Archive for the 'Rattle' Category

INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 6

13 febrer 2011

Després de molts mesos continuem amb el sixé, i penúltim, capítol de la sèrie, amb el capítol titulat “After the wake”.

El programa repeteix la mateixa estructura habitual i en aquest cas es retoma música de compositors ja escoltats en els anteriors episodis (fins i tot d’algunes obres ja comentades, com les “Cinc peces per a orquestra Opus 10” de Webern).

Escoltem a l’anyorada Margaret Price en “Im Abendrot”, l’últim del Quatre últims lieders de Richard Strauss, una música totalmente evocadora en una súblim interpretació. L’acompanyen André Previn i la London Symphony Orchestra.

 

Ara les “Cinc peces per Orquestra” d’Anton Webern, una autèntica meravella que apenes dura quatre minuts.

 

Per últim us deixo una peça auténticament hardcore on l’abrumador torrent de sons que generen els tres conjunts orquestrals fan molt difícil la seva escolta. Stockhausen no és gens senzill, i aquesta obra tampoc, tot i ser una obra de juventut. El vídeo es correspon a l’estrena espanyola de l’obra a l’octubre de 2008. Són l’ONE i els directors: Nacho de Paz, Arturo tamayo i José Ramón Encinar.

 

Leaving Home, a television programme introducing 20th century orchestral music

Capítol 6: ‘After the Wake’ (vídeo)

 

 

1. ‘Four last songs’ (‘Quatre últimes cançons’) de Richard Strauss, en concret de la quarta, titulada Im Abendrot”, amb text de Joseph von Eichendorff2. ‘A Survivor from Warsaw’, de Arnold Schoenberg, amb lletra recitada, del propi Schoenberg

3. ‘Cinc peces per orquestra, Opus 10’, d’Anton Webern
4. ‘Le Marteau sans maître’ de Pierre Boulez
5. ‘Gruppen’, de Karlheinz Stockhausen, per a tres orquestres, cadascuna amb el seu director, entre ells Daniel Harding.
6. ‘Serenata per a tenor, trompa i cordes’ de Benjamin Britten. En concret, el ‘Nocturn’ de Tennyson
7. El ballet ‘Agon’ d’Igor Stravinsky

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INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 5

27 Octubre 2010

En aquest cinqué capítol de la sèrie, Simon Rattle examina les contribucions dels compositors nordamericans a la música del segle passat.

Rhapsody in blue, potser la peça més emblemàtica de la música clàssica nordamericana. Leonard Bernstein, director i solista al Royal Albert Hall, 1976.

Es conegut l’entusiasme del director anglès per a questa música, que es reflexa en la brillant narració que fa durant el programa. En ell es continua amb la dinàmica d’intercalar imatges d’arxiu amb fragments interpretats pel director amb la seva orquestra, la City of Birmingham Symphony, incloent-se també un parell de clips amb la Duke Ellington’s Orchestra i la cantant Bessie Smith.

Una altra de les peces més populars i magnífiques és la música per ballet Appalachian Spring d’Aaron Copland. Aquí us deixo Simple Gifts, la més famosa de totes les seves parts.

La música està interpretada expertament en fragments llargs i ininterrumputs de Gershwin, Ives, Charles Carter, Copland, Weill, Bernstein, Cage, Feldman, Riley i John Adams, com a bona mostra de la música produïda als EEUU durant el segle passat, des de la més jazzística (Gershwin), la més tradicional (Copland, Ives), o teatral (Bernstein) fins a la més experimental (Cage).

La peça First Construction in metal (1939) de John Cage està composada exclusivament per instruments de percussió. Aquí us la deixo interpretada pel Humboldt State University Percussion Ensemble

Extret del propi capítol, us deixo una petita mostra de la magnífica Harmonium (1980) de John Adams.

Per últim, i com apoteosi, us deixo a la Jove Orquestra Simón Bolivar amb el seu director Gustavo Dudamel interpretant el Mambo de West Side Story de Leonard Bernstein, als Proms de 2007.

Capítol 5:‘The American Way’ (‘La manera nordamericana’) (Video)

1. ‘Rhapsody in blue’ de George Gershwin – Wayne Marshall, piano

2. ‘Decoration Day’ de la obra Holidays, de Charles Ives

3. ‘A Celebration of Some 100×150 Notes’ de Elliot Carter

4. ‘Appalachian Spring’ de Aaron Copland

5. La canción ‘Lonely House’ del musical ‘Street Scene’, de Kurt Weill

6. ‘Symphonic Dances from West Side Story’ de Leonard Bernstein

7. ‘Sonatas and Interludes for prepared piano’ de John Cage

8. ‘First Construction (in metal)’ de John Cage

9. ‘Mme Press Died Last Week at 90’ de Morton Feldman

10. ‘In C’ de Terry Riley

11. ‘Harmonium’ de John Adams

City of Birmingham Symphony Orchestra and Chorus – Simon Rattle

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INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 4

2 Octubre 2010

“Tres viatges per paisatges ombrívols” és la quarta entrega de la sèrie, i de moment la que més m’ha agradat. Pot ser és per la música escollida o pot ser per la manera tant interessant com s’exposen les vides dels tres compositors de l’Europa de l’Est que van viure en moments força foscos de la història del segle XX.

Així, comença amb la vida de Bartok, en una Hungria sota l’obra del poder germànic, contiunua amb Shostakovich l’obra del qual es va desenvolupar en gran part sota el totalitarisme de l’Unió Soviètica, i finalitza en la Polónia comunista i represiva on va haver de lluitar per poder conservar la seva personalitat artística en Witold Lutoslawsky.

Rattle ens explica com cadascun d’ells va lluitar per mantenir la seva visió musical i artística individual per sobre de les directrius imposades als seus països, i com, malgrat això van ser capaços de crear autèntiques obres mestres.

A Csodálatos Mandarin de Bela Bartok. Orquestra de la Ràdio Bavaresa dirigida per Mariss Jansons (2007)

Així, de Bartok ens trobem amb fragments de “El castell de Barbablava” (amb l’Anne Sophie von Otter i el Willard White), “El mandarí meravellós”, la Música per cordes, percussió i celesta i el Concert per orquestra. De Shostakovich fragments de les simfonies 4, 5 i 14; i de Lutoslawsky del Concert per orquestra, els “Jeuc Venetiens” i la seva tercera simfonia.

L’espectacular últim movement de la simfonia nº5  de Shostakovich interpretat per la New York Philharmonic Orchestra i dirigit per Leonard Bernstein (1979)

Final de la simfonia nº3 de Witold Lutoslawski. L’obra es va estrenar a Chicago el 1983 sota la direcció de Sir Georg Solti, i el fragment que sentim pertany a la primera gravació oficial de l’obra amb Los Angeles Philharmonic dirigida per Esa-Pekka Salonen.

Leaving Home, a television programme introducing 20th century orchestral music

Capítol 4: ‘Three Journeys Through Dark Landscapes’ (video)

1. ‘El castell de Barbablava’, òpera de Béla Bartók

2. ‘Música per corda, percussió i celesta’ de Béla Bartók

3. ‘El mandarí meravellós’ de Béla Bartók

4. ‘Concert per a orquestra’ de Béla Bartók

5. ‘Simfonia número 4’ de Dimitri Shostakovich

6. ‘Simfonia número 5’ de Dimitri Shostakovich

7. ‘Simfonia número 14’ de Dimitri Shostakovich

8. ‘Concert per a orquestra’ de Vitold Lutoslawski

9. ‘Jeux Venetiens’ (‘Jocs venecians’) de Vitold Lutoslawski

10. ‘Simfonia número 3’ de Vitold Lutoslawski

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INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 3

31 Agost 2010

“Color” és el tercer capítol de la sèrie, i en ell es tracta l’evolució en el tractament tímbric i les textures sonores que es van donar des del post-romanticisme a la música clàssica actual.

L’obra de partida en aquest cas és el “Preludi a la migdiada d’un faune” de Claude Debussy. Un altre vegada Rattle comença amb una obra tremendament popular i rellevant on ens explica la forta vinculació d’aquella música amb el que estava passant amb el món de la pintura: l’Impressionisme. A partir d’aquí se’ns plantegen com a pioners el colorisme folclòric de l’”Ocell de foc” de Stravinsky i les atmosferes del “Daphnis et Chloe” de Ravel, inclús la contribució de Schoenberg a les textures orquestrals de les seves “5 peces per orquestra”.

Ja més actuals en el temps són les versions al piano (amb el propi Rattle) i amb orquestra de les “Notations” de Pierre Boulez, l’“Et expecto…” de Messiaen i la molt interessant tímbricament “Dream/Window” de Takemitsu.

Com sempre Rattle introdueix cada peça en context històric i artístic, posa exemples al piano i intenta, sempre, ser el màxim didàctic possible, amb un llenguatge entenedor i directe.

Us deixo un parell de vídeos amb la versió que feia un Leopold Stokowski de 90 anys del “Prélude à l’après-midi d’un faune” amb la London Symphony. Aquesta peça era una de les seves especialitats, ja que l’anava molt bé al seu estil molt atent a les sonoritats i a la recreació de les textures orquestrals.

Leaving Home, a television programme introducing 20th century orchestral music

Capítol 3: ‘Colour’ (VIDEO)

1. ‘Prélude à l’après-midi d’un faune’ de Claude Debussy

2. ‘El pájaro de fuego’ d’Igor Stravinsky

3. ‘Daphnis et Chloé’ de Maurice Ravel

4. ‘Jeux’ de Claude Debussy

5. ‘Cinco piezas para orquesta Opus 16’ d’A. Schoenberg

6. ‘Notations’ para piano (en versión orquestal) de Pierre Boulez

7. ‘Et expecto resurrectionem mortuorum’ d’Olivier Messiaen

8. ‘Dream/Window’ de Toru Takemitsu

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INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 2

12 Agost 2010

“Ritme” és el segon capítol de la sèrie on Simon Rattle ens introdueix en la música clàssica del segle XX.

Si a l’anterior entrega ens presentava l’evolució del postromanticisme cap a l’atonalitat i el dodecafonisme, aquí ens introdueix en l’exploració del pols musical: el ritme.

Comença Rattle amb un punt de partida també tòpic i típic per aquest tema (a l’igual que el Tristany en el primer capítol) com és La consagració de la primavera de Stravinsky, on s’intenta retratar la força de la natura. A partir d’aquí es succeixen una sèrie d’obres ja no tant conegudes, de les que es destaquen les diferents aportacions a l’evolució del tractament del ritme dins de la música del segle XX.

Així, de l’”Ionisation” de Varese ens parla de com es reflecteix el canvi del paissatge en la societat moderna (amb els cotxes i els gratacels). Amb les obres de Nancarrow la introducció de noves tecnologies, amb Reich les influències del continent africà, amb Boulez i Ligeti diferents experiments rítmics, per acabar amb les influències hindús de la “Turangalila” de Messiaen.

Per a que feu un tast us deixo l’emblemàtica “La consagració de la primavera” interpretada per Valery Gergiev i la London Symphony Orchestra (2007).

Leaving Home, a television programme introducing 20th century orchestral music

Capítulo 2: ‘Rhythm’ (VIDEO)

1. Ballet ‘La consagración de la primavera’ de Igor Stravinsky

2. ‘Ionisation’ de Edgar Varèse

3. ‘Das Lied von der Erde’ de Gustav Mahler

4. ‘Atmosphères’ de György Ligeti

5. ‘Music for Pieces of Wood’ de Steve Reich

6. ‘Piano Roll No. 21’ de Conlon Nancarrow

7. ‘Rituel in Memoriam Bruno Maderna’ de Pierre Boulez

8. ‘Sinfonía Turangalila’ de Olivier Messiaen

The City of Birmingham Symphony Orchestra – Simon Rattle.

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INTRODUCCIÓ A LA MÚSICA DEL SEGLE XX. CAPÍTOL 1

10 Agost 2010

“Ballant sobre el volcà” és el primer d’una sèrie de capítols que, sota la guia de Simon Rattle, ens intenta introduir en la música clàssica del segle XX.

El director britànic, un autèntic coneixedor i defensor d’aquest repertori, ens condueix a través dels diferents moments històrics i moviments musicals que van fer evolucionar la música des de la placidesa del post-romanticisme fins a l’atonalitat i el dodecafonisme.

Com a tòpic absolut de la història de la música, tot comença amb l’acord inicial del preludi del Tristan und Isolde, i a partir d’aquí, mitjançant exemples al piano, narració i fragments de peces interpretades per la City of Birmingham Symphony Orchestra, es van desenvolupant de manera clara i entenedora els diferents conceptes.

Escoltem el preludi i el Libestod del Tristan und Isolde amb l’Orquestra West-Eastern Divan dirigida per Daniel Barenboim, als PROMS del 2009

La sèrie consta de set capítols, que anirem desgranant poc a poc, i que he trobat al molt recomanable blog de Jmrecillas.

Per als neofits és una sèrie ideal per introduir-se en el món d’aquesta música que en moltes ocasions no és fàcil de pair a primera oïda. Per als més experts els i semblarà poc.

Leaving Home, a television programme introducing 20th century orchestral music

Capítulo 1: ‘Dancing on a Volcano’ (‘Bailando sobre un volcán’) (VIDEO)

1. Obertura de la ópera ‘Tristan und Isolde’ (‘Tristán e Isolda’) de Richard Wagner

2. ‘Verklärte Nacht’ (‘Noche transfigurada’), de Arnold Schoenberg, basada en un poema narrativo de su contemporáneo Richard Dehmel

3. ‘Sinfonía 7 en Mi menor’ de Gustav Mahler

4. Ópera ‘Elektra’ de Richard Strauss(*)

5. ‘Cinco piezas para orquesta Opus 16’ de Arnold Schoenberg

6. ‘Cinco piezas para orquesta Opus 10’ de Anton Webern

7. Concierto para violín y orquesta’ de Alban Berg (**)

(*) Felicity Palmer

(**) Gidom Kremer

The City of Birmingham Symphony Orchestra – Simon Rattle.

Mis favoritos: Las sinfonías de Johannes Brahms

25 Octubre 2009

Brahms

En las últimas semanas he escuchado dos integrales de las cuatro sinfonías de Brahms. Tengo que confesar que estas obras están entre las composiciones que más me gusta escuchar y reescuchar, sobretodo la cuarta, que es una de las composiciones sinfónicas que más me llenan y me hacen disfrutar.

Las dos integrales que os presento son muy diferentes. La primera es un clásico de la discografía y la segunda una novedad (apareció hace pocos meses) que acabará siendo un clásico. Pero hablemos un poco de las sinfonías.

Sinfonía nº 1 en do menor, Op. 68 (1876)

La primera sinfonía de Brahms se estrenó en 1876 después de una larguísima concepción. El mundo musical esperaba con ansia la primera obra sinfónica del compositor, y Brahms consciente de ello se tomó su tiempo. En 1862 ya tenía una versión del primer movimiento, mientras que 1868 seguramente ya había concluido el último, ya que envió una felicitación de cumpleaños a Clara Schumann con el tema del “cuerno alpino” del finale. Después del estreno de 1876 todavía volvería a reescribir el segundo movimiento.

La sinfonía tiene cuatro movimientos, indicados como sigue:

I. Un poco sostenuto – Allegro – meno Allegro

II. Andante sostenuto

III. Un poco Allegretto e grazioso

IV. Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio – Più Allegro (do mayor)

El primer y cuarto movimiento son claramente de inspiración Beethoveniana, de allí que se le llegase a calificar como la décima, ya que el tipo de tema y desarrollo del primero recuerdan claramente la estructura del primero de la novena, mientras que el último con su impetuoso inicio de la que emerge la melodía en forma de himno del corno alpino calcan el modelo del finale de la sinfonía coral del genio de Bonn.

Sin embargo, los dos movimientos centrales (un amable andante en forma de romanza y un plácido intermezzo) se alejan del prototipo beethoveniano, más potente, y nos muestran a un Brahms más romántico y contemplativo, claramente inspirado por Schumann.

Para que podáis comprobar la grandiosidad beethoveniana os dejo un link a unos videos que recogen el último movimiento. 

Brahms Sinfonia N.1 Quarto Mov (1ª parte, 2ª parte) Berliner Phihlarmoniker -Karajan

Sinfonía nº 2 en re mayor, Op. 73 (1877)

La segunda sinfonia representa un giro de 180 grados respecto a la anterior, parece que Brahms una vez rendidas cuentas con Beethoven tome su propia vía. En esta segunda sinfonía abandona el dramatismo para aterrizar en una concepción más lírica. Compuesta durante una visita a los Alpes austriacos, tradicionalmente a esta sinfonía se la considera la más original de las cuatro, su sinfonía “Pastoral”, ya que está llena del simbolismo romántico de la Naturaleza (con intervenciones de trompa, flautas o clarinetes que trinan como los pájaros) que envuelve a la partitura en un contexto armónico exuberante.

En su segunda sinfonía, Brahms conserva la forma típica en cuatro movimientos:

I. Allegro no troppo

II. Troppo no Adagio

III. Allegretto grazioso (quasi Andantino)

IV. Allegro con Spirito,

El primer movimiento suena como un inmenso vals, con expansivas melodías, pero los trombones de vez en cuando introducen unos sonidos más sombríos que hacen de contrapunto a la placidez general. En el segundo movimiento estas sombras se hacen más evidentes, llegando a desencadenar un clímax más trágico. En los dos últimos movimientos se aligera de nuevo la atmósfera, siendo el Allegretto un intermezzo donde se mezcla una melodía elegante con una rápida y nerviosa danza. El cuarto movimiento es un estallido de optimismo y jovialidad, siendo la música más vivaz que jamás compondría Brahms (a parte de alguna de sus danzas húngaras), como podéis disfrutar en el link que os adjunto.

Symphony Nr. 2 in D major – Op. 73 (Allegro con spirito) Berliner Philarmoniker Simon Rattle Tokyo 2004

 Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 (1883)

Hans Richter, que en Viena, llamó a la sinfonía “Heroica”, pero tanto por su contenido como por su estructura no tiene nada que ver con la homónima de Beethoven: es la sinfonía más corta de Brahms y sus secciones en los tres movimientos en forma de sonata son muy breves. Pero a pesar de su brevedad es una de sus obras armónica y melódicamente más ricas: las exposiciones de los temas y las recapitulaciones son expansivas y llenas de ideas memorables, mientras que la unidad interna entre los diferentes movimientos queda garantizada por el desarrollo de elementos procedentes del movimiento lento en el final, y la utilización de una particula o “motto”, típica de Brahms (FA-LA-FA, F-A-F en notación), que dicen que el compositor asociaba a su lema vital “frei aber froh” (libre pero feliz).

La sinfonía tiene cuatro movimientos:

I. Allegro con brio

II. Andante

III. Poco allegretto

IV. Allegro

El primer movimiento se inicia con una enérgica exposición  de la orquesta de la melodía primaría que no decae en todo el desarrollo con un tempo de vals lleno de agitación y apasionamiento. El segundo movimiento es mucho más amable como si fuera una representación de la música de una fiesta rural. El intermezzo que le sigue presenta un carácter más agridulce, más introspectivo y sentido. El último movimiento se inicia de manera misteriosa para estallar de manera ardiente y dramática que culmina en con una frenética transformación de uno de los temas del movimiento lento.

Brahms: Symphony No.3 Mov.3-The Leipzig Gewandhaus Orchestra – Kurt MASUR, 1991

Sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98 (1885)

La última sinfonía de Brahms es para mí una de las obras sinfónicas más fascinantes de toda la música, ya que representa la fusión de revivir la formalidad estructural más barroca con toda la pasión del romanticismo. El genial último movimiento recupera la antigua forma del pasacalle, apoyado en un bajo del coro final de la Cantata nº150 de Bach. Esta unión se palpa a lo largo de toda la obra, en la que la tragedia y el lirismo encuentran su máximo expresión en toda la producción del compositor.

La sinfonía está dividida en cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo

II. Andante moderato

III. Allegro giocoso – Poco meno presto – Tempo I

IV. Allegro energico e passionato – Più Allegro

El agitado primer movimiento ya contiene el germen del final. El tema de obertura es muy bello y dinámico, con una armonía vibrante y una estructura muy compleja (barroca) presagiando algunos de los elementos que se desarrollaran a lo largo de toda la obra y que se materializarán en el final. El movimiento lento recuerda la austeridad de muchas composiciones eclesiásticas barrocas, contrapuestas con la calidez y el brillo de la tonalidad en mi mayor que lo rige. El tercer movimiento es de un ímpetu rítmico y energía contagiosos. El pasacalle final somete el tema de inspiración bachiana a treinta variaciones y una coda, donde las variaciones individuales se agrupan en grandes párrafos para darle una apariencia de forma de sonata. El flujo de ideas es continuado y genial.

Como muestra os dejo un link con este último movimiento interpretado gloriosamente por Carlos Kleiber y la Bayerische Staatsorchester. Atención al virtuosismo del maestro, que tiene la referencia absoluta de esta obra en su grabación de 1980 con la Filarmónica de Viena para DG.

Brahms Symphony No.4 (4th mov) – Bavarian State Orchestra. Carlos Kleiber

brahms - sanderling

Brahms-Sinfonías-Kurt Sanderling-Staatskapelle Dresden

Esta integral grabada a principios de los años 70 es una de las integrales referenciales para gran parte de la crítica internacional. La visión de Sanderling es muy académica, sin genialidades personalistas como podrían ser las de Furtwängler (puro fuego) o manierismos orquestales (Karajan), su concepción es similar a la de la primera integral de Giulini (con la Philharmonia) pero sin llegar a esa “frialdad” ascética del italiano, ni esos tiempos tendientes a la lentitud (como también les pasa a Klemperer o Celibidache).

Sanderling obtiene un rendimiento excelente de la Staatskapelle, con un equilibrio entre planos orquestales casi milimétrico pero sin desperdiciar la maravillosa afinación y compenetración de la cuerda de los de Dresde.

Son los puntos fuertes de su integral una tercera muy vivaz pero extremadamente clara en la exposición de la entramada estructura, y una cuarta que rivaliza sin problemas con la genial versión de Kleiber jugando en el mismo terreno del apasionamiento pero sin dejar de prestar escrupulosa atención a todos los detalles.

Su visión de la primera es muy Beethoveniana, con un primer y cuarto movimiento que por articulación y precisión anticipan los criterios historicistas de un Gardiner o un Harnoncourt. Mientras que la segunda es quizás su interpretación más convencional.

CD 01

Symphony No. 1 in C minor, op. 68

Variations on a Theme by Haydn, op. 56a

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (I-II)

CD 03

Symphony no. 3 in F major, op . 90 (III-IV)

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Tragic Overture, op. 81

Staatkapelle Dresden-Kurt Sanderling

Brams-Rattle

Brahms-Sinfonías-Simon Rattle-Berliner Philharmoniker

Desde la integral de Karajan nadia había conseguido extraerle a las obras de Brahms y a los filarmónicos berlineses un magma sonoro tan cautivador y brillante como el director británico, ni siquiera Abbado en su integral, con un sonido más masivo y compacto. Rattle se consolida como un gran intérprete de Brahms con estas lecturas, después de su maravillosa versión del Requiem Alemán. Maravilla, también, la calidad de la toma de sonido (de los conciertos en directo realizados en noviembre de 2008), con una Filarmónica de Berlín en estado de gracia.

Rattle triunfa plenamente en una versión de la segunda tan pastoral como absolutamente vitalista, al igual que en la primera consigue transmitir toda la energía de los movimientos extremos y el romanticismo desbordado de los intermedios. En la tercera nos deja un tercer movimiento totalmente evocador, y en la cuarta cincela la intrincada estructura barroquizante con precisión, dejando una lectura que si bien no es la más dramática quizás sí es la más limpia y precisa.

CD 01

Symphony no. 1 in C minor, op. 68

CD 02

Symphony no. 2 in D major, op. 73

Symphony no. 3 in F major, op . 90

CD 03

Symphony no. 4 in E minor, op. 98

Berliner Philharmoniker-Simon Rattle

Mis favoritos: Gustav Holst – Los planetas

17 Mai 2009

NPG P109, Gustav Theodore Holst

Los planetas (1917) de Gustav Holst (1874-1934) son una maravilla. Es la primera obra británica del siglo XX que se atrevió a hacer lo que la mayoría de los compositores más avanzados de la época (Strauss, Debussy, Stravinsky y Schoenberg) pretendían, y en cierto modo aúna sus diversas influencias con acentos del folclore inglés. Y algo aún más insólito: fue un éxito desde su estreno.

El público respondió a la riqueza y la calidad de sus melodías, a su imaginativa partitura para una opulenta orquesta, y al carácter claramente definido de cada uno de sus siete movimientos. Pero quizá en aquel momento no todo el mundo se dio cuenta, ni se da cuenta hoy, de cuál es realmente el tema de la obra.

Gustav Holst: URANO, El mago. Leonard Slatkin – BBC Symphony Orchestra. Proms 2004.

No trata, como sugieren docenas de cubiertas de CD de astronomía, sinó de astrología. Tal y como Raymond Head ha averiguado tras una fascinate investigación, Holst tomó la idea para la pieza de un libro donde un tal Alan Leo expone la teoría astrológica de la influencia de los planetas en el alma humana. Y el inusual pero efectivo ordenamiento de los siete movimientos está designado, según Head,para describir “la evolución de la experiencia de la vida humana desde la juventud hasta la ancianidad”.

The Planets (Los planetas) op. 32. Suite de siete movimientos, a cada uno de los cuales Holst le dio el nombre de un planeta (y su correspondiente deidad en la mitología romana):

  1. Marte, el portador de la Guerra.
  2. Venus, el portador de la Paz.
  3. Mercurio, el mensajero alado.
  4. Júpiter, el portador de la Alegría.
  5. Saturno, el portador de la Vejez.
  6. Urano, el mago.
  7. Neptuno, el místico.

Holst-Strauss-Steinberg

STRAUSS-HOLST (CD)

1-9. R.Strauss. Así habló Zaratustra.

10-16. G.Holst. Los Planetas

Boston Symphony Orchestra – William Steinberg (1970)

Planets-karajan

HOLST – The Planets (CD)

Berliner Philahrmoniker – Herbert von Karajan (1981)

Holst_planets_rattle

 HOLST – The Planets (CD)

1-7) Holst: The Planets

8.) Mattheus: Pluton

Berliner Philharmoniker – Simon Rattle