardián
quiere volar, liberadas sus alas,
en el círculo mágico de la noche,
para vivir profundamente mil veces.
 
IM ABENDROT 
(Joseph von Eichendorff)

Wir sind durch Not und Freude
gegangen Hand in Hand,
vom Wandern ruhen wir (beide)
nun überm stillen Land.

Rings sich die Täler neigen,
es dunkelt schon die Luft,
Zwei Lerchen nur noch steigen
nachträumend in den Duft.

Tritt her und lass sie schwirren,
bald ist es Schlafenszeit,
dass wir uns nicht verirren
In dieser Einsamkeit.

O weiter, stiller Friede!
So tief im Abendrot,
wie sind wir wandermüde-
ist dies etwa der Tod?

 

EN LA PUESTA DE SOL
Con penas y alegrías, 
mano a mano, hemos caminado.
Reposemos ahora de nuestros viajes,
en la tranquila campiña.
 
A nuestro alrededor se inclinan los valles,
ya la brisa se ensombrece.
Sólo dos alondras alzan todavía el vuelo
soñando de nuevo en el oloroso aire.
 
Acércate y déjalas trinar,
pronto será hora de dormir,
para que no podamos perdernos
en esta soledad.
 
Oh, inmensa y dulce paz,
tan profunda en la puesta de sol,
qué fatigados estamos por haber caminado.
¿Será esta, entonces, la muerte?

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Mis favoritos – El concert per violí Op. 64 de Mendelssohn

24 Octubre 2011

El concert per violí de Mendelssohn és una obra primordial en el repertori de qualsevol violinista que destaqui, i tot i que actualment es considera que està un graó per sota d’altres concerts romàntics, com els de Brahms, Tchaikovsky o Sibelius, no em ve al cap algú que no l’hagi gravat.

El concert és una de les últimes grans obres orquestral que va escriure Mendelssohn, i es va estrenar al Gewandhaus de Liepzig al 1845 pel violinista Ferdinand David, amic molt proper del compositor i violí concertino de l’orquestra de Liepzig.

L’obra és absolutament deliciosa, amb un primer moviment molt trencador per a l’època, amb una melodia d’aquelles que no s’obliden (apassionant i apassionada).

Us deixaré els links per que veieu la versió d’una adolescent Sarah Chang (15 anys) amb la New York Philharmonic dirigida pel mestre Kurt Masur (1995.)

El segon moviment tant bucòlic com encisador,

i un final guspirejant i brillantíssim.

Us deixo una parrafada molt explicativa extreta de la wikipedia:

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“El Concierto para violín en mi menor, Op. 64 es la última gran obra orquestal del compositor alemán Felix Mendelssohn-Bartholdy. Forma una importante parte del repertorio de violín y es uno de los conciertos para violín más populares y más interpretados de todos los tiempos. Una interpretación habitual tiene una duración de casi media hora.

Mendelssohn originalmente prometió un concierto para violín en 1838 a Ferdinand David, un amigo cercano que era un consumado violinista. Sin embargo, la obra tardó seis años en completarse y no fue estrenada hasta el año siguiente, en 1845. Durante este tiempo, Mendelssohn se carteó con regularidad con David, en busca de consejos para el concierto. La obra es uno de los primeros conciertos para violín del Romanticismo e influyó en las obras de varios compositores. A pesar de que el concierto consta de tres movimientos en la estructura típica rápido-lento-rápido y cada movimiento sigue la forma tradicional, el concierto era innovador e incluía características nuevas parala época. Como aspectos distintivos del concierto se destacan la entrada inmediata del violín al comienzo de la obra y el enlace entre movimientos sin solución de continuidad.

La obra fue inicialmente bien recibida y pronto fue considerada como uno de los conciertos para violín más grandes de todos los tiempos. Sigue siendo popular y se ha forjado la reputación de ser esencial su dominio para todos los virtuosos del violín, y normalmente es uno de los primeros conciertos románticos que aprenden. Varios violinistas profesionales lo han grabado y éste se interpreta con regularidad en salas de concierto así como en competiciones de música clásica.

Historia:

Tras su nombramiento en 1835 como director principal de la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Mendelssohn eligió a su amigo de la infancia Ferdinand David como concertino dela orquesta. Los orígenes de la obra proceden de la colaboración entre ambos. En una carta fechada del 30 de julio de 1838, Mendelssohn le escribió a David:

«Me gustaría escribir un concierto para violín para ti el próximo invierno. Tengo uno en mi menor rondándome por la cabeza, cuyo comienzo no me deja en paz».

El concierto tardó seis años en completarse. Varios posibles motivos justifican el retraso, entre ellos las propias dudas del compositor, el tiempo empleado en componer su tercera sinfonía y el infeliz periodo en Berlín tras la solicitud del Rey Federico Guillermo IV de Prusia. Sin embargo, durante este periodo, Mendelssohn se carteó con regularidad con David, en busca de consejos para el concierto. Además, este concierto para violín fue el primero de los muchos que serían compuestos con la colaboración de un violinista profesional e influenciaría las colaboraciones futuras. La partitura autógrafa tiene la fecha del día 16 de septiembre de 1844, pero Mendelssohn todavía necesitaría los consejos de David hasta su estreno. El estreno tuvo lugar en la Gewandhaus de Leipzig el 13 de marzo de 1845, interpretado por David y con la Orquesta de la Gewandhaus bajo la batuta del compositor danés Niels Gade, ya que Mendelssohn, se encontraba demasiado débil. Sin embargo, el 23 de octubre del mismo año se volvió a interpretar el concierto con un gran éxito, dirigido esta vez por el propio Mendelssohn e interpretada de nuevo por David.

El concierto fue interpretado otra vez el 3 de octubre de 1847 por el joven Joseph Joachim, violinista húngaro y protegido de Mendelssohn, que se hizo famoso sobre todo por la interpretación del Concierto en re mayor de Beethoven en el memorable concierto del 27 de mayo de 1844 que tuvo lugar en Londres”

Legado:

El concierto para violín de Mendelssohn influyó en los conciertos de varios compositores, que usarían características del mismo para sus propios conciertos. Es por ello que el concierto ha sido considerado como uno de los más plagiados de todos los tiempos.

Por ejemplo, la inusual disposición de la cadenza inspiraría a los conciertos para violín de Tchaikovsky, en los cuales la cadenza también está dispuesta antes de la recapitulación, y Sibelius en el que la cadenza sirve para extender la sección del desarrollo. Tras este concierto, sería muy difícil encontrar un compositor que dejara la cadenza sin escribir para dejar al solista improvisar, como ocurría en la época de Mozart y Beethoven. El enlace de los tres movimientos también se incluiría en otros conciertos, como por ejemplo el Concierto para piano n.º 2 de Liszt.

El concierto tuvo un éxito inmediato, con una calurosa acogida el día de su estreno y bien recibido por los críticos contemporáneos. Hacia finales del siglo XIX, la pieza todavía era considerada como uno de los conciertos para violín más grandiosos del repertorio. Se convertiría en una de las piezas más populares de Mendelssohn y todavía sigue interpretándose a menudo, a pesar de que el interés por su música declinó a principios del siglo XX. En 1906, un año antes de su muerte, el célebre violinista Joseph Joachim dijo lo siguiente en su fiesta de 75 aniversario:

“Los alemanes tienen cuatro conciertos para violín. El más grande, más intransigente es el de Beethoven. El de Brahms compite con él en seriedad. El más rico y seductor fue escrito por Max Bruch. Pero el más profundo, la joya del corazón, es el de Mendelssohn.”

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Us deixo la meva versió favorita de sempre, que pot ser no és la que surt a les guies (Menuhin, Mullova,…), però que compta amb un violinista excepcional, el Pinchas Zukerman, i amb la direcció més abassagadora de tota la discografia (la repetició del tema principal per l’orquestra a l’inici del primer moviment és pur foc), la del Leonard Bernstein.

A més, el disc es completa amb una versió ultra romàntica de la Italiana, i dues peces de circumstància (una d’elles “Les Hèbrides”), completant un d’aquells disc que mai et canses d’escoltar, una i altra vegada.

Felix Mendelssohn – Concert per violí, Op.64 – (CD)

Concert per violí en mi menor, Op. 64

1. Allegro molto passionato

2. Andante

3. Allegretto non troppo – Allegro molto vivace

Simfonia nº4 en la major, Op. 90 “Italiana”

4. Allegro vivace

5. Andante con moto

6. Con moto moderato

7. Saltarello. Presto

8. Marxa guerrera del sacerdots de “Athalie”

Obertura “Les Hèbrides”, Op.26

9. Allegro moderato – Animato in tempo

Pinchas Zukerman, violí

New York Philharmonic – Leonard Bernstein

 

Carmina Burana de Carl Orff

6 febrer 2011

Chor Der Deutschen Oper Berlin, Christian Thielemann, Helmut Sonne & Orchester der Deutschen Oper Berlin

L’altre dia portava a una amiga en el cotxe i va començar a sonar el Carmina Burana d’Orff. Quan va sentir el començament del O Fortuna automàticament en va recriminar que era una mica macabre per sentir una música tant inquietant, que li provocava calfreds. No és la primera vegada que he sentit una cosa així sobre aquest cor, el que demostra el gran poder que sobre nosaltres té la suggestió visual.

I és que en gran part, la mala fama d’aquesta peça prové d’haver sigut part de la banda sonora de la pel·lícula Excalibur i de molts anuncis, aprofitant-se per moments on ha de passar alguna cosa terrible o maligna. Però com heu pogut comprovar en el vídeo, la lletra no té res a veure amb el dimoni o el mal, sinó que parla de la Fortuna i el destí, a vegades favorable, a vegades advers.

El Carmina Burana és una obra per a fruir completament. El llenguatge musical simple i directe que posseeix, combina l’exuberància rítmica de Stravinski amb altres passatges més càlids, més opulents i més romàntics, musicalment parlant, i fan aquesta obra molt atractiva per al públic en general per la seva varietat i força comunicativa.

El text de Carmina Burana està extret de la col·lecció de poemes llatins i germànics del segle XII, de vegades amb lletres pujades de to, escrits pels monjos de Benediktbeuern. Orff la divideix en tres parts, que parlen de la naturalesa, la taberna i l’amor, i l’obra està emmarcada per una obertura i un cor final imponents que alaben a la deessa Fortuna, i que tant malament s’ha utilitzat per pel·lícules i anuncis publicitaris.

Carl Orff  (1895-1982) va estudiar a l’Acadèmia de Música de Munich just abans de la I Guerra Mundial, però, de seguida, cautivat per la música de Debussy y Schoenberg, va repudiar la deva formació al conservatori. Durant la dècada de 1920 va començar a furgar entre les obres de Monteverdi i altres compositors del segle XVII, i va fundar una escola en la que es desenvolupaven les seves pioneres idees educatives que intentaven d’unificar el gest, la poesia i la música. Aquestes preocupacions, conjuntament amb la seva creixent fascinació per alguns aspectes de l’Antiguitat clàssica, van donar forma a la seva evolució musical, i durant la dècada de 1930 ja havia decidit centrar-se en l’òrbita del teatre de l’òpera. De fet, el Carmina Burana, la seva composició més famosa, va se concebuda originalment per a l’escena, malgrat que en l’actualitat només es sent als auditoris.

La versió que us porto és tot un clàssic en la discografia, molt viva i amb una excel·lent direcció del mestre Previn amb uns conjunts de la London Symphony en molt bona forma.

Carl Orff-Carmina Burana (CD)

Thomas Allen

Sheila Armstrong

Gerald English

London Symphony Orchestra and Chorus-Andre Previn.

Mis favoritos: Il matrimonio segreto de Cimarosa

21 Setembre 2010

A Leopold II, l’emperador coronat en 1791, no li agradaven les òperes de Mozart. En canvi, quan aquell mateix any va arribar a Viena Domenico Cimarosa (1749-1801), famós compositor napolità que havia estat mestre de capella a Sant Petersburg, Leopold el va nomenar Kapellmeister i li va encarregar una òpera pel Burgtheater.

L’òpera, Il matrimonio segreto, una adaptació de la famosa obra de teatre de Colman-Garrick El matrimoni clandestí, va tenir més èxit que qualsevol altra obra de Mozart. La nit de la seva estrena, al 1792, l’emperador va ordenar repetir-la sencera en privat, en el que representa el bis més llarg de la història del gènere.

Cimarosa va passar dos anys a Viena abans de regressar a Nàpols, on va ser empresonat en 1799-1800 per les seves idees republicanes, morint a Venècia un any després. Va ser l’època culminant per a una carrera prolífica: quasi 65 òperes, serioses i còmiques, i molta música sacra i instrumental. Era una persona molt sociable i simpàtica, amb un temperament que es va reflexar a la seva obra. La seva desgràcia va ser quedar molt més eclipsat per la posteritat per Mozart del que Mozart va quedar -breument- per ell.

Com en moltes de les seves composicions, a Il matrimonio segreto destaca la vitalitat, soltura, curosa melodia i les dots per la comicitat que distingueixen a Cimarosa. A l’obra li falta la profunditat de les composicions de Mozart però la música és molt directa, exhuberant , espontània i sincera.

El libretto, de Giovanni Bertati, presenta l’acció de manera clara, tot i que l’argument presenta equívocs i identitats suplantades, tot per a que una jove parella pugui superar els obstacles que els estrictes codis socials interposen al seu amor. Sense ésser una sàtira, el noble Comte Robinson és un figura còmica, igual que el pare de les noies, Geronimo, ric comerciant, el qual posa les seves aspiracions aristocràtiques per davant dels sentiments de les seves filles.

El personatge de Paolino, el jove enamorat, és el musicalment més interessant, amb unes melodies quasi romàntiques per l’expressivitat, especialment en “Pria che spunti in ciel l’aurora”. Indubtablement, l’obra de Cimarosa ocupa un lloc central com a pont entre l’òpera buffa del clasicisme del segle XVIII i les òperes de Rossini i Donizetti.

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ARGUMENT

Us deixo una sèrie de vídeos i el resum argumental de l’obra. Els vídeos (de Meyerbeer1) tenen com a suport musical la versió interpretada d’acord al següent repartiment:

Paolino: William Matteuzzi

Carolina: Susan Patterson

Geronimo: Alfonso Antoniozzi

Elisetta: Janet Williams

Fidalma: Gloria Banditelli

Conte Robinson: Petteri Salomaa

Orchestra of Eastern Netherlands-Gabriele Bellini

Obertura. Sempre quedarà en la memòria com la sintonia de capçalera del programa de Radio 4 “Gran Gala”

ACTE I

El ric comerciant Geronimo desitja casar a una de les seves filles amb un aristòcrata. La menor, Carolina, s’ha casat en secret amb el jove dependent Paolino. Atret per l’alta dot, el comte Robinson acudeix personalment en qualitat de pretenent, i escolleix a Carolina, empipant a Elisetta, la filla gran, que sí es mostra disposada a casar-se.

Recitatiu i ària de Geronimo on explica a les filles les seves ambicions, autèntica premonició de l’ària de sortide del Don Magnifico de La Cenerentola rossiniana.

Terzetto “Le faccio un inchino” on les dues germanes, Carolina i Elisetta, es barallen pels deliris de grandesa de la major, mentre que la seva tieta, Fidalma, els i reprotxa la seva mala actitud.

Ària d’entrada del Comte Robinson, per la estructura també sembla un model per a un altre fragment de La Cenerentola: l’entrada de Dandini disfressat de príncep.

En el quartet “Sento in petto un freddo gelo” els comte i les tres dones mostren la seva sorpresa i decepciódavant de la situació, ja que el comte prefereix a Carolina en lloc d’Elisetta per casar-se.

Per últim, el FInale I, brillantíssim.

ACTE II

El comte Robinson comunica a Geronimo que es vol casar amb Carolina i no amb Elisetta. Geronimo es nega a donar la seva bendició. Només l’oferta del comte, en el que renúncia a la meitat de la dot, l’acaba de convencer.

Aquest és, potser, el moment més brillant de l’obra, un duo entre els baixos buffos “Se fiato in corpo avete”, que serviria d’inspiració per altres òperes posteriors (recordeu un de calcat a La Cenerentola?)

Per altre costat, a la germana de Geronimo, Fidalma, se la ficat al cap l’idea de casar-se amb Paolino, però el jove la rebutja.

Aria de Paolino “Pria che spunti in ciel l’aurora”

Llavors, les dues dones rebutjades, Fidalma i Elisetta, s’alien contra Carolina i proposen a Geronimo que la fiqui en un convent. Llavors els dos joves confesen a Geronimo el seu matrimoni secret, que no té més remei que beneir-lo. El comte es casa amb Elisetta i FIdalma es queda amb les mans buides.

Aria d’Elisetta “Se son vendicata”

I com a conclusió a tots els embolics el Finale II, també brillant.

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LLIBRET

http://www.librettidopera.it/matr_segr/matr_segr.html

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UNA VERSIÓ PER DISFRUTAR

Us deixo la meva primera versió, i encara favorita, d’aquesta brillant òpera. El repartiment està plagat de figures, amb un duo de germanes de molts quilats (Auger, sempre encisadora, i una Varady rutilant). Excel·lent és la prestació del tenorino Ryland Davies (ajustadíssim en estil, veu i intenció) i més histriònics els buffos de Rinaldi (el més idiomàtic) i Fischer-Dieskau (sempre truculent vocalment). Barenboim aconsegueix un to de lleugeresa inhabitual en ell, treien unes sonoritats absolutament “dieciochescas” a la sempre experta English Chamber Orchestra.

Domenico Cimarosa-Il matrimonio segreto (links, password: barenboim)

Geronimo, Dietrich Fischer-Dieskau

Elisetta, Julia Varady

Carolina, Arleen Auger

Fidalma, Julia Hamari

Il Conte Robinson, Alberto Rinaldi

Paolino, Ryland Davies

English Chamber Orchestra – Daniel Barenboim

Mis Favoritos: Queen-The absolute greatest

25 Agost 2010

Siempre he sido un fanático de Queen.

Uno de mis primeros recuerdos como oyente de música por voluntad propia (no lo que te tragabas en el coche cuando ibas con tus padres) es el mítico videoclip de “I want to break free”, que junto con el “Thriller” de Michael Jackson, son el inicio de mi “cultura” musical.

Recuerdo que con 12-13 años empezamos (mis amigos y yo) a grabar canciones de la radio y a comprar los primeros cassettes. Son de aquella época (1986-1990) discos ya míticos y LPs gloriosos, como el “Like a prayer”, “The Joshua tree”. “Bad”, “Tunnel of love”,… y mi primer disco de Queen: “The Miracle” (1989). También se editaron directos indispensables como el mítico “Tina live in Europe” (por Dios que cosa más grande).

Fue una época bastante potente con muchos de los grandes en plena forma (sacando cosas nuevas y otros con directos poderosísimos).

De Queen lo que más me fascina es el total eclecticismo de su música. Siempre se les ha medio clasificado como grupo fundamentalmente rockero, pero escuchar cada uno de sus álbumes es una auténtica sorpresa. Rock convencional, rockabili, pop, punk, gospel, jazz, piezas al más puro estilo musical, heavy, influencias árabes,.rock sinfónico,… forman parte del legado de la banda inglesa, que no se resignaba a encasillarse. Eso sí, todas sus canciones tienen un sello común, que es la maestría vocal del añorado Freddie Mercury y el virtuosismo de la guitarra de Brian May.

El disco que os comento ha sido la BSO de este verano. No ha dejado de sonar en el coche y en casa, y es que si bien se trata de un recopilatorio más, se puede asegurar que todas los temas que recopila son una muestra de lo mejorcito del grupo.

Os dejo los videoclips de todos los temas para que podáis disfrutar de cada una de las canciones.

01-‘We Will Rock You” (News of the world, 1977)

02-‘We Are The Champions’ (News of the world, 1977)

03-Radio Ga Ga (The Works, 1984)

04-‘Another One Bites the Dust’ (The game, 1980)

05- I Want It All (The miracle, 1989)

06-‘Crazy Little Thing Called Love’ (The game, 1980)

07-A Kind Of Magic (A kind of magic, 1986)

 08-Under Pressure (Hot space, 1982)

09-One Vision (A kind of magic, 1986)

10- You’re My Best Friend (A night at the opera, 1975)

11- ‘Don’t Stop Me Now’ (Jazz, 1978)

12- Killer Queen (Sheer heart attack, 1974)

13- These Are The Days Of Our Lives (Innuendo, 1991)

14- Who Wants To Live Forever (A kind of magic, 1986)

15- Seven Seas of Rhye (Queen II, 1974)

16-Heaven For Everyone (Made in Heaven, 1995)

17- Somebody To Love (A day at the races, 1976)

18-I want to break free (The Works, 1984)

19-The Show Must Go On (Innuendo, 1991)

20- ‘Bohemian Rhapsody’ (A night at the opera, 1975)

Para acabar os dejo una genialidad: Bohemian Rhapsody en versión Muppets (Teleñecos).

Queen – Absolute Greatest (2009) (CD)

Mis Favoritos: Reivindicando La Favorita

31 Mai 2010

La Favorita es una de esas óperas ante las que muchos de los llamados “expertos” operófilos arrugan la nariz. Y es que ni es de Wagner, ni tiene un argumento transcendente (yo casi creo que no tiene argumento, de tal engendro que es el libreto), ni da juego para paranoias escénicas que puedan llamar la atención de los nuevos amos del mundo operístico: los directores de escena.

Pero mirando con perspectiva ha sido una de las óperas fundamentales del repertorio de muchísimos teatros, admirada por el público y respetada por los mejores cantantes, sobretodo los tenores. Sólo en el Liceu se han dado más de 250 funciones, eso sí, en los últimos 30 años sólo se ha programado en tres temporadas. ¿Falta de interés? No, falta de voces.

Y es que La Favorita necesita al menos de tres cantantes de primera categoría y, para colmo, especialistas en belcanto. De entre ellos, se lleva la palma el Fernand (Fernando), papel para tenor que es uno de los más exigentes del repertorio belcantista para esa cuerda.

La Favorite (porque se estrenó en francés el 2 de diciembre de 1840 en París) es una ópera de Gaetano Donizetti con libretto (si se le puede llamar así) de Alphonse Royer y Gustave Vaëz, con arreglos de Eugène Scribe, en el cual se narra la historia de Leonora de Guzmán.

Donizetti se había mudado a París en 1838 con un contrato para escribir tres obras para L’Opéra. Durante el año siguiente había completado L’ange de Nisida para el Théâtre de la Renaissance, pero nunca llegó a estrenarse por causar bancarrota la compañía. Donizetti salvó la mayoría de la partitura para La favorite, obra en la que se puede escuchar alguna de sus mejores piezas. De hecho hay bastante de refrito en la partitura, ya que en la propia L’ange de Nisida hay trozos de Adelaide, si bien la música compuesta expresamente para la obra se centra en las arias, donde Donizetti solía adaptarse a las aptitudes vocales del reparto que la iba a estrenar. Y aquí es donde está la clave de la calidad belcantista de la obra, ya que para el estreno Donizetti contaba con un cast original formado por cuatro auténticos virtuosos: Rosine Stoltz (Leonor), Gilbert Duprez (Fernand), Paul Barroilhet (Alphonse) y Nicholas Levasseur (Balthazar).

La obra obtuvo un éxito colosal, y sólo en L’Opéra hasta 1918 se dieron 618 funciones. En tres años la ópera ya se había extendido por toda Europa y EEUU, principalmente en la versión en italiano ligeramente variada (prácticamente es una traducción, sin cambios destacados en la partitura, y nunca autorizada explícitamente por el autor).

La Favorite ha sido una ópera siempre ligada al tenor. Fernandos míticos empiezan por el propio Duprez (inventor del do de pecho), Gayarre (que lo tenía como papel de presentación) o Caruso, y más recientemente Di Stefano (en sus primeros años), Gianni Poggi, Gianni Raimondi, Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Jaume Aragall y Ramón Vargas han hecho excelentes recreaciones. De entre estos últimos ha sido Alfredo Kraus, sin lugar a dudas, el más perfecto y persistente defensor de una parte que fue capaz de exprimir hasta el máximo con absoluta maestría. Y es que Kraus, a pesar de no disponer de un timbre de belleza refulgente como Pavarotti o Aragall, poseía una técnica suprema que le permitían frasear y recrearse en un canto lleno de matices, con una dicción impecable y un legato prodigiosos, además de las facultades (la parte tiene varias citas por encima del si3 natural, alcanzando el do4 y el do sostenido más de una vez).

La parte de Leonora es para una mezzo que ha de dominar perfectamente los resortes del belcanto, además de poder alcanzar notas muy agudas (de soprano) en los dúos con el tenor. Han sido grandes dominadoras de la parte la Stignani, la Simionato y la Cossotto, aunque también han dejado grandes lecturas la Barbieri (un poco corta), la Verret, la Baltsa (estas dos más sopraniles) y la Zajick (con ese portento de la naturaleza de voz que posee).

El personaje de Alfonso XI tiene un aria de salida muy lucida que han grabado muchos de los principales representantes de la cuerda baritonal. Es un aria difícil, por las florituras y ascensiones al registro agudo que requiere, que ponen en peligro la propia línea de canto, que ha de ser auténticamente belcantista.

Por ultimo, el papel de Balthazar es para un bajo que ha de saber dar la replica en los dúos e imponerse por autoridad y voz en los magníficos concertantes finales del segundo y tercer acto

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Repasemos algunas de las principales piezas de la obra (en la versión italiana).

En primer lugar el aria de salida de Fernando “ Una vergine”. El airoso posee dos estrofas, separadas por una pequeña intervención del bajo, pero la tradición impuso que se interprete una sola estrofa. La dificultad para el tenor es extrema, ya que de salida ha de ascender a un re bemol sobreagudo totalmente en frío. Alfredo Kraus lo bordaba en estas funciones de 1971 en Tokio. Dirige Olivero de Fabritiis.

Después de un dúo entre Fernando y Baltasar, un coro femenino y una aria casi de sorbete de Inés (soprano ligera), llega Leonora de Guzmán y se encuentra con su amante Fernando. El dúo  “Ah! Mio bene” es sensacional, con una cabaletta llena de puntatture. Cossotto y Kraus son una pareja ideal, en las misma función que el video anterior.

Después del dúo hay una nueva cabaletta del tenor muy exigente “ Si del core..” que se elimina casi siempre, con lo que el primer acto suele finalizar con el dúo. El segundo acto empieza con la gran escena de salida del rey Alfonso “Vien Leonora, a piedi tuoi”. No puedo resistirme a ofreceros la versión del gran Ettore Bastianini, que si bien no es el más sutil belcantista, la belleza intrínsica de su voz de barítono, la vehemencia de su canto y recursos sobrados permiten disfrutarla por completo. Es la grabación en estudio de DECCA del año 1955, dirigida por Alberto Erede.

El finale del segundo acto es una de mis partes favoritas de la obra. Su construcción es ejemplar con la presencia dominante del bajo, que se ha de mostrar autoritario. La grabación es la misma que la anterior, completando el reparto Giulietta Simionato (Leonora), Gianni Poggi (Fernando) y Jerome Hines (Baltasar), la orquesta y coros son los del Maggio Musicale Fiorentino.

En el tercer acto pasan muchas cosas, a cual más inverosímil. En él se encuentra la gran escena de Leonora “O mio Fernando”, considerada como una de las mejores arias belcantistas para mezzo. Fieronza Cossotto hace una lectura insuperable: la calidad y homogeneidad de su timbre en todos los registros, su magisterio canoro y sus agudos portentosos la colocan en el número uno de mis preferencias. Veámosla en la función de Tokyo de 1971.

El final del tercer acto es muy dramático, con Fernando descubriendo que Leonora es la “favorita” del rey. El tenor ha de poner toda la carne en el asador (muy al estilo de los papeles escritos para Duprez).  Veamos a Kraus, junto con Cossotto, Bruscantini y Raimondi en la función de Tokyo.

El aria “Spirito gentil” quizás sea la pieza más conocida de la ópera. Pocos de los grandes tenores del siglo XX no la han, al menos, grabado, aunque no sea precisamente adecuada a sus características vocales (léase Domingo, Corelli o Carreras). Al aria le precede un breve recitativo “Favorita del re” donde se ha de expresar la rabia y el dolor de descubrir que Leonora es la amante del rey. El aria consta de tres partes, la primera melancólica, una central más viva, de sentimientos encontrados, y la tercera, repetición de la primera, donde el tenor ha de alcanzar el do4, en la cadenza se suele incluir una ascensión al si natural. La dificultad es máxima. Escuchemos al maestro Alfredo Kraus en una interpretación desde el Carnagie Hall de 1975.

La ópera acaba con otro magnífico dúo, donde Leonora y Fernando se reencuentran y se reconcilian, justo antes de la muerte de la adúltera. Al morir Leonora, Fernando grita desesperado “E spenta”, y el tenor ha de volver a colocar otro do4. Veamos la última escena de la ópera con la mezzo Shirley Verret y Alfredo Kraus desde el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en junio de 1992, en la última función de la carrera de la gran mezzo norteamericana.

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A continuación os dejo un link de la página KAREOL con el libreto de la ópera.

http://www.kareol.es/obras/lafavorita/favorita.htm

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Por último os facilito los links de algunas de las versiones que más me gustan de la obra.

En primer lugar la que para mí es la mejor versión de la ópera que poseo (y os advierto que tengo casi una treintena). Se trata de una función desde Buenos Aires de 1967 con el dúo insuperable formado por Kraus-Cossotto, ambos en estado de gracia. Les acompaña un notable cantante como Bruscantini (mejor aquí que en Tokyo, menos nasal) y la eficiencia del bajo Ivo Vinco. La toma en vivo no es muy buena y está trufada por las continuas histerias del público, pero no importa ante semejante derroche canoro de los dos protagonistas.

Gaetano Donizetti – La Favorita (CD01, CD02)

Leonora – Fiorenza Cossotto. 

Fernando – Alfredo Kraus. 

Alfonso XI – Sesto Bruscantini

Baltasar – Ivo Vinco.

Buenos Aires, Teatro Colon – Bruno Bartoletti (1967)

En segundo lugar la primera grabación que se puede considerar completa de la obra. Pavarotti nos deja aquí un Fernando generosísimo de voz y arrebato tímbrico (en directo no consigue tanta fluidez, en un papel que le exigía mucho), mientras que Cossotto, menos suelta que en los directos, hace una Leonora que sienta cátedra. Bacquier es un Alfonso insuficiente (estrangulado) y Ghiaurov es un Baltasar de muchos quilates. La Inés de Cotrubas es un lujo.

Gaetano Donizetti – La Favorita (CD01, CD02, CD03)

Fernando – Luciano Pavarotti

Leonora – Fiorenza Cossotto

Alfonso XI – Gabriel Bacquier

Baltasar – Nicolai Ghiaurov

Inés – Ileana Cotrubas

Orquesta y Coro del Teatro Comunale de Bologna – Richard Bonynge

 

Por último os dejo la última versión grabada en estudio, en el original Francés, con un reparto bastante potable, sobretodo por el excelente Fernand del mexicano Ramón Vargas. Le acompañan una deslumbrante, por voz que no por canto, Leonor de Vasselina Kasarova y un decente Carlo Colombara como Balthazar. El Alphonse de Anthony Michaels Moore es muy tosco vocal y técnicamente. La prestación de las masas muniquesas es la mejor que he oído, con un Marcello Viotti concertando con mano de hierro.

Gaetano Donizetti – La Favorite (CD01, CD02)

LEONOR DI GUZMAN – Vasselina Kasarova

FERNAND –  Ramon Vargas

ALPHONSE XI – Anthony Michaels Moore

BALTHAZAR – Carlo Colombara

DON GASPAR – Francesco Piccoli

INES – Abbie Furmanski

Mûnchner Rundfunkorchester – MARCELLO VIOTTI

Mis favoritos: Andante spianato – Gran polonesa brillante, Op. 22, de F. Chopin

28 gener 2010

Les obres de Chopin, una de les figures més destacades del Romanticisme no només musical sino del moviment artístic en general, es poden separar a grosso modo en tres categories:

Les peces més virtuosístiques, fonamentalment orientades cap a composicions de lluiment virtuosístic i de fácil audició (com són la majoria dels seus valsos i polonesas).

Les més purament romàntiques, on es deixa l’ànima i es trova l’esperit de l’artista – melancòlic, amant, somniador,… – que tenen la seva máxima expressió en el nocturns i els impromptus.

I les més acadèmiques, peces formalment més conservadores, malgrat que això no vol dir que siguin clàssiques, ni molt menys, ja que en Chopin sempre trobem aquell regust de l’artista inconconformista i individualista.

En l’opus 22 troben fonamentalment als dos primers. Sentim-la primer en la meva versió favorita des de sempre, la del gran Artur Rubinstein.

Originalment Chopin va compondre l’Andante spianato i gran polonesa op.22 com una obra per a piano i orquestra. De fet, en primer lloc va compondre la Gran Polonesa cap al 1831, i no va ser fins tres anys més tard, al 1834, que no va compondre una introducció a la Polonesa només per a piano sol. Més tard Chopin adaptaria la Gran Polonesa per a piano sol, de manera que tota l’obra passes a ser una peça per a solista.

Donada l’originalitat, bellesa i vistositat de l’obra en general de seguida va passar a formar part del repertori de tots els grans virtusos de l’instrument, impossant-se la versió per a piano solo.

De fet l’obra juga amb el contrast entre el recolliment i puresa de l’introducció – l’andante spianato – i la brillantor, ampulositat i empenta de la Polonesa. Tècnicament requereix de grans dosis de virtuosisme, amb recursos típicament chopinians, com són els arpegiats vertiginosos o grans salts d’escala.

Perquè us feu una idea del virtuosisme que requerix la seva interpretació us deixo un vídeo amb l’interpretació que feia Lang Lang als Proms de Londres de 2008, en una interpretació tècnicament apabullant però molt personal on, per a mi, abusa excessivament del rubato, de les dinàmiques i dels canvis al tempo.

Per últim us deixo un parell de gravacions de l’obra.

La primera la d’Artur Rubinstein, molt ben acompanyada per altres peces del compositor en un CD que formava part de l’edició Chopin-Rubinstein que fa anys va editar la RCA.

La segona és la versió per piano i orquestra, estreta de l’Edició Chopin de la DG, amb el fabulós Krystian Zimerman, la LA Philharmonic i la direcció de Carlo Maria Giulini.

ARTUR RUBINSTEIN-Chopin Collection (CD10)

1 – Impromptus – n°1 – Op.29

2 – Impromptus – n°2 – Op.36

3 – Impromptus – n°3 – Op.51

4 – Impromptus – n°4 – Op.66 “Fantasie-Impromptu”

5 – Bascarolle – Op.60

6 – Trois Nouvelles Etudes – Op.posth. – n°1

7 – Trois Nouvelles Etudes – Op.posth. – n°2

8 – Trois Nouvelles Etudes – Op.posth. – n°3

9 – Tarantelle – Op.43

10 – Andante spianato and Grand Polonese – Op. 22

 

Chopin Edition  (Vol.1, Cd02)

Mis Favoritos: La octava sinfonía de Mahler

15 Novembre 2009

BoulezMahler8

Se la denomina “Sinfonía de los mil” por el masivo elenco necesario para interpretarla, la Octava de Gustav Mahler es quizás su obra más asequible para el público, con un lenguaje musical menos sorprendente e innovador que en sus dos sinfonías anteriores y mucho más convencional que la fenomenal Novena.

Sólo Mahler es capaz de contraponer el himno latino “Vieni, creator spiritus” de la primera parte con sus resonancias oratorias y algunas querencias Brucknerianas, con la más teatral y musicalmente más expresionista segunda parte basada en la escena final de la segunda parte del Faust de Goethe, y llamar al resultado sinfonía.

El estreno en Munich de la obra en 1910 bajo la dirección del propio compositor, unos meses antes de su muerte, fue quizá su mayor triunfo, y desde entonces la vasta envergadura de la obra y su sentido del júbilo le proporcionan un lugar especial dentro de la literatura sinfónica y coral.

Podéis comprobar lo que digo con este primer fragmento que os adjunto, donde la National Youth Orchestra of Great Britain dirigida por Simon Rattle interpretan el final de la primera parte en un concierto de los Proms.

La excepcional cantidad de medios que necesita su interpretación, tanto orquestales como corales (171 instrumentistas en la orquesta y más de 800 cantores en el estreno, de ahí lo de sinfonía de los mil), hace que sea una obra que cada vez que se programa en una sala de conciertos se convierta en un acontecimiento artístico de primera magnitud. Al mismo tiempo las partes solistas son muy extensas y exigentes, teniendo en cuenta la masa sonora con la que han de batirse en ciertos momentos, con lo que se necesitan voces poderosas y resistentes que a la vez sean capaces de crear atmósferas sonoras que a veces son de una sutileza y delicadeza maravillosa.

Como segundo aperitivo os dejo el final de la obra por los mismos intérpretes, la NYOGB dirigida por Simon Rattle.

Como versión para que disfrutéis de la obra os dejo una retransmisión radiofónica del 30 de abril de 2007 de calidad de sonido excelente, de un concierto en la Musikverein de Viena, con la Staatskapelle de Berlin y dirigidos por el gran Pierre Boulez. Uno de los conciertos de la serie realizados en Berlin fue la versión que sirvió para la edición en disco de DG, con ligeros cambios en el grupo de solistas.

La versión de Boulez es excelente, fiel a su estilo de disección de la partitura pero sin restarle monumentalidad a la obra. Se oyen detalles orquestales que en muchas otras versiones pasan desapercibidos, al mismo tiempo que consigue dar el empuje a los momentos de gran clímax, con unas masas que responden con gran eficacia

Gustav Mahler-Sinfonía No. 8 “de los mil” (descarga)

Ricarda Merbeth/Soprano I – Magna Peccatrix

Camilla Nylund/Soprano II – Una poenitentium

Adriane Queiroz/Soprano III – Mater gloriosa

Michelle De Young/Alto I – Mulier Samaritana

Jane Henschel/Alto II – Maria Aegyptiaca

Robert Dean-Smith/Tenor – Doctor Marianus

Hanno Müller-Brachmann/Baritono – Pater ecstaticus

Robert Holl/Bajo – Pater profundus

Wiener Singverein-Slowakischer Philharmonischer Chor-Wiener Sängerknaben

Staatskapelle Berlin-Pierre Boulez

Mis favoritos: Las sinfonías de Johannes Brahms

25 Octubre 2009

Brahms

En las últimas semanas he escuchado dos integrales de las cuatro sinfonías de Brahms. Tengo que confesar que estas obras están entre las composiciones que más me gusta escuchar y reescuchar, sobretodo la cuarta, que es una de las composiciones sinfónicas que más me llenan y me hacen disfrutar.

Las dos integrales que os presento son muy diferentes. La primera es un clásico de la discografía y la segunda una novedad (apareció hace pocos meses) que acabará siendo un clásico. Pero hablemos un poco de las sinfonías.

Sinfonía nº 1 en do menor, Op. 68 (1876)

La primera sinfonía de Brahms se estrenó en 1876 después de una larguísima concepción. El mundo musical esperaba con ansia la primera obra sinfónica del compositor, y Brahms consciente de ello se tomó su tiempo. En 1862 ya tenía una versión del primer movimiento, mientras que 1868 seguramente ya había concluido el último, ya que envió una felicitación de cumpleaños a Clara Schumann con el tema del “cuerno alpino” del finale. Después del estreno de 1876 todavía volvería a reescribir el segundo movimiento.

La sinfonía tiene cuatro movimientos, indicados como sigue:

I. Un poco sostenuto – Allegro – meno Allegro

II. Andante sostenuto

III. Un poco Allegretto e grazioso

IV. Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio – Più Allegro (do mayor)

El primer y cuarto movimiento son claramente de inspiración Beethoveniana, de allí que se le llegase a calificar como la décima, ya que el tipo de tema y desarrollo del primero recuerdan claramente la estructura del primero de la novena, mientras que el último con su impetuoso inicio de la que emerge la melodía en forma de himno del corno alpino calcan el modelo del finale de la sinfonía coral del genio de Bonn.

Sin embargo, los dos movimientos centrales (un amable andante en forma de romanza y un plácido intermezzo) se alejan del prototipo beethoveniano, más potente, y nos muestran a un Brahms más romántico y contemplativo, claramente inspirado por Schumann.

Para que podáis comprobar la grandiosidad beethoveniana os dejo un link a unos videos que recogen el último movimiento. 

Brahms Sinfonia N.1 Quarto Mov (1ª parte, 2ª parte) Berliner Phihlarmoniker -Karajan

Sinfonía nº 2 en re mayor, Op. 73 (1877)

La segunda sinfonia representa un giro de 180 grados respecto a la anterior, parece que Brahms una vez rendidas cuentas con Beethoven tome su propia vía. En esta segunda sinfonía abandona el dramatismo para aterrizar en una concepción más lírica. Compuesta durante una visita a los Alpes austriacos, tradicionalmente a esta sinfonía se la considera la más original de las cuatro, su sinfonía “Pastoral”, ya que está llena del simbolismo romántico de la Naturaleza (con intervenciones de trompa, flautas o clarinetes que trinan como los pájaros) que envuelve a la partitura en un contexto armónico exuberante.

En su segunda sinfonía, Brahms conserva la forma típica en cuatro movimientos:

I. Allegro no troppo

II. Troppo no Adagio

III. Allegretto grazioso (quasi Andantino)

IV. Allegro con Spirito,

El primer movimiento suena como un inmenso vals, con expansivas melodías, pero los trombones de vez en cuando introducen unos sonidos más sombríos que hacen de contrapunto a la placidez general. En el segundo movimiento estas sombras se hacen más evidentes, llegando a desencadenar un clímax más trágico. En los dos últimos movimientos se aligera de nuevo la atmósfera, siendo el Allegretto un intermezzo donde se mezcla una melodía elegante con una rápida y nerviosa danza. El cuarto movimiento es un estallido de optimismo y jovialidad, siendo la música más vivaz que jamás compondría Brahms (a parte de alguna de sus danzas húngaras), como podéis disfrutar en el link que os adjunto.

Symphony Nr. 2 in D major – Op. 73 (Allegro con spirito) Berliner Philarmoniker Simon Rattle Tokyo 2004

 Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 (1883)

Hans Richter, que en Viena, llamó a la sinfonía “Heroica”, pero tanto por su contenido como por su estructura no tiene nada que ver con la homónima de Beethoven: es la sinfonía más corta de Brahms y sus secciones en los tres movimientos en forma de sonata son muy breves. Pero a pesar de su brevedad es una de sus obras armónica y melódicamente más ricas: las exposiciones de los temas y las recapitulaciones son expansivas y llenas de ideas memorables, mientras que la unidad interna entre los diferentes movimientos queda garantizada por el desarrollo de elementos procedentes del movimiento lento en el final, y la utilización de una particula o “motto”, típica de Brahms (FA-LA-FA, F-A-F en notación), que dicen que el compositor asociaba a su lema vital “frei aber froh” (libre pero feliz).

La sinfonía tiene cuatro movimientos:

I. Allegro con brio

II. Andante

III. Poco allegretto

IV. Allegro

El primer movimiento se inicia con una enérgica exposición  de la orquesta de la melodía primaría que no decae en todo el desarrollo con un tempo de vals lleno de agitación y apasionamiento. El segundo movimiento es mucho más amable como si fuera una representación de la música de una fiesta rural. El intermezzo que le sigue presenta un carácter más agridulce, más introspectivo y sentido. El último movimiento se inicia de manera misteriosa para estallar de manera ardiente y dramática que culmina en con una frenética transformación de uno de los temas del movimiento lento.

Brahms: Symphony No.3 Mov.3-The Leipzig Gewandhaus Orchestra – Kurt MASUR, 1991

Sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98 (1885)

La última sinfonía de Brahms es para mí una de las obras sinfónicas más fascinantes de toda la música, ya que representa la fusión de revivir la formalidad estructural más barroca con toda la pasión del romanticismo. El genial último movimiento recupera la antigua forma del pasacalle, apoyado en un bajo del coro final de la Cantata nº150 de Bach. Esta unión se palpa a lo largo de toda la obra, en la que la tragedia y el lirismo encuentran su máximo expresión en toda la producción del compositor.

La sinfonía está dividida en cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo

II. Andante moderato

III. Allegro giocoso – Poco meno presto – Tempo I

IV. Allegro energico e passionato – Più Allegro

El agitado primer movimiento ya contiene el germen del final. El tema de obertura es muy bello y dinámico, con una armonía vibrante y una estructura muy compleja (barroca) presagiando algunos de los elementos que se desarrollaran a lo largo de toda la obra y que se materializarán en el final. El movimiento lento recuerda la austeridad de muchas composiciones eclesiásticas barrocas, contrapuestas con la calidez y el brillo de la tonalidad en mi mayor que lo rige. El tercer movimiento es de un ímpetu rítmico y energía contagiosos. El pasacalle final somete el tema de inspiración bachiana a treinta variaciones y una coda, donde las variaciones individuales se agrupan en grandes párrafos para darle una apariencia de forma de sonata. El flujo de ideas es continuado y genial.

Como muestra os dejo un link con este último movimiento interpretado gloriosamente por Carlos Kleiber y la Bayerische Staatsorchester. Atención al virtuosismo del maestro, que tiene la referencia absoluta de esta obra en su grabación de 1980 con la Filarmónica de Viena para DG.

Brahms Symphony No.4 (4th mov) – Bavarian State Orchestra. Carlos Kleiber

brahms - sanderling

Brahms-Sinfonías-Kurt Sanderling-Staatskapelle Dresden

Esta integral grabada a principios de los años 70 es una de las integrales referenciales para gran parte de la crítica internacional. La visión de Sanderling es muy académica, sin genialidades personalistas como podrían ser las de Furtwängler (puro fuego) o manierismos orquestales (Karajan), su concepción es similar a la de la primera integral de Giulini (con la Philharmonia) pero sin llegar a esa “frialdad” ascética del italiano, ni esos tiempos tendientes a la lentitud (como también les pasa a Klemperer o Celibidache).

Sanderling obtiene un rendimiento excelente de la Staatskapelle, con un equilibrio entre planos orquestales casi milimétrico pero sin desperdiciar la maravillosa afinación y compenetración de la cuerda de los de Dresde.

Son los puntos fuertes de su integral una tercera muy vivaz pero extremadamente clara en la exposición de la entramada estructura, y una cuarta que rivaliza sin problemas con la genial versión de Kleiber jugando en el mismo terreno del apasionamiento pero sin dejar de prestar escrupulosa atención a todos los detalles.

Su visión de la primera es muy Beethoveniana, con un primer y cuarto movimiento que por articulación y precisión anticipan los criterios historicistas de un Gardiner o un Harnoncourt. Mientras que la segunda es quizás su interpretación más convencional.

CD 01

Symphony No. 1 in C minor, op. 68

Variations on a Theme by Haydn, op. 56a

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (I-II)

CD 03

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (III-IV)

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Tragic Overture, op. 81

Staatkapelle Dresden-Kurt Sanderling

Brams-Rattle

Brahms-Sinfonías-Simon Rattle-Berliner Philharmoniker

Desde la integral de Karajan nadia había conseguido extraerle a las obras de Brahms y a los filarmónicos berlineses un magma sonoro tan cautivador y brillante como el director británico, ni siquiera Abbado en su integral, con un sonido más masivo y compacto. Rattle se consolida como un gran intérprete de Brahms con estas lecturas, después de su maravillosa versión del Requiem Alemán. Maravilla, también, la calidad de la toma de sonido (de los conciertos en directo realizados en noviembre de 2008), con una Filarmónica de Berlín en estado de gracia.

Rattle triunfa plenamente en una versión de la segunda tan pastoral como absolutamente vitalista, al igual que en la primera consigue transmitir toda la energía de los movimientos extremos y el romanticismo desbordado de los intermedios. En la tercera nos deja un tercer movimiento totalmente evocador, y en la cuarta cincela la intrincada estructura barroquizante con precisión, dejando una lectura que si bien no es la más dramática quizás sí es la más limpia y precisa.

CD 01

Symphony no. 1 in C minor, op. 68

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90

CD 03

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Berliner Philharmoniker-Simon Rattle

Mis favoritos: Montserrat Caballé – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites

22 Octubre 2009

Caballerara

No voy a hacer muchos comentarios de este extraordinaria recopilación de arias que la soprano catalana grabó entre 1968 y 1970, y que representaron una pequeña revolución dentro del mundo de la lírica, ya que no era usual que una cantante recién ascendida al estrellato se dedicara a grabar, en vez de las piezas más trilladas del repertorio sopranil, una serie de escenas y arias de obras escasísimamente representadas o totalmente olvidadas.

El ansia de la Caballé por hacer arqueología musical tiene aquí su primer y uno de los más suculentos frutos, con la soprano en plenitud de facultades, Sólo decir que muchas de las arias que aquí se recogen después fueron interpretadas en recuperaciones de las obras, algunas de ellas protagonizadas por la misma Caballé; y que muchas de ellas han pasado a formar parte del repertorio de otras ilustres compañeras.

La voz de la Caballé suena sin mácula y su canto es realmente cautivador por musicalidad, estilo y matices, si bien podría decirse que con el tiempo mejoraría en la emisión del registro grave y perfeccionaría en la ejecución de algunos pasajes de coloratura.

Estos discos son una joya de valor incalculable que todo amante del belcanto debería conocer y atesorar.

Montserrat Caballe – Rossini, Donizetti y Verdi Rarites (CD01, CD02a, CD02b)

 CD1

01. Rossini – La Donna del Lago – Tanti Affetti In Tal Momento
02. Rossini – Otello – O Tu, Del Mio Dolor-Assisa A’ Piè D’un Salice
03. Rossini – Stabat Mater – Inflammatus Et Accensus
04. Rossini – Armida – D’amore Al Dolce Impero
05. Rossini – Tancredi – O Patria Dolce-Tu Che Accendi Questo Core Di Tanti Palpiti
06. Rossini – L’Assedio di Corinto – L’ora Fatal S’appressa-Giusto Ciel! in Tal Perigli
Orchestra e Coro della RCA Italiana – Carlo Felice Cillario

07. Donizetti – Belisario – Plauso! Voci Di Gioia-Sin La Tomba E A Me Negata!
08. Donizetti – Parisina d’Este – Act 3 No, Più Salir Non Ponno … Ciel, Sei Tu Che…

CD2

01. Donizetti – Torquato Tasso – Fatal Goffredo!Trono E Corona
02. Donizetti – Gemma Di Vergy – Lascia, Guido, Ch’io Possa Vendicare-Una Voce
London Symphony Orchestra – Carlo Felice Cillario

03. Verdi – Un Giorno Di Regno – (Il finto Stanislao) Ah! Non M’hanno Ingannata!-Grave A Core
04. Verdi – I Lombardi – Qual Prodigio! Non Fu Sogno!
05. Verdi – I Due Foscari – No, Mi Lasciate-Tu Al Cui Sguardo Onnipossent
06. Verdi – Alzira – Riposa. Tutte, In Suo Dolor Vegliante-Da Gusman
07. Verdi – Attila – Liberamente Or Piangi-Oh! Nel Fuggente Nuvolo
08. Verdi – Il Corsaro – Egli non Riede Ancora!-Non So Le Tetre Immagini
09. Verdi – Aroldo – Oh, Cielo! Dove Son’io!-Ah! Dagli Scanni Eterei

Orchestra e Coro della RCA Italiana – Anton Guadagno